Fatti poco noti sulla pittura digitale che dimostrano che questo genere è arte alta

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

La pittura digitale è una linea sottile di opposti, che combina una brillante spruzzata di colori con l'alta tecnologia. Questo è un fantastico mondo dell'arte, dove ogni immagine creata è così sfaccettata che a volte è difficile capirla e apprezzarla. Qualcuno preferisce uno stile misto e qualcuno da zero usa esclusivamente un tablet per disegnare e una dozzina di programmi adatti per l'elaborazione. Ma in un modo o nell'altro, quest'arte è piuttosto popolare in tutto il mondo e può vantare una storia altrettanto vivida e affascinante del suo inizio.

1. Storia della pittura digitale

Dall'invenzione della fotografia alla fine del XIX secolo, la pittura ha cominciato lentamente a svanire, ed è iniziato un vero confronto tra fotografi e artisti, perché ognuno ha cercato di difendere e dimostrare il proprio punto di vista. Fu solo negli anni '60, con l'emergere della pop art e del fotorealismo, che gli artisti iniziarono a esplorare il concetto di pittura digitale. Uno dei primi ad adottare l'estetica digitale è stato l'artista pop Roy Lichtenstein, che ha introdotto i punti di inchiostro nella sua arte, che ha accuratamente dipinto a mano con una vernice speciale attraverso uno stencil di metallo.

Nel dipinto del 1965 Pennellate, il Liechtenstein ingrandisce un fumetto intitolato Pittura di Dick Giordano. Il design astratto della sua composizione ricorda quello degli espressionisti astratti di New York degli anni '50, ma il Liechtenstein ne parodia deliberatamente la presunta originalità rendendo la sua composizione astratta e la vernice gocciolante completamente sintetiche.

Sulla scia della pop art americana, emerse a Berlino Ovest un gruppo alternativo di artisti che si definivano realisti capitalisti, proclamandosi "i primi artisti pop tedeschi".

Uno dei membri più importanti del gruppo è stato Sigmar Polke, che ha studiato il mondo dei media, della pubblicità e della cultura popolare. Ma a differenza della cultura pop americana, i realisti capitalisti hanno adottato un approccio più grezzo e disordinato, combinando l'espressionismo del passato tedesco con elementi dell'immaginario dei media per creare il proprio stile di pittura digitale.

Come il Liechtenstein, Polke amava i punti. Ha inserito, stampato e dipinto questi punti in molti dei suoi dipinti, trasformandoli nel suo audace stile distintivo, come mostrato nel dipinto del 1963 Senza titolo.

L'artista tedesco Gerhard Richter era strettamente associato a Polke e al movimento realista capitalista, condividendo con Polke un reciproco fascino per il modo in cui la superficie stampata poteva essere incorporata nella pittura. Richter è forse meglio conosciuto per i suoi caratteristici dipinti fotorealistici sfocati, che imitano così bene il soft focus della fotografia che spesso ci si chiede se siano stati davvero dipinti. Il suo lavoro era strettamente associato ai fotorealisti americani degli anni '60 e '70, che erano alla ricerca di modi per trasmettere scrupolosamente il forte realismo della fotografia nella pittura.

Ma Richter ha adottato un approccio più sperimentale, mescolando insieme effetti fotografici e pittorici, esprimendo la sua ammirazione per la nuova ondata dell'arte. Negli anni '70, Gerhard ha iniziato a fotografare i suoi dipinti espressivi e astratti e a crearne di nuovi basati su queste fotografie. Come si può vedere in Abstract Painting n. 439, 1978, la fluidità liquida della pittura si fonde con la superficie lucida e intatta della fotografia, creando una pittura digitale. Sia Richter che Polke hanno avuto un'influenza particolarmente profonda sugli artisti contemporanei, che continuano a sviluppare le loro abilità e approcci sperimentali alla creazione di un'opera particolare.

2. Collage

Molti artisti contemporanei traggono le loro storie da fonti fotografiche trovate piuttosto che dall'osservazione diretta, riflettendo la penetrazione della carta stampata nella vita quotidiana. Alcuni degli artisti contemporanei più avventurosi enfatizzano deliberatamente la natura digitale del materiale originale, enfatizzando le trame e le superfici della stampa originale e i suoi bordi ritagliati o strappati.

