7 artisti famosi e i loro misteriosi dipinti sui sentimenti più luminosi: Klimt, Magritte, ecc

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Il tema dell'amore è uno dei più popolari nell'arte e i dipinti di artisti famosi non fanno eccezione. Luminose, romantiche, sensuali ed emotivamente ricche, ti permettono di immergerti in un insolito vortice di emozioni. Che tipo di dipinti e quali maestri d'arte oggi sono le incarnazioni più sorprendenti del tema romantico - di cosa parleremo oggi.

1. Klimt

Poche opere d'arte sono adorate o ampiamente riprodotte come Il bacio di Gustav Klimt. Lussuosi abbracci dorati adornano poster, tazze e magliette da dieci dollari in tutto il mondo, ma la storia del dipinto è molto più della sua ubiquità commerciale oggi.

Quando Klimt creò il suo capolavoro, era già il leader senza paura dell'avanguardia viennese. Inoltre, si fece nemici inconciliabili nell'establishment artistico austriaco, che detestava la sensualità spudorata e la decadenza estetica del suo lavoro.

Il "Bacio" di Klimt è l'archetipo della tenerezza e del desiderio umani. Rappresenta l'erotismo appassionato e come questo erotismo consuma gli amanti. Il dipinto, nato dal "periodo d'oro" di Klimt, presenta scintillanti toni dorati, tratti stilizzati e un'allegoria visiva molto romantica ispirata ai mosaici bizantini. In particolare, il colore della testa accattivante include particelle di foglia d'oro per effetto.

La trama del ritratto è quella di una coppia che condivide un intimo abbraccio, i loro corpi sono parzialmente nascosti da un vestito maestoso, quando si inginocchiano tra i fiori del campo, e dall'espressione del volto della donna si vede come si rallegra di essere in le braccia del suo amante e ricevendo il suo bacio.

Questa immagine attraversa i confini sociali: illustra che una volta che le persone sono consumate dalla passione, sono spiritualmente liberate dall'attaccamento a questo mondo e ai suoi limiti. Diventano uno con il cosmo, che accetta tutte le creature, indipendentemente dalla genetica.

Fatto interessante: Al momento della sua stesura, Il bacio era considerato dalla società post-vittoriana come materiale pornografico, e oggi quest'opera d'arte è considerata una delle più straordinarie e uniche nel suo genere.

2. Roy Lichtenstein

A prima vista, questa immagine romantica degli innamorati può sembrare molto strana. Ma in realtà, tutto è molto più semplice, devi solo approfondire il contesto di questo lavoro.

Una bomba americana che esce con una bella bionda. Il loro "amore" è così profondo che il mondo esterno ha cessato di esistere e non hanno nemmeno bisogno dell'aria per respirare quando si buttano a capofitto sott'acqua l'uno nelle braccia dell'altro.

Tuttavia, Roy Lichtenstein sta effettivamente prendendo in giro la superficialità dell'amore qui. Tutta questa immagine è falsa e distorta perché rappresenta l'illusione dell'"amore perfetto".

Non è un caso che l'abbia fatta sembrare una pubblicità, facendo in modo che l'immagine serva a un obiettivo molto più profondo: mostrare la realtà di come le persone "comprano" tali illusioni, senza pensare a ciò che effettivamente viene loro offerto.

Fatto interessante: per questa tela, il Liechtenstein ha utilizzato una composizione a pannelli divisi tra testo e immagine. Questo è stato quello di fondere la narrativa tra i due personaggi.

3. René Magritte

Lovers II è un pezzo che rivela la realtà dell'amore quando non va come previsto. Da un lato, è un dipinto romantico che ritrae amanti che si scambiano un bacio in primo piano. Ma, d'altra parte, è un'immagine triste, quasi invadente. René Magritte era noto per i suoi temi di desideri irrealizzati, quindi forse i veli avvolti intorno alle teste dei protagonisti potrebbero essere interpretati come tali. Impediscono alla coppia di impegnarsi in un bacio completo perché sono isolati e quindi frustrati.

Tuttavia, altre interpretazioni sono inclini a credere che tutto qui sia molto più triste di quanto sembri a prima vista. Potrebbe essere questo un riflesso del rifiuto, la negazione dell'amore? Rappresenta la relazione nel suo insieme e quanto spesso viene interrotta a causa di vari problemi, inclusa la mancanza di comunicazione?

Questa immagine è così contraddittoria che, sulla base delle interpretazioni di cui sopra, l'artista può anche mostrare in questa immagine che non importa quanto una persona si avvicini al suo partner, non conoscerà mai la sua vera natura, che è rappresentata da barriere di tessuto.

Perché, come si suol dire, "ogni persona è un'isola". Una tale tecnica creativa gioca sulla realtà che le persone spesso nascondono: indossano maschere, permettendo agli altri di vedere solo ciò che si trova in superficie e non ciò che è nel profondo della loro anima.

Fatto interessante: quando René aveva quattordici anni, sua madre si suicidò annegando. Vide il suo corpo che veniva tirato fuori dall'acqua e il suo viso era coperto da una camicia da notte.

