10 dipinti di famosi pittori realisti che hanno trasformato l'idea di bellezza

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Rifiutando un'eccessiva enfasi sull'emotività, che è così inerente al romanticismo, e un'entusiastica glorificazione del passato, i realisti, guidati da Gustave Courbet e Jean-François Millet, iniziarono a disegnare non solo persone comuni, ma anche vari momenti con una precisione incredibilmente affidabile. E nonostante il fatto che la maggior parte dei dipinti realistici attualmente conosciuti siano stati spesso criticati, causando polemiche per il fatto che avrebbero mostrato tali situazioni che molti artisti hanno cercato di evitare nelle loro opere, considerandoli inappropriati, tuttavia, molti sono riusciti a conquistare il mondo, saldamente insediato nella storia del mondo dell'arte.

1. Rosa Boneur

Rosa Bonneur è stata definita una delle artiste più apprezzate del XIX secolo, divenuta famosa in tutto il mondo grazie alle sue opere raffiguranti animali. Ma il suo enorme successo è arrivato solo quando il mondo ha visto il suo fantastico lavoro chiamato "Horse Fair", che cattura il mercato equestre, che si svolge sul boulevard L'Hôpital a Parigi. E non importa quanto possa sembrare divertente, per trasmettere tutto ciò che ha visto nel modo più accurato possibile, la donna è andata in piazza quasi ogni giorno per un'ora e mezza per fare diversi schizzi, che in seguito hanno costituito la base della sua pittura.

Nel 1853 ebbe luogo la prima mostra della sua pittura al Salon di Parigi, dopo di che l'opera fece il giro del mondo, conquistando non solo gli abitanti dell'Europa, ma anche l'America. E non sorprende affatto che anche la regina inglese un tempo apprezzasse quest'opera molto e per il suo vero valore, e il Metropolitan Museum ha persino definito la "Fiera dei cavalli" la creazione più famosa e straordinaria.

2. Ilya Repin

Ilya Repin è ben noto per lavori come "Barge Haulers on the Volga", che scrisse con l'impressione di rilassarsi sul fiume nel 1870. Questo lavoro è uno strano miscuglio di forza umana, stratificazione sociale e tutte le difficoltà che la gente comune deve affrontare. Ha catturato magistralmente undici lavoratori che trascinano instancabilmente la chiatta lungo il Volga, rappresentando un unico insieme, quello che può essere tranquillamente definito un momento ininterrotto. E non sorprende affatto che sia stata questa immagine a ricevere il riconoscimento internazionale per aver trasmesso in modo più accurato e affidabile le vicissitudini che la gente comune, discendente della classe operaia, ha dovuto affrontare.

Un successo così vasto e colossale divenne un gentile, piacevolissimo e non infruttuoso impulso all'inizio della carriera dell'artista, facendone un vero maestro, capace di documentare la famigerata disuguaglianza sociale. Alla fine, il principe Vladimir Alexandrovich divenne il proprietario del dipinto, con l'aiuto del quale fu esposto sul territorio di quella che allora era l'Europa, diventando un simbolo del vero realismo russo di quel tempo.

3. Thomas Eakins

Thomas Eakins è il principale realista americano che si è distinto dalla massa di altri maestri in quanto nelle sue opere ha abilmente ritratto l'essenza umana e l'individualità di ogni modello, dando a questo l'accento principale. Forse il dipinto più popolare del maestro è l'opera chiamata "The Gross Clinic", che raffigura un eccezionale chirurgo degli Stati Uniti - Samuel D. Gross. Nella foto, esegue un'operazione complessa, durante la quale ha rimosso l'osso danneggiato nella zona della coscia. Lodato per il suo realismo senza compromessi, The Gross Clinic è considerato da molti critici il più bel dipinto realistico nella storia dell'arte americana. È salutato come la grande storia della medicina del 19° secolo ed è considerato un ritratto americano incredibilmente realistico e dettagliato.

4. Jean-Francois Millet

Jean-François Millet è una delle figure più importanti nel campo del realismo francese. E anche lui è volentieri messo alla pari con Gustave Courbet, poiché lui, come questo gigante della pittura, è diventato famoso in tutto il mondo per i dipinti con immagini di normali abitanti del villaggio. La sua opera, intitolata "Angelus", è stata l'ultima ma più famosa opera dell'autore, che incarna la devozione al cattolicesimo e alla preghiera. Mostra l'immagine di due contadini che si inchinano ad Angelus alla fine della giornata per ringraziarlo.

Vale la pena notare che nella zona dell'orizzonte la chiesa è ben visibile e, molto probabilmente, è stato il suono della campana della chiesa ad avvisare l'uomo e la donna della fine della giornata lavorativa, così che, dopo aver terminato il loro lavoro, dicevano una preghiera. Inizialmente, l'immagine portava un nome molto originale "Preghiera per un campo di patate", perché lo schizzo raffigurato mostra che tutto ciò che accade si svolge a Barbizon, in Francia, su uno dei campi di patate.

5. Gustave Courbet

Cosa possiamo dire, e Gustave Courbet è ancora chiamato l'eccezionale maestro del realismo francese, il suo principale ispiratore e attivista. Nel momento in cui decise di creare il suo dipinto più controverso "L'origine del mondo", i motivi erotici e un corpo umano e nudo erano consentiti solo nelle opere che portavano motivi mitologici o fiabeschi. Pertanto, non sorprende affatto che l'approccio realistico di Courbet abbia semplicemente capovolto il mondo dell'arte, cambiando l'idea di ciò che è corretto e presentabile.

