Come sono stati creati i dipinti più famosi del mondo: storie intriganti di dipinti di grandi artisti

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Grigory Landau, giornalista e filosofo, una volta disse: "L'arte è un dialogo in cui l'interlocutore tace". La pittura è un'arte sottile, allegorica, emotiva, che dà libertà di interpretazione. Questo è un intero mondo di segreti irrisolti e misteri irrisolti. Proviamo ad aprire il velo di segretezza sulla storia della creazione dei dipinti più famosi di grandi artisti.

#1. San Giorgio e il drago, Paolo Uccello, 1470

In effetti, l'artista ha due versioni di questo dipinto. In questa versione, Giorgio sconfigge il drago, che la Bella Signora tiene al guinzaglio. Il dipinto ha un profondo significato religioso. Secondo la leggenda, un drago si stabilì nel lago di una città della Libia. L'imperatore pagano ordinò che gli fossero sacrificate delle belle fanciulle. Quando non c'erano più giovani donne in città, l'imperatore mandò la propria figlia al drago. Il coraggioso guerriero George andò a salvarla e sconfisse il drago. La principessa qui simboleggia la Chiesa cristiana perseguitata, il drago - il paganesimo e Giorgio - la fede cristiana. Ci sono versioni che George, in seguito riconosciuto come un santo, calpesta non solo il paganesimo, ma il diavolo stesso, il "serpente antico".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" è un autoritratto dell'artista. Ecco come svela il significato del suo lavoro: “Il colore è ovunque. Credo che il colore sia la vita. La nostra testa deve ruotare a spirale per capire che tutto ciò che ci circonda non è altro che colori. Il colore è l'universo, l'universo è la vita, la pittura è la vita".

# 3. Bagno, Jean-Leon Gerome, 1885

Gli esperti ritengono che questa immagine e una serie di immagini simili nell'opera di Girolamo simboleggiano lo snobismo "bianco". Lo si evince dalla dinamica delle figure raffigurate sulla tela. La donna bianca è il soggetto dominante, mentre la donna nera è sottomessa.

#4. Giardino delle Delizie, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch è uno degli artisti più misteriosi al mondo. Il simbolismo dei suoi dipinti è così confuso che è semplicemente impossibile trovare un'unica spiegazione per l'enorme numero di simboli raffigurati su di essi. Questa particolare opera ha preso il nome dai critici d'arte che l'hanno studiata. Il nome originale è rimasto sconosciuto. Gli storici credono che il pannello sinistro del trittico sia il paradiso, quello centrale la moderna vita umana peccaminosa e il pannello destro raffigura l'inferno. Ma l'immagine solleva molte più domande di quante ne risponda.

#5. Pennarello, Caravaggio, 1594

Quest'opera non è affatto una caricatura del vizio del gioco sporco. È piuttosto un racconto calmo di cui Caravaggio era ben consapevole. Dopotutto, l'artista stesso ha condotto la sua vita in modo molto frivolo e persino violento. La trama si riduce alla descrizione di un dramma in divenire - un dramma di inganno e innocenza perduta. La gioventù ingenua è stata messa in circolazione da esperti acuti. L'anziano sbircia le sue carte e fa segno a un altro imbroglione.

# 6. Watson e lo squalo, John Singleton Copley, 1778

L'immagine mostra un caso dalla vita reale. Nel 1749, all'Avana, Brooke Watson, un mozzo di 14 anni, decise di fare un tuffo. Uno squalo lo ha attaccato. Il capitano della nave su cui prestava servizio il ragazzo, cerca di salvarlo uccidendo lo squalo con un arpione. Il capitano riuscì solo al terzo tentativo. Watson, in questa battaglia impari, ha perso un piede. Per tutta la vita poi ha camminato con una gamba di legno. Questo non gli ha impedito di diventare sindaco di Londra. Allo stesso tempo, ha incontrato l'artista e gli ha raccontato questa storia. Che è stata l'ispirazione per John Copley.

# 7. Composizione VIII di Wassily Kandinsky, 1923

Fin dall'infanzia, Kandinsky era affascinato dal colore. L'artista credeva di avere proprietà trascendentali. Kandinsky scrisse le sue composizioni come compositore di una sinfonia. Ogni composizione rifletteva la visione dell'artista nel proprio periodo di tempo. Kandinsky usava forme geometriche nelle sue opere, perché credeva nelle loro proprietà mistiche. I colori delle figure riflettevano le emozioni.

