15 opere sincere di Caravaggio, guardare che ti mette a disagio

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

La maggior parte dei dipinti di Caravaggio era incentrata sul ciclo della tortura, dell'immensa lotta e della morte. Artisti come Ruben, Rembrandt, José de Ribera e Gian Lorenzo Bernini furono fortemente influenzati dal suo lavoro e si definirono i Caravaggisti. E per quanto deplorevole possa sembrare, Michelangelo ha avuto una vita personale traumatica, oltre a tutto ciò, è stato condannato a morte con l'accusa di omicidio, per il quale è stato costretto a fuggire da Napoli. E nonostante il fatto che il grande artista sia morto nel 1610, fino ad oggi c'è un'opinione e c'è polemica riguardo alla sua morte, e alcuni suggeriscono che sia stato un omicidio.

1. Incredulità dell'apostolo Tommaso, 1601-1602

E in questo lavoro, l'artista ha usato la tecnica del chiaroscuro, dove è chiaramente visibile l'interazione ideale di ombre chiare e scure. Cristo tiene saldamente la mano destra di San Tommaso, guidando il suo dito indice attraverso la ferita infertagli. Insieme a San Tommaso, il ritratto raffigura altri due apostoli, presentati in maniera rustica. Cristo è presentato come una persona comune, non un essere divino, poiché non è circondato da un'aureola.

2. Crocifissione di San Pietro, 1600

Il dipinto raffigura San Pietro, mezzo inchiodato sulla croce, capovolto, poiché non voleva rappresentare un rivale di Cristo Salvatore. C'è un senso di serenità attorno a quest'opera, poiché il volto della vittima è privo di dolore o tensione, sembra invece accettare il suo martirio a braccia aperte, che contrasta con l'umore dei carnefici che lottano per portare a termine il loro compito con efficienza. Non c'è spettatore che assista alla crocifissione, che lo trasforma quindi in una crisi personale e non in un evento storico.

3. Bacio di Giuda, 1602

Questo raffigura l'arresto di Cristo. Oltre a Gesù, altre figure presenti sono Giovanni, i tre soldati, Giuda e un uomo con una lanterna in mano. Le figure sono state poste su uno sfondo scuro con l'unica fonte di luce che è una lanterna. Oltre alla disposizione dell'illuminazione in bianco e nero, la rappresentazione realistica delle figure, la performance drammatica e la dimensione spirituale lo portano a un livello completamente diverso, rendendo l'immagine incredibilmente piena di sentimento e realistica.

4. Suonatore di liuto, 1596

Esistono due versioni di questo dipinto, la prima delle quali si trova nella collezione Wildenstein e la seconda nell'Ermitage. Come si è scoperto, c'è una terza opzione, individuata nel 2007 alla Gloucestershire Badminton House. In tutte e tre le versioni si vede un ragazzo dai capelli scuri dai tratti gentili con un liuto in mano, assorto in una canzone d'amore. Quelli di Badminton House e dell'Hermitage mostrano un tavolo senza tovaglia con fiori e frutti da un lato e un violino dall'altro. Nella collezione Wildenstein, la tovaglia copre il tavolo, mentre la spinetta sostituisce la natura morta, e l'uccello canoro, che è nella gabbia, è visibile anche nella cornice.

5. Scrivendo San Girolamo, 1605-1606

Caravaggio scrisse quest'opera per ordine del cardinale Scipione Borghese, nipote di papa Paolo V. Il santo invecchiato è assorto nella Scrittura mentre allunga le braccia magre a un'estremità del tavolo, mentre un teschio lo "guarda", che a sua volta è un promemoria delle morti dei poteri che non può evitare, ma che lotta per superare. Il dipinto è stato rubato nel 1986 e recuperato due anni dopo.

6. Sacrificio di Isacco, 1603

Si dice che due dipinti tra il 1598 e il 1603 abbiano lo stesso titolo. Sebbene attribuito a Caravaggio, si ipotizza che sia opera di Bartolomeo Cavarozzi, suo seguace. Questo rappresenta il momento in cui Abramo è sul punto di sacrificare suo figlio dopo aver eseguito un comando divino.

