Cosa si sa del primo dipinto del grande Leonardo: "Madonna del Garofano"

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

La Madonna del Garofano è un dipinto di Leonardo da Vinci ed è in mostra permanente presso l'Alte Pinakothek (Alte Pinakothek), Monaco di Baviera. Si ritiene che quest'opera sia stata scritta alla fine del XV secolo, tra il 1472 e il 1480. Questa è la prima creazione indipendente dell'artista.

Motivo nelle opere di altri artisti

La Madonna del Garofano era un motivo comune per gli artisti medievali e rinascimentali. Altri famosi dipinti con questo soggetto appartengono al pennello di Raffaello e Bernardino. L'immagine della Madonna del garofano da Vinci, a prima vista, è relativamente condizionata. Gesù Bambino è un po' più realistico di altri esempi del motivo. Se da Vinci avesse realizzato quest'opera nel 1472, come alcuni suggerivano, l'avrebbe dipinta di nuovo nella bottega di Andrea del Verrocchio, alla quale si unì all'età di 14 anni. Sullo sfondo vediamo archi attraverso i quali il paesaggio è tradizionale per l'Italia. L'artista è riuscito a creare una tela magnifica, che colpisce per la sua purezza e tenerezza. Nel lavoro del giovane Leonardo è già visibile la passione per le trame morbide e i materiali duri (come si pratica nella bottega di un artista fiorentino).

Complotto

Questo dipinto raffigura la Vergine Maria seduta con in grembo un Gesù bambino estremamente grassoccio e un po' sproporzionato. Nella mano sinistra tiene un garofano, simbolo di guarigione. Destra - tiene il bambino. Da Vinci illumina i volti di Maria e del Bambino, ma sfuma lo sfondo con la tecnica del chiaroscuro. Nota che i personaggi non hanno contatto visivo: il bambino guarda in alto, la madre guarda. Sembra che l'oggetto del loro sguardo sia il simbolo principale dell'immagine: il garofano. L'interno del ritratto è rappresentato da una stanza con due finestre che inquadrano la Vergine Maria. I contemporanei hanno notato un dettaglio espressivo: da Vinci raffigura un decanter d'acqua, in cui il maestro è riuscito a convogliare l'acqua nel modo più realistico possibile. L'artista usa abilmente anche la tavolozza dei colori.

Il dipinto è dominato dai toni del marrone, del rosso e dell'oro. Sembra che l'intera tela sia inondata da una luce speciale (anche questo è un omaggio al chiaroscuro). Leonardo realizza una tela a tema religioso, come è raffigurata la sua Madonna? Questa è una bella donna normale che tiene il suo bambino tra le braccia. E si diverte scherzosamente con un fiore. Bel idillio familiare. Se lo spettatore non sapesse che questa è la Vergine Maria e Cristo, potrebbe pensare che si tratti di persone normali. Gli eroi della sua creazione prendono vita. Sembra che in un altro momento, e parleranno. I dettagli sono resi altrettanto magistralmente. Forse è proprio questo il quadro di cui scriveva Vasari: “La Madonna è un'opera bellissima che è entrata in possesso di papa Clemente. I dettagli in questo dipinto erano un vaso di acqua e fiori, dipinto con sorprendente realismo, su cui c'erano gocce di rugiada che sembravano più convincenti di quelle vere." Quest'opera è spesso paragonata alla Madonna Benois dell'Ermitage. Certo, il quadro che stiamo esaminando è più complesso nella composizione e nella disposizione spaziale, anche se forse meno spontaneo. Non sappiamo come l'opera sia entrata nella "Old Pinakothek" di Monaco dopo essere stata acquistata da un collezionista privato tedesco. In un primo momento, per il forte influsso della bottega del Verrocchio, il dipinto gli fu attribuito, ma oggi è assolutamente certo che si tratti del pennello del giovane Leonardo.

la Vergine Maria

Davanti a noi c'è la Vergine Maria. È semplicemente e sorprendentemente bella. I suoi lineamenti sono davvero perfetti. I capelli castani ondulati hanno uno stile elegante. La Vergine Maria nell'opera di Leonardo è vestita con bei vestiti e preziosi gioielli. Gli abiti realizzati con tessuti costosi colpiscono per il loro splendore È interessante notare che i colori e persino la forma del suo vestito complesso sono in armonia con lo stile delle montagne sullo sfondo dell'immagine. Il suo viso non esprime alcun sentimento. Nulla disturba la tranquillità dei suoi lineamenti perfetti e il mezzo sorriso di Madonna crea un'impressione ancora maggiore di isolamento dal mondo.

Gesù

Nelle braccia della Vergine Maria vediamo Cristo. Il bambino allunga le mani verso il fiore che sua madre tiene. Questo gesto è molto importante. Sottolinea che il bambino è completamente innocente e allo stesso tempo prevede la crocifissione che lo attende in futuro. In contrasto con la calma Madonna, il bambino è mostrato con spontaneità infantile e nel processo di curiosità attiva con un garofano. Raggiunge intenzionalmente il garofano che ha suscitato il suo interesse. Gesù è raffigurato come un bambino normale, che cerca in modo un po' goffo il simbolo della passione nella mano di Maria. La decisione di ritrarre Gesù come un semplice bambino piuttosto che come una divinità rende il dipinto di Da Vinci riconoscibile e familiare al grande pubblico.

Simbolismo

Il garofano è interpretato come simbolo di guarigione o simbolo di passione. Un vaso di cristallo con fiori delicati parla della purezza dell'eroina. È lei che trasmette l'innocenza e il fascino della Vergine Maria. Durante il Rinascimento, il garofano simboleggiava la crocifissione o il puro amore della Vergine. Pertanto, l'immagine suggerisce che Cristo, anche da bambino, accettò il suo futuro sacrificio sulla croce, e l'espressione pensierosa di sua madre implica la sua comprensione degli eventi futuri e dell'amore incondizionato.

Infatti, la ricchezza dei panneggi, la vastità del paesaggio montano con sfumature violacee e dorate, la vitalità dei fiori recisi in un vaso di cristallo e la morbidezza della carne del Bambino sono elementi che dimostrano un allontanamento dallo stile più caratteristico del Verrocchio. Lo stile assume quei tratti formali caratteristici del Leonardo maturo. Non bisogna inoltre perdere di vista le sorprendenti somiglianze - nei tratti somatici e in altri dettagli - con la già citata Madonna Benois (il gioiello che sorregge sul petto la veste della Vergine) e con l'Annunciazione degli Uffizi. Si tratta di opere che, nella loro invenzione figurativa ed espressiva, dimostrano abbastanza chiaramente l'evoluzione dello stile leonardesco.