L'artista britannico Dexter Dalwood crea dipinti basati sui suoi piccoli collage, riproducendo deliberatamente linee nettamente tagliate o spazi vuoti di pittura irregolari sulla tela, creando così luoghi strani e illusori, come si vede in una delle sue opere nel 2004. Come Dalwood, l'artista britannico Neil Gull ama approfondire gli effimeri visivi della vita quotidiana, lavorando per incorporarli il più originali possibile nella pittura.

3. Computer, stampanti e fotocopiatrici

Il tempo non si ferma e gli artisti continuano a sperimentare la giocosa dicotomia tra stampa digitale e pittura. L'artista americano Wade Guyton realizza opere che caratterizzano il termine pittura digitale stampando su fogli di tela utilizzando una stampante a getto d'inchiostro di grande formato Epson Stylus Pro 9600. I suoi caratteristici motivi geometrici di quadrati, croci e griglie vengono creati al computer prima della stampa su tela, ma soprattutto gli piacciono i guasti tecnici che si verificano alla stampante al di fuori del suo controllo, quando la tela si blocca e deve essere estratta, e l'inchiostro inizia semplicemente a fuoriuscire, mescolandosi l'uno con l'altro.

L'artista tedesca contemporanea Charlene von Hale lavora dalle immagini trovate, che poi scurisce e astrae nel processo di pittura. Dal 2001, ha sperimentato con le fotocopiatrici e come possono distorcere e trasformare le immagini esistenti e fornirle una gamma infinita di nuovi materiali con cui lavorare per creare il suo stile di pittura digitale. A volte crea nuove immagini dipingendo su fotocopie, come si vede in un dipinto del 2003.

4. Immagini flottate

Uno degli artisti di pittura digitale più entusiasmanti oggi è l'artista americana Jacqueline Humphries, i cui dipinti illustrano i linguaggi digitali di codici captcha, emoji e programmi per computer. I suoi intricati schemi ripetuti di punti, trattini, croci ed emoji sono disegnati utilizzando un cutter industriale per stencil, che poi intreccia con strisce di vernice espressioniste, combinando la pittura digitale con i tratti imprevedibili della sua mano. Paragona questo processo di stratificazione all'attività del computer multischermo, in cui lo spettatore può visualizzare più pagine contemporaneamente, una sopra l'altra.

La sua famosa serie di dipinti Black Light imita ulteriormente l'estetica degli schermi di computer luminosi dipinti con vernice ultravioletta su enormi tele che possono essere viste solo in una stanza buia illuminata da lampade ultraviolette, dando ai suoi dipinti quella che lei chiama "qualità cinematografica".

L'artista astratta americana Amy Sillman è forse meglio conosciuta per le sue tele improvvisate fatte da reti di linee stratificate, forme e colori vibranti, ma ha anche realizzato animazioni piene di sentimento che danno vita al suo linguaggio visivo. Il lavoro di animazione "Tredici possibili futuri: Cartoon for a Painting", 2012, è stato realizzato utilizzando l'app di disegno per iPad. Sillman ha quindi stampato ogni fotogramma dell'animazione e li ha trasformati in un'enorme installazione, consentendo allo spettatore di dare un'occhiata dietro le quinte del più ampio processo decisionale che porta alla creazione di un'unica opera d'arte.

5. Il futuro della pittura digitale

Mentre ci muoviamo in un futuro di fiorente sviluppo tecnologico, non c'è dubbio che l'ambito della pittura digitale continuerà ad espandersi in direzioni nuove ed entusiasmanti. L'artista britannico Glenn Brown vede il ruolo futuro della pittura nel rielaborare e reimmaginare la storia dell'arte del passato, trasformandola in qualcosa di nuovo. I suoi dipinti copiano e rielaborano dipinti precedenti, vecchi e nuovi, da Rembrandt van Rijn a Frank Auerbach, con l'aiuto di vari tipi di filtri li porta alla perfezione, dando loro vita e significato completamente nuovi.

La fantasia umana non conosce confini, soprattutto quando si tratta di creatività e arte. Artisti, fotografi e scultori di tutto il mondo non smettono mai di stupire il pubblico con le loro opere, che, sollevando molti interrogativi, rimangono spesso senza risposta. Le vertiginose illusioni artistiche non facevano eccezione., guardando che la terra lascia letteralmente da sotto i nostri piedi.