Perché Caravaggio è stato definito "il pittore dai piedi sporchi": le opere più provocatorie del maestro

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Hai mai visto le gambe nei dipinti di Caravaggio? Sicuramente visto! Ma hanno prestato attenzione a come sono stati ritratti da Caravaggio? Quasi tutti i riferimenti ai suoi eroi hanno una descrizione di "piedi sporchi". E la cosa più interessante è che i loro proprietari sono, di regola, persone sante, eroi delle sacre scritture. Perché Caravaggio fu chiamato il "pittore dei piedi sporchi"?

A proposito del maestro

Michelangelo da Merisi, nato a Milano, dove fu anche battezzato, trascorse gran parte della sua infanzia nella città ultra-cattolica di Caravaggio. Cresciuto ed educato secondo il credo cattolico, il giovane Caravaggio fu guidato nella sua opera dagli insegnamenti dello zio cappellano, colui che in seguito lo raccomandò al cardinale del Monte a Roma, formulando così la sua visione di un mondo ispirato al pauperismo. Il pauperismo è la povertà di massa, l'impoverimento delle masse a causa della disoccupazione, delle crisi economiche, dello sfruttamento, ecc.

L'ideologia dei "piedi sporchi" di Caravaggio

Caravaggio costruì un'ideologia che si opponeva fortemente a tutte queste conseguenze della controriforma, che considerava troppo dogmatica o lontana dai bisogni della gente comune che vive in povertà. Non stupisce, quindi, che gli eroi delle sue tele - anche se sono soggetti sacri - siano molto simili alla gente comune di quell'epoca. Sporco, povero, affamato. Per i controriformatori di Roma (dove Caravaggio si trasferì all'età di 20 anni), i mendicanti erano problematici e persino superflui. E tutto perché i poveri non erano di interesse per la chiesa, poiché i capi religiosi li consideravano ignoranti della verità cristiana e quindi erano considerati peccatori o addirittura criminali. In Vaticano iniziò a diffondersi attivamente l'ideologia del pauperismo, che includeva persino cardinali influenti che lavoravano con Caravaggio o lo patrocinavano.

Così, i piedi nudi e sporchi sulle trame sacre di Caravaggio sono i piedi di coloro che credevano che Gesù, il figlio di Dio, creò l'uomo e visse in povertà. Questi sono i piedi dei suoi discepoli, amici, i piedi della madre di Cristo, che aveva insieme essenza divina e umana. Anche gli Agostiniani, che all'epoca erano la confraternita più influente e culturale di Roma, riconoscevano nei dipinti di Caravaggio modestia e moderazione, oltre che naturalezza e naturalismo. Il potere di mecenatismo dell'artista Caravaggio era grande, dato che la professione d'arte era precedentemente valutata bassa. Essere un artista significa lavorare con le proprie mani, quindi questa professione è stata classificata come una forma di lavoro manuale, un mestiere e non un'arte liberale, che è di proprietà dei talenti individuali. Quando Caravaggio dipinse santi e martiri scalzi, sostenne e si unì all'ala povera della Chiesa cattolica. Non solo accolse esplicitamente i poveri nei suoi dipinti, facendoli sentire parte della stessa famiglia impoverita di Cristo e dei suoi seguaci, ma incoraggiò anche indirettamente i ricchi a seguire l'esempio di san Francesco (santo cattolico, fondatore del mendicante ordine a lui intitolato - l'Ordine Francescano).

Opere scandalose di Caravaggio

La presenza di queste figure sporche e grossolanamente messe in scena contrastava con l'alta eleganza del Rinascimento e del manierismo. La chiesa a quel tempo considerava proprio questi piedi un simbolo dei poveri e degli umili. Pertanto, non sorprende che i sacerdoti odiassero il loro aspetto insieme ai vestiti rattoppati nei dipinti destinati alla decorazione delle chiese. La chiesa non accoglieva i poveri ei miti e non permetteva loro di sentirsi in definitiva parte della società. Vincenzo Giustiani fu un influente mecenate e protettore di Caravaggio. Fu probabilmente colui che aiutò Caravaggio a scrivere la seconda versione. "San Matteo e l'angelo" per l'altare della cappella Contarelli. Il fatto è che la chiesa ha rifiutato la prima versione proprio per i piedi sporchi del santo, per la sua eccessiva semplicità. È inaudita insolenza ritrarre il santo come un contadino. La prima variante fu poi acquisita da Giustiani.

