Colazione in stile olandese: come le nature morte "gustose" sono diventate una direzione separata della pittura

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Sia i ricchi intenditori di pittura, sia i comuni borghesi olandesi, vissuti circa quattrocento anni fa, hanno avuto l'opportunità di decorare la parete del loro soggiorno o della sala da pranzo con un dipinto del XVII secolo. Poi sono apparse le prime nature morte per la colazione, che sono diventate rapidamente molto popolari, e se le esamini attentamente, diventa chiaro il perché.

Dipinti che stimolano l'appetito: nature morte di Haarlem

Le prime nature morte sono state progettate per mascherare una nicchia a muro o decorare un'anta di un armadio: i cittadini olandesi potevano permetterselo e un numero enorme di opere di artisti sul mercato delle belle arti ha permesso loro di scegliere il meglio, o almeno quelli che erano più cari agli occhi del padrone di casa. All'inizio apparvero nature morte floreali, e poco dopo divenne di moda raffigurare gruppi di oggetti, commestibili e non commestibili, su una tovaglia bianca, che migrarono in opere indipendenti separate dai ritratti di gruppo a un tavolo apparecchiato.

La patria e il centro per la creazione di tali nature morte - portavano anche i nomi di "Colazione", "Dessert" - divenne la città olandese di Haarlem. I maestri raffiguravano oggetti e prodotti semplici e familiari alla vita olandese: formaggio, prosciutto, frutta, pesce, birra, serviti in piatti di peltro. Ma la posizione dell'Olanda come paese ricco e prospero, che inviava navi ai confini del mondo e portava un'enorme quantità di merci esotiche dalle colonie, si rifletteva nell'arte. Granchi e aragoste, gamberetti e ostriche, uva e olive cominciarono ad apparire sempre più spesso nelle nature morte. Anche i piatti nei dipinti cambiarono: ciotole di latta lasciarono il posto a piatti d'argento, artisti raffigurarono calici di madreperla da conchiglie di nautilus, porcellane costose, bicchieri di vino alti.

Uno degli scopi della natura morta era quello di compiacere l'occhio del suo proprietario, di decorare la stanza