#otto. Saturno che divora un figlio, Francisco Goya, 1823

Con la vecchiaia, Goya divenne sordo e la sua salute in generale, sia fisica che psicologica, si deteriorò. È a questo che gli storici associano la sua scrittura una serie di 14, come venivano chiamati "Gloomy Pictures". Che ha dipinto all'interno sui muri della sua casa. "Saturno che divora un figlio" è uno di questi. Questo è un noto mito greco antico sul titano Kronos (in seguito i romani lo ribattezzarono Saturno). Crono è stato detto che sarebbe stato rovesciato da suo figlio. E Saturno ha mangiato tutti i suoi bambini appena nati. In Goya, Saturno è raffigurato come un vecchio terribile e mezzo pazzo che mangia non un bambino, ma un bambino adulto. Ci sono molte interpretazioni del significato di questa tela. Ma la cosa più importante è che l'artista non l'ha scritta per il pubblico. Forse in questo modo Goya stava cercando di esorcizzare i propri demoni.

#nove. Il cervo a Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

L'artista ha rappresentato una scena comune della vita quotidiana a New York all'inizio del XX secolo. Un fight club privato come di solito si trovava nei quartieri poveri. Gli estranei che non erano membri del club venivano chiamati "cervi" lì. Hanno ricevuto l'adesione temporanea per combattere. Bellows ha dipinto il quadro in modo tale che quando lo guardi, hai l'impressione di essere tra gli spettatori della battaglia.

#dieci. Un amico in difficoltà, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"A Friend in Need" è il film più popolare della serie Dogs Playing Poker di Cassius Marcellus Coolidge. Questa serie è stata commissionata da Coolidge da Brown & Bigelow per pubblicizzare i sigari. Sebbene i dipinti di Coolidge non siano mai stati considerati vera arte dai critici, da allora sono diventati iconici.

#undici. I mangiatori di patate, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh voleva ritrarre i contadini come sono realmente. Voleva mostrare uno stile di vita completamente diverso, diverso dalle classi alte. In seguito scrisse a sua sorella e dichiarò che I mangiatori di patate era il suo dipinto di maggior successo.

#12. La zattera di Medusa, Theodore Gericault, 1819

La tela "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") raffigura le conseguenze del crollo della fregata navale francese "Medusa". Alcune persone entrarono nelle barche, per le restanti 147 persone fu costruita in fretta e furia una zattera. Le barche stavano rimorchiando la zattera. Ma il capitano, notando che la zattera era troppo pesante, ordinò di tagliare le cime. Quasi un centinaio e mezzo di persone sono rimaste a se stesse senza cibo e acqua. Per 13 giorni del loro viaggio su una zattera, con una spettrale speranza di salvezza, su 147 persone sono sopravvissute a 15. Pazzi di fame e sete, le persone si mangiavano a vicenda e bevevano sangue. La Francia voleva mettere a tacere questa storia vergognosa, ma era troppo palese e non ci riuscì.

#13. Autotrasportatori di chiatte sul Volga, Ilya Repin, 1873

Questo lavoro è il più famoso di Ilya Repin. L'immagine è diventata un cult. Il lavoro svolto dall'artista era serio. Repin ha incontrato personalmente tutti i trasportatori di chiatte raffigurati nel dipinto. L'artista ha scritto centinaia di schizzi e ha trascorso 5 anni su questo lavoro. Sia gli storici che i contemporanei considerano il dipinto una condanna diretta del duro lavoro delle classi oppresse. Tuttavia, Repin ha sempre negato questa opinione.

#quattordici. Susanna e i Vecchioni, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna e gli anziani è un racconto biblico dell'Antico Testamento. Durante il regno dell'imperatore Nabucodonosor, il popolo ebraico cadde in schiavitù presso i Babilonesi. Tra loro c'erano Susanna con suo marito Gioacchino. La donna possedeva una bellezza ultraterrena e due anziani la desideravano. La minacciarono che se Susanna non fosse stata gentile con loro, avrebbero detto alla gente che era un'adultera. La donna si rifiutò e gli anziani acconsentirono alle loro minacce. Fu condannata a morte secondo la legge ebraica. Ma poi intervenne il giovane profeta Daniele. Ha avuto l'idea di interrogare gli uomini, prima separatamente e poi insieme. Le loro versioni non coincidevano, la calunnia è stata rivelata. Susanna fu assolta e gli anziani furono giustiziati. È davvero notevole che l'artista avesse solo 17 anni quando dipinse questo quadro. Per Artemisia stessa, divenne profetica, poiché, in seguito, le successe una storia simile.