È stato suggerito che il motivo comune dell'artista per i volti avvolti sia nato da questo trauma. Tuttavia, in seguito ha negato questo, affermando:.

4. Suzuki Harunobu

Una coppia giapponese cammina nella neve sotto un ombrellone. L'ombrello stesso può essere interpretato come un'ulteriore intimità della scena. Come se lo spettatore interrompesse quasi il cammino degli innamorati. Il fatto che i loro volti siano seri, quasi tristi, suggerisce una potenziale perdita o dolore. Il poeta Noguchi ha persino commentato questo dipinto come segue:

La serenità degli innamorati che camminano nella neve incarna l'estetica giapponese wabi-sabi che apprezza la bellezza imperfetta della natura. Questa coppia incarna l'amore giovane e, come gli eroi di Il bacio di Klimt, usano il loro desiderio di essere soli, non attaccati al mondo esterno, dimostrando che, indipendentemente dall'origine, tutti condividono un'esperienza simile di amore romantico.

5. Rembrandt

La sposa ebrea di Rembrandt è un dipinto romantico di amanti che ha preso il nome all'inizio del diciannovesimo secolo dopo che un collezionista d'arte ha affermato che era il ritratto di un padre ebreo che regalava a sua figlia una collana il giorno del suo matrimonio. Tuttavia, questo è stato successivamente confutato e l'opinione più comune è che siano Isacco e Rebecca dell'Antico Testamento.

La tela raffigura un'espressione d'amore tra i coniugi, uno stile raro per i pittori realisti olandesi dell'epoca barocca. L'uomo tocca dolcemente la spalla della donna con la mano sinistra, mentre la mano destra giace sul petto di lei allo stesso modo. Questo leggero contatto fisico indica amore innocente piuttosto che lussuria. Al contrario, i volti dei personaggi suggeriscono qualcosa di più profondo. Gli occhi di un uomo significano incertezza, mentre lo sguardo di una donna implica contemplazione, ma nessuno di loro si guarda l'un l'altro. Forse questo è un accenno di dubbio sul loro futuro?

Come altri dipinti, The Jewish Bride può essere interpretato come una miscela di amore spirituale e fisico. Tuttavia, questa interpretazione consente anche alcune falsità, poiché è un'immagine non autentica degli sposi ebrei della Bibbia. Invece, è una rappresentazione romanzata abbellita di un rituale culturale che trascende l'esperienza di una società prevalentemente cristiana.

6. Thomas Hart Benton

Il romanticismo non ha quasi bisogno di spiegazioni su come attraversa i confini sociali. Questo dipinto romantico raffigura una giovane coppia nera ben vestita che cammina casualmente durante una passeggiata serale attraverso la tenuta.

Thomas Hart Benton era un artista, muralista e patriota noto per le sue scene a tema country che raffigurano l'entroterra americano, ovvero gli stati meridionali del Midwest. Il suo scopo era quello di ritrarre il duro lavoro, l'autonomia e la soddisfazione generale per le persone dopo la prima guerra mondiale.

Benton ha usato la sua arte per realizzare riforme sociali e politiche. Qui, i soggetti sono ritratti come contenti della loro vita quotidiana. Lo puoi sentire nella loro camminata e nel modo in cui si tengono per mano.

7. Modesto Brokos

Come altre storie d'amore romantiche, L'espiazione di Ham può sembrare una bizzarra scena familiare. Tuttavia, questo è in realtà un esempio di blanqueamiento, che era comune in Brasile nel diciannovesimo secolo.

La figura chiave è la donna vicino alla palma. Ha la pelle scura, che suggerisce discendenza africana, e le sue braccia sono alzate come se stesse ringraziando un dio. Accanto a lei c'è una giovane donna che ha la pelle più chiara, a indicare che è una mulatta. Apparentemente, questa ragazza è la figlia di una donna in piedi vicino a una palma. La terza figura è un uomo adulto, la cui pelle è ancora più chiara, il che suggerisce che sia un immigrato e il marito di una giovane donna, che sono i genitori di un bambino bianco seduto tra le braccia della ragazza. Da qui la risposta alla domanda sul perché la donna dalla pelle scura abbia lodato Dio: è felice che suo nipote sia bianco.

Il dipinto allude anche alla Genesi biblica, dove Cam espone la nudità e l'ubriachezza di suo padre Noè. Cam è condannato da Noè ad essere schiavo e maledetto come "il servo dei servi". Quindi, l'"Espiazione di Cam" è una sorta di guarigione dalla "maledizione" della discendenza africana.

Fatto interessante: Questo lavoro fa luce su un diverso tipo di razzismo. La tela è stata creata dopo l'abolizione della schiavitù in Brasile, dove c'era una popolazione mista di bianchi e neri, la prima a diminuire a causa della cessazione dell'importazione di schiavi africani nel paese. Il risultato furono donne di razza mista che attrassero immigrati maschi bianchi. Pertanto, le autorità hanno cercato di produrre bambini completamente bianchi per sradicare la pelle scura dei loro antenati.

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