L'artista raffigura una donna nuda e i suoi genitali in modo dettagliato e accurato, che è chiaramente visibile, poiché la sua posizione con le gambe divaricate consente di vedere tutto con i propri occhi. Questo dipinto ha ancora la capacità di scioccare anche lo spettatore moderno con la sua franchezza, tuttavia, quest'opera è riuscita comunque a creare polemiche, che hanno portato alla sua censura e al divieto in molti casi.

6. Andrew Wyeth

"Christina's World" è un dipinto di un'artista statunitense di spicco dell'epoca, che è una delle opere americane più importanti e famose del secolo scorso. Raffigura una donna sdraiata su un campo. La donna sta guardando la casa grigia all'orizzonte. Il personaggio principale di quest'opera è tutt'altro che un personaggio immaginario, ma una persona reale che ha ispirato l'artista a scriverlo. Anna Christina Olson era una vicina dell'artista che soffriva di un disturbo muscolare degenerativo che le impediva di camminare normalmente. Un giorno, in piedi vicino alla finestra, Andrew la vide strisciare con tutte le sue forze attraverso il campo. È stato questo momento che lo ha spinto a creare "Christina's World". Anche se al primo spettacolo l'immagine è stata lasciata senza la dovuta attenzione, gradualmente, nel tempo, ha iniziato a guadagnare sempre più popolarità, diventando un vero simbolo dello stile americano.

7. Jean-Francois Millet

Oltre al leggendario "Angelus", Millet aveva altri tre dipinti eccezionali che ritraevano persone umili e comuni. "Le spighe di grano" è la più famosa di tutte le opere di questo genio. È stato questo lavoro che ha influenzato le opere di altri artisti che hanno vissuto e lavorato dopo Millet, ad esempio, come Van Gogh, Renoir, Seur, Pissarro. Raffigura tre contadine che vagano per il campo, raccogliendo le spighe lasciate dopo il raccolto.

Nella sua opera, Millet ha ritratto il rango inferiore della società rurale in uno stile cupo e comprensivo, provocando così dure critiche da parte degli aristocratici francesi e dei membri dell'alta società durante la prima dimostrazione del dipinto. Inoltre, l'indignazione del pubblico è stata causata dalle dimensioni molto fuori standard della tela 33 per 44 pollici, che sono state spesso utilizzate per dipinti con motivi mitologici e religiosi.

8. Gustave Courbet

Il dipinto "Sepoltura a Ornans" fece colpo, provocando un'enorme raffica di emozioni e pettegolezzi tra il grande pubblico nel 1850-51. Raffigura il funerale del prozio dell'artista, tenutosi nel piccolo insediamento di Ornand in Francia. Gustave ha ritratto con incredibile realismo quei cittadini che sono venuti e hanno partecipato alla cerimonia di sepoltura. Ma non era questo a causare il malcontento dello spettatore, ma il fatto che la tela fosse incredibilmente enorme (10 per 22 piedi) per un dipinto di questo tipo, perché un tale formato era riservato esclusivamente alle scene eroiche e religiose nella pittura storica.

Oltre a tutto ciò, l'indignazione ruotava attorno al fatto che il corteo fosse rappresentato senza alcun motivo sentimentale ed emotivo, scuotendo così il mondo delle belle arti. Nonostante tutto, dopo aver attraversato critiche e pettegolezzi, questo lavoro è diventato il principale, grazie al quale il pubblico ha smesso di apprezzare la direzione romantica, interessandosi a un nuovo approccio alla creatività, più realistico e vitale, che è diventato un punto di svolta in Francia in il XIX secolo.

9. Edward Hopper

Una persona come Edward Hopper è diventata famosa per il fatto che nelle sue opere è riuscito a rivelare la solitudine della vita, costringendo chiunque guardi l'immagine ad accendere l'immaginazione per completare la narrazione artistica. Questo dipinto è stato ispirato dai ricordi di un ristorante in Greenwich Avenue. In esso, l'artista raffigura persone sedute in una tavola calda situata nel centro della città a tarda notte. Con loro grande stupore, questa trama è stata interpretata da molti come un'illustrazione delle orribili conseguenze della seconda guerra mondiale, nonché una rappresentazione del completo isolamento di un individuo nel mezzo del trambusto di New York.

10. Edouard Manet

Edouard Manet è un uomo che nella società degli artisti era chiamato nient'altro che un impressionista, ma lui stesso si definiva un vero realista. Ciò è dimostrato da una delle sue opere più famose, ovvero il dipinto "Olympia", che raffigura una donna nuda sdraiata su un lussuoso letto, accompagnata da una cameriera. Nel 1865 quest'opera fu esposta al pubblico, suscitando indignazione non solo da parte del pubblico, ma anche da parte della critica. No, non perché le sia stata catturata una ragazza nuda, ma per una serie di dettagli che indicavano chiaramente che era confusa, vale a dire: un'orchidea che le adornava i capelli, un braccialetto che portava al braccio, orecchini di perle e un sottile scialle orientale su cui giace.

Oltre a tutto questo, nella foto c'è un gatto nero, che all'epoca era considerato anche un simbolo tradizionale della prostituzione. La caratteristica principale di questa immagine, secondo i critici mondiali, non è affatto che sia stata ispirata dall'immagine di "Tiziano Venere" di Urbino, ma proprio nel fatto che questa tela raffigura non una donna splendida, non una dea, e nemmeno un aristocratico, ma soprattutto che nessuno dei due è una prostituta d'élite. L'aspetto chiave del quadro è lo sguardo conflittuale di questa donna, che molti interpretano come nient'altro che l'apice della disobbedienza al patriarca.

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