La Crocifissione di San Pietro è un dipinto di Caravaggio, dipinto nel 1601 per la cappella Cerasi della chiesa di Santa Maria del Popolo a Roma, insieme alla Conversione di Saulo sulla via di Damasco (1601). Il dipinto raffigura il martirio di San Pietro. Secondo un'antica e nota tradizione, Pietro, quando fu condannato a morte a Roma, chiese di essere crocifisso a testa in giù, perché riteneva che una persona non fosse degna di essere uccisa allo stesso modo di Gesù Cristo. Entrambe le opere del Caravaggio, insieme alla pala dell'Assunzione della Vergine Maria di Annibale Carracci, furono commissionate per la cappella nel 1600 da monsignor Tiberio Cherazi, morto poco dopo. Le versioni originali di entrambi i dipinti furono respinte per lo stesso motivo comune a Caravaggio - l'inconsistenza dell'iconografia - e finirono nella collezione privata del cardinale Sannessio.

Un'altra ardita opera del Caravaggio è la Madonna di Loreto (1604). Raffigura pellegrini semplici e poveri che si aggrappavano alla porta della Vergine Maria. Secondo il canone, la Madonna di Loreto è raffigurata in piedi con il Bambino in braccio sul tetto di una casa, sollevata in aria da angeli. Caravaggio, ovviamente, ha infranto tutte le regole. Il dipinto suscitò un turbinio di malcontento per l'insolito aspetto della Madonna, mostrata non nello splendore celeste, ma in piedi presso il muro diroccato di una misera abitazione (così l'artista presentava la casa della Madonna a Loreto).

Due pellegrini, inginocchiati con le spalle allo spettatore, sono raffigurati a piedi nudi: sono un simbolo di povertà, tipico dell'opera di Caravaggio. Nessun altro artista ha mai attribuito un'importanza così eccezionale all'opera religiosa di due eroi in ginocchio. Questa è una delle migliori opere di Caravaggio, la cui trama non corrisponde all'iconografia tradizionale, ma ricrea una situazione reale. Completamente nuova è l'idea di dipingere un'immagine della Madonna, che somiglia più a una contadina sulla soglia di una casa romana, a diretto contatto con due pellegrini con i vestiti rattoppati e i piedi sporchi.

"Madonna del Rosario" o "Madonna del Rosario" è un altro vivido esempio dell'ideologia di Caravaggio. Il dipinto era destinato all'altare della cappella di famiglia della chiesa domenicana e segnò una nuova tappa nella pittura dell'artista. Tuttavia, la pala d'altare non fu mai installata nella cappella. Dopo il completamento del dipinto, Caravaggio ebbe un conflitto con i monaci domenicani, che si riconoscevano nei personaggi raffigurati, che non corrispondevano alle idee tradizionali sulla pittura religiosa. E qui vediamo tutti gli stessi piedi sporchi, nella stessa trama con la celeste pura Vergine Maria. Da una lettera del giovane Peter Paul Rubens al duca di Mantova datata 15 settembre 1607 da Napoli. "… Ho visto anche qualcosa di meraviglioso, creato da Caravaggio, che viene eseguito qui ed è ora destinato alla vendita… Questi sono due dei dipinti più belli di Michelangelo da Caravaggio. Uno è la Madonna del Rosario, ed è eseguito come pala d'altare. Un altro è un dipinto di medie dimensioni con mezze figure - "Giuditta che uccide Oloferne" … ".

Caravaggio ha rivoluzionato la storia dell'arte in diversi modi: 1. In primo luogo, ha creato immagini di eroi in un modo non ortodosso: ha invitato le persone delle strade al suo laboratorio e le ha dipinte direttamente dalla natura. Caravaggio non era preoccupato per lo studio accademico del disegno. Ciò ha portato al fatto che i suoi dipinti si distinguevano per un realismo sorprendente fin nei minimi dettagli: ad esempio, se un "ospite" invitato dalla strada aveva le unghie sporche, Caravaggio le incarnava su tela. Anche se fosse l'immagine di un santo. 2. La seconda grande innovazione di Caravaggio fu l'uso della luce. Questo è ciò per cui è più conosciuto. Ha usato la luce per catturare la forma, creare spazio e aggiungere drammaticità alle scene quotidiane.