#15. Clinica lorda, Thomas Eakins, 1875

La trama di questa foto si basa su un'operazione testimoniata da Eakins. È stato eseguito da uno dei migliori chirurghi d'America, il dottor Samuel Gross. L'operazione è stata effettuata in aula davanti agli studenti ai fini della didattica. Il medico ha mostrato come trattare l'infezione con un'operazione conservativa, piuttosto che con l'amputazione dell'intero arto (che all'epoca era standard). La tela raffigura la realtà senza abbellimenti: sia la calma professionalità di Gross, sia la sofferenza della donna nell'angolo in basso a sinistra. I ricercatori ritengono che la madre del paziente. Critici e spettatori hanno valutato il lavoro, con sgomento di Eakins, estremamente negativo. Le persone che contemplavano con calma le trame di sanguinose battaglie non erano pronte a contemplare il realismo di un'operazione medica.

#16. Il viandante sul mare di nebbia, Caspar David Friedrich, 1818

"Vagabondo sul mare di nebbia" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") è una tela in cui l'artista è rimasto fedele al suo stile romantico. Nella foto, Friedrich si è raffigurato, in piedi da solo con le spalle allo spettatore su una roccia ripida e scura. "Il viandante sopra il mare di nebbia" è una metafora. Si tratta di autoriflessione, di un futuro sconosciuto. Friedrich ha detto di quest'opera in questo modo: "Un artista deve disegnare non solo ciò che è davanti a lui, ma anche ciò che vede dentro di sé". # 17. I mietitori, Jean-Francois Millet, 1857

Il dipinto Des glaneuses raffigura tre contadine che raccolgono le spighette rimaste dopo aver mietuto un campo. Il lavoro duro e umile dei contadini ha suscitato la simpatia dell'artista. Sono state queste emozioni che sono state espresse nella foto. Ma nella società, il lavoro ha attirato critiche negative dalle classi superiori. La Francia ha recentemente vissuto una rivoluzione e la nobiltà ha trovato in questa immagine uno sgradevole promemoria del fatto che la società francese è costruita sul lavoro delle classi inferiori. E poiché a quel tempo la classe operaia era più numerosa della classe superiore, temevano che il quadro, in qualche modo, potesse spingere la classe inferiore alla rivolta.

#diciotto. L'urlo, Edvard Munch, 1893

L'Urlo è uno dei capolavori più misteriosi della pittura mondiale. Munch ha detto che una volta è uscito a fare una passeggiata al tramonto. La luce del sole al tramonto tingeva le nuvole di un rosso sangue. E Munch all'improvviso udì, sentì, come disse lui, "l'infinito grido della natura". Un'altra spiegazione potrebbe essere il risultato dello stato emotivo di Munch, poiché sua sorella è stata recentemente mandata in un manicomio. Questo dipinto è stato rapito molte volte. La trama può essere considerata profetica: alla fine del XIX secolo, Munch descrisse le catastrofi del XX secolo.

#19. La grande onda al largo di Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

La composizione è composta da tre elementi principali: un mare in tempesta, tre barche e una montagna. La montagna innevata è il Monte Fuji, che i giapponesi considerano sacro. È un simbolo di identità nazionale e bellezza. Tali giochi con spazio e colori vivaci, insoliti per la pittura asiatica. L'immagine simboleggia la paura di una persona di un elemento indomito e una sottomissione forzata ad esso.

#venti. La notte stellata, Vincent Van Gogh, 1889

"Notte stellata" è un capolavoro che, avendolo visto solo una volta, non lo dimenticherai mai più. L'artista lo dipinse mentre si trovava in un ospedale per malati di mente. Questi flussi di vortice, stelle enormi… Alcuni credono che Van Gogh abbia raffigurato una veduta dalla finestra. Ma ai malati non era permesso uscire in strada, era addirittura vietato loro di lavorare in corsia. Il fratello di Vincent ha chiesto alla direzione dell'ospedale di dargli una stanza in modo che potesse scrivere. I ricercatori ritengono che Van Gogh abbia rappresentato nel suo dipinto un fenomeno come la turbolenza: il vortice scorre dall'acqua e dall'aria. Questo non può essere visto, ma l'acuta percezione dell'artista lo ha aiutato a vedere ciò che è nascosto agli occhi dei comuni mortali. 10 capolavori mancanti e ritrovati di grandi maestri. In base ai materiali