7. Natività con San Francesco e San Lorenzo, 1600

Si narra che Fabio Nuti commissionò questo dipinto nel 1600 durante il suo soggiorno a Palermo. L'immagine cattura il momento stesso in cui il Cristo bambino giace a terra e la Madonna si siede accanto a lui. I personaggi intorno a lei mantengono una postura normale e un aspetto elegante. Questo dipinto è stato elaborato in modo molto preciso e la finitura è più lucida rispetto alla maggior parte degli altri dipinti di Caravaggio. Questo capolavoro è stato rubato nel 1969 e non è ancora stato ritrovato.

8. Riposa sulla strada per l'Egitto, 1597

Questa opera d'arte ruota attorno al riposo del bambino Gesù con Giuseppe e Maria mentre si preparano a viaggiare in Egitto. Caravaggio coglie appieno la scena che raffigura madre Maria che dorme con il suo bambino, mentre Giuseppe vede il manoscritto per un angelo per suonare un inno. Questa è stata la prima opera dell'artista, eseguita su larga scala, dove è riuscito a uscire dalla sua passione per la pittura in spazi bui. L'angolo crea un'aura sensuale e luminosa, mentre la rappresentazione della madre e del bambino sembra eseguita in modo molto sottile.

9. Sepoltura di Santa Lucia, 1608

Caravaggio realizzò questo dipinto tenendo come soggetto principale Santa Lucia, la famosa martire cristiana. Lo scrisse nel 1608 dopo essere fuggito dal carcere e in questo fu aiutato da Mario Minniti.

10. Natura morta con frutta, 1601-1605

C'è un cesto di vimini pieno di frutta e verdura su un tavolo di pietra. Il perfetto gioco di luce e oscurità rende questo pezzo incredibilmente profondo e attraente.

11. Negazione (rinuncia) di San Pietro, 1610

Quest'opera presentava il tema biblico di Pietro che rinnega Cristo dopo che quest'ultimo fu arrestato. Si dice che sia una delle sue ultime due opere, probabilmente completata nell'estate del 1610. Si dice che Caravaggio abbia vissuto molti sconvolgimenti personali all'epoca, e la natura sfocata di questo lavoro ne è testimonianza. Le figure sono disposte strettamente, mentre ampie aree sono lasciate al buio, quindi per la maggior parte l'essenza fisica dei personaggi è nascosta.

12. Resurrezione, 1619

Caravaggio utilizza ombre profonde e luci intense per ritrarre vividamente l'intenso dramma che circonda la Resurrezione di Cristo. La vista è molto complessa in quanto tutti i corpi sono contorti e posti su uno sfondo scuro. L'equilibrio generale è stato meravigliosamente creato mescolando colori brillanti con toni tenui e tenui.

13. Madonna col Bambino e Sant'Anna, 1619-20

Questa è una delle ultime opere religiose di Caravaggio, che, tuttavia, non ebbe lo stesso successo degli altri suoi dipinti. La Vergine Maria è al centro della scena con il suo bambino e calpesta un serpente che rappresenta il peccato e le cattive azioni. Gesù è nudo e anche scalzo, come sua madre. Sul palco è presente anche una vecchia nonna rugosa che assiste a tutto questo spettacolo. Queste figure sono proiettate nella luce mentre l'intera tela è nell'oscurità. Il clero considerò indecente quest'opera, rimuovendola dalla Basilica di San Pietro esattamente due giorni dopo la sua esposizione.

14. Sette atti di misericordia, 1607

Quest'opera, conosciuta anche come I sette atti di misericordia, è un riflesso delle sette pratiche di misericordia seguite dalle norme cristiane. L'artista ricorre nuovamente alla tecnica del chiaroscuro, creando un netto contrasto in tutto. Secondo Ralph van Buuren, storico dell'arte di origine tedesca, la luce brillante rappresenta metaforicamente la misericordia, aiutando gli spettatori a incorporarla nel loro stile di vita.

15. Incoronazione di spine, 1607

Il dipinto raffigura una corona di spine, messa con la forza sul capo di Gesù poco prima della sua crocifissione, per ridere delle sue pretese di potere. Il corpo di Cristo era presentato in una forma contorta, tecnica per la quale Caravaggio si ispirò al Torso del Belvedere, una statua marmorea.

Altri famosi dipinti di Caravaggio includono L'Adorazione dei pastori (1609), La Resurrezione di Lazzaro (1609) e La Flagellazione di Cristo (1607).

Ma il principale romantico della Germania in un modo molto insolito, vale a dire - paesaggi atmosferici.