Come l'Amazzonia dell'avanguardia russa ha conquistato Parigi e non solo: Natalia Goncharova

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Natalia Goncharova è un'eccezionale artista, designer e scrittrice russa. È diventata famosa in tutto il mondo grazie alle sue opere luminose, succose e straordinarie che combinano diversi stili: dal Fauvismo e Cubismo al Futurismo e all'Art Nouveau. Era anche conosciuta per i suoi costumi e le scenografie per il balletto e il teatro, che colpivano per la loro versatilità e il design insolito per quei tempi.

Durante i primi due decenni del XX secolo, l'arte russa ha assorbito nuovi stili e filosofia dell'arte dell'Europa occidentale e si è spostata in prima linea nella cultura. Goncharova e suo marito Mikhail Larionov, con il loro lavoro e gli sforzi per organizzare mostre e gruppi creativi, si sono trovati al centro di questa rivoluzione artistica, che ha preceduto e accompagnato lo sconvolgimento politico nel paese.

Natalia è nata a Nagaevo, nella Russia centrale. La famiglia Goncharov perse la sua fortuna basata sulla produzione di lino alla fine del XVIII secolo. Il famoso poeta Pushkin sposò uno dei suoi antenati, Natalia Goncharova, da cui prese il nome. Suo padre era un architetto. La famiglia della madre di Natalia, la famiglia Belyaev, diede alla luce diversi sacerdoti ed era conosciuta come patrona della musica.

Nei suoi primi anni, Natalya ha frequentato un ginnasio a Mosca. E in un'età più consapevole, avendo deciso di diventare un'artista, è entrata alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura (Mosca), dove ha studiato scultura con Pavel Trubetskoy, che ha lavorato nello stile di Auguste Rodin. Ha lasciato il college tre anni dopo, nonostante abbia vinto una medaglia d'argento e non abbia completato un periodo di studio di dieci anni per il curriculum. Ciò ha coinciso con la sua accettazione della pittura come mezzo di espressione preferito.

1. Carriera e marito

Nel 1900, Goncharova incontrò il suo futuro marito, Mikhail Larionov. Andò anche al college, ma al dipartimento di pittura. La sua decisione di dedicarsi alla pittura è stata supportata da Mikhail, la sua passione per i giochi di luce e l'armonia dei colori in futuro è diventata il segno distintivo dell'artista.

Come molti artisti russi del suo tempo, i primi anni del XX secolo furono un periodo di conoscenza e accettazione degli stili che si svilupparono nelle capitali dell'Europa occidentale. All'epoca era attratta dall'Impressionismo e dal Divisionismo, stili associati rispettivamente a Monet e Seurat. Entrambi gli stili enfatizzavano non l'immagine di oggetti solidi, ma la cattura della luce (colore) che veniva riflessa dall'oggetto all'occhio. Di conseguenza, il disegno era generalmente sciolto e l'accento era posto sul colore e sulle pennellate. Ciò ha portato alla consapevolezza della pittura, delle pennellate, della trama e della pittura su tela. Questi due stili erano essenziali per liberare l'arte da un carattere puramente rappresentativo. Gli artisti iniziarono a rendersi conto che l'arte è un'espressione estetica, ispirata dall'aspetto del mondo fisico, ma non dipendente da esso.

Una volta il grande impresario di balletto russo Diaghilev organizzò l'inclusione della collezione di dipinti di Goncharova e Larionov nella sezione russa del Salon d'autunno di Parigi. La loro inclusione in questa mostra annuale di nuova costituzione di nuova arte radicale (nello stesso anno 1906 vi fu presentato il primo gruppo di Fauves) testimonia il fatto che entrambi gli artisti erano considerati modelli delle tendenze d'avanguardia del loro paese. Per i successivi nove anni, prima della sua emigrazione dalla Russia, Natalia ha partecipato a una serie di importanti mostre, molte delle quali organizzate da lei e da Mikhail. Durante questo periodo, è stata anche presentata alla mostra post-impressionista del 1912 organizzata da Roger Fry alla Grafton Gallery di Londra, nonché alle mostre personali a Mosca e San Pietroburgo e ad una mostra alla Paul Guillaume Gallery di Parigi con il catalogo del famoso critico Apollinaire.

2. Stile distrettuale

Il mezzo secolo che precedette l'inizio della guerra fu un periodo di rapido sviluppo delle belle arti in Russia. Natalia era in prima linea in questo movimento.

Sorprendentemente, nel suo lavoro si sono manifestate contemporaneamente tre diverse direzioni: regionalismo, neo-primitivismo e cubo-futurismo.

Il primo di questi è lo stile originale concepito da Mikhail e ampiamente ricercato da Natalia.

Il distretto era a quel tempo uno degli stili completamente astratti nell'arte occidentale. Come l'impressionismo, il regionalismo si concentra sui raggi di luce riflessi dagli oggetti. Lo spazio nell'immagine di un radiante non è misurabile, ma è un'atmosfera caricata dall'energia di un numero infinito di raggi luminosi, sia direttamente dal sole, sia, più probabilmente, raggi che si riflettono avanti e indietro dagli oggetti fisici che lo circondano. Il principio guida è puramente estetico in quanto i colori sono scelti per la loro armonia o effetto visivo.

Per più di tre decenni, gli artisti sono stati affascinati dall'idea di creare un'arte non figurativa basata sull'orchestrazione del colore. Se la musica è completamente astratta e, allo stesso tempo, infinitamente espressiva, allora non può esistere un'arte che usa il colore (invece del suono) che sia altrettanto astratta ed espressiva.

Invece delle forme frammentate e interconnesse che si trovano nel cubismo, la serie Cats si basa su tratti di colore lunghi e taglienti. Il distretto fu uno stile di breve durata che raggiunse la sua fine nel 1914. Franz Marc, associato al Blaue Reiter di Monaco (con il quale Natalia aveva esposto due anni prima), ammirava il suo lavoro e scriveva in un modo ispirato al distretto, forse a causa della sua influenza.

3. Stile del primitivismo

Sconfinata e irrequieta, alla ricerca di nuova ispirazione, per qualche tempo fece anche molto affidamento sui primi pittori cubisti come Pablo Picasso. Questa fase del suo lavoro è durata diversi anni e ha riguardato la sua pittura, ispirata alla tradizione russa.

Ma le sue illustrazioni per diversi libri di poesie di Velimir Khlebnikov e Alexei Kruchenykh hanno mostrato la sua devozione per le antiche forme d'arte russe come icone, affreschi religiosi e xilografie. Nel 1913, dichiarò drammaticamente che si stava allontanando dall'Occidente, dando le sue simpatie all'Oriente.

In una delle sue prime mostre furono presentati dipinti primitivisti e cubisti e in una mostra successiva, organizzata da suo marito, furono esposte più di cinquanta opere di Natalia. Ha tratto ispirazione per il primitivismo dalle icone russe e dall'arte popolare, altrimenti note come stampe popolari. La seconda mostra, successiva, è stata concepita come una deliberata rottura con l'influenza artistica europea e la creazione di una scuola russa indipendente di arte contemporanea. L'evento si è rivelato controverso e il censore ha confiscato l'opera tematica religiosa di Natalia "Evangelisti", considerando blasfemo esporlo in una mostra intitolata "La coda dell'asino". Natalia e Mikhail sono stati a lungo perseguitati per le loro opere e per il modo in cui si sono espressi. Ma anche nelle opere successive di Natalia, l'influenza del futurismo russo è evidente. Inizialmente affascinata dalla pittura di icone e dal primitivismo dell'arte popolare etnica russa, Natalia è diventata famosa in Russia per i suoi lavori futuristici (uno dei quali era un dipinto chiamato Il ciclista).

Natalia e Mikhail, dipingendo i loro volti con geroglifici e fiori, camminavano per le strade come parte di un movimento artistico primitivista. La stessa Natalia di tanto in tanto non aveva paura di apparire in pubblico seminuda con simboli sul petto. Come leader dei futuristi di Mosca, hanno ospitato serate di conferenze provocatorie nello stesso modo dei loro omologhi italiani. Inoltre, Natalia ha scritto e illustrato diversi libri d'avanguardia.

Natalia è stata membro del gruppo d'avanguardia Blue Rider fin dal primo giorno della sua fondazione (1911). Quattro anni dopo, ha iniziato a sviluppare costumi e scenografie per balletto a Ginevra. E presto iniziò a lavorare su una serie di schizzi per il balletto di Diaghilev, ma, sfortunatamente, il balletto non fu mai realizzato.

Pochi anni dopo si è trasferita a Parigi, dove ha creato una serie di scenografie per i balletti russi di Diaghilev. Espone anche al Salon d'Automne e partecipa regolarmente al Salon des Tuileries e al Salon degli indipendenti.

Natalia e Mikhail hanno collaborato a quattro eventi di beneficenza a Mosca. Entrambi hanno sviluppato la maggior parte dei materiali promozionali per l'evento.

4. Stile del neoprimitivismo

Parallelamente al rayonismo, Natalia scrisse in uno stile che ora è chiamato neo-primitivismo. Era un fenomeno che aveva avuto luogo in precedenza in Francia e altrove e sembra essere correlato a un cambiamento nelle aspirazioni politiche, sociali e culturali. In combinazione con la democratizzazione del pensiero politico e sociale, c'è stata spesso la tendenza a cercare di scoprire il carattere più profondo delle culture nazionali rivolgendosi all'arte popolare tradizionale o contadina per trarre ispirazione. A causa del background ecclesiastico della sua famiglia e del fatto che ha trascorso la sua giovinezza vivendo in una tenuta di campagna, Natalia sarebbe stata attratta dall'arte religiosa e popolare tradizionale come parte della sua esperienza formativa e come arti visive dei suoi compatrioti. Questo fu il periodo in cui l'intellighenzia iniziò a considerare le icone (immagini liturgiche russe) come un importante patrimonio culturale nazionale. La grande mostra di icone dei Romanov ha entusiasmato molte persone esteticamente sensibili.

Natalia scrive su temi religiosi da diversi anni, sentendo che il significato e il significato intensamente religiosi delle icone è uno degli obiettivi più importanti che un artista deve catturare nel suo lavoro. I colori ricchi, gli abbaglianti effetti decorativi e la natura altamente formalizzata e stilizzata delle icone l'hanno già ispirata a lavorare.

Ciò la portò a ricorrere a modalità estranee alla pratica accademica. Oltre ad enfatizzare le qualità piatte e decorative, a volte la vernice sembrava essere schizzata sulla superficie o veniva applicata rapidamente per un effetto spontaneo. Il fascino e l'ingenuità, che in precedenza erano cantati nella pittura di Henri Rousseau, sono apparsi nell'opera dell'artista russo e, cosa per lei molto importante, sono stati presi in prestito da fonti locali.

5. Stile del cubo-futurismo

Tra il 1913 e il 1914, il cubo-futurismo, aspetti degli stili allora moderni del cubismo e del futurismo, apparve nella pittura di Natalia. Il cubismo era noto agli artisti russi attraverso pubblicazioni, mostre e collezioni come le collezioni Morozov e Shchukin. Il cubismo era ambivalente nei confronti del colore a favore di un nuovo senso di struttura-frammentazione e coesione della forma, risultando in una composizione uniformemente animata in cui viene eliminato il rapporto figura/sfondo.

Il futurismo italiano ebbe un seguito anche in Russia negli anni immediatamente precedenti la prima guerra mondiale.

Il suo futurismo, come quello degli italiani, era pieno di colori. Le sensazioni di movimento erano causate da ripetizioni ritmiche di figure o linee. L'inclusione di parole colorate o frammenti di parole come se provenissero da segni e da parte dell'ambiente attraverso il quale la persona è passata, ha ulteriormente contribuito a questa percezione. Le onde sonore erano anche implicate da effetti ritmici e talvolta dall'uso della notazione musicale.

6. Gli ultimi anni di vita

Natalia trascorse il resto della sua vita a Parigi, riconosciuta come un importante membro della comunità artistica della città. Ha continuato a dipingere, ma il suo lavoro più notevole è stato nel campo della scenografia. In questo settore, sia lei che Michael sono diventati star mondiali. Natalia identificava sempre più il suo lavoro con la Francia. Nel 1936, lei e Mikhail parteciparono a un importante concorso internazionale di arte teatrale tenutosi a Milano. Hanno preferito esporre le loro opere nella sezione francese piuttosto che in quella sovietica, e quando hanno vinto la medaglia d'argento, è stata la Francia ad andare loro.

Dopo l'invasione della Francia da parte di Adolf Hitler nella primavera del 1940, Natalia e Mikhail si trovarono sotto l'occupazione tedesca. Negli anni difficili che seguirono, entrambi riuscirono a continuare la loro carriera in teatro. Quindi, una mostra dei loro dipinti di parte a Parigi ha ricordato al pubblico il loro ruolo di primo piano nello sviluppo dell'arte contemporanea all'inizio del secolo. Come alcuni hanno sostenuto, i due artisti hanno deliberatamente superato parte del loro lavoro, a volte di più di un decennio, per consolidare la loro reputazione di artisti pionieri.

Mikhail ebbe un ictus e la situazione finanziaria dei coniugi, che non era mai stata particolarmente agiata, si fece ancora più precaria. Sono sopravvissuti in parte vendendo i loro primi dipinti. Natalia soffriva anche di molti disturbi fisici, tra cui una grave forma di artrite, che rendeva impossibile disegnare su un cavalletto. Continuando a dimostrare la sua dedizione al lavoro, ha posizionato la tela davanti a sé in posizione orizzontale per continuare a manipolare il pennello.

Natalia ha fatto il suo ultimo tentativo di scenografia teatrale nel 57. Consisteva in costumi e scenografie per una serie di balletti a Montecarlo. Un anno dopo, tiene la mostra finale della sua pittura a Parigi, mostrando una ventina di tele ispirate al lancio russo del satellite spaziale Sputnik.

La coppia era ancora afflitta da problemi finanziari. Solo la vendita di una parte significativa della biblioteca e delle opere dei coniugi al Victoria and Albert Museum di Londra ha contribuito a mantenerne la solvibilità.

Natalia è morta di cancro a Parigi. Sulla sua lapide era semplicemente scritto che era un'artista e una pittrice. La morte di Mikhail è arrivata poco dopo. Fu sepolto accanto a lei con la stessa iscrizione sulla sua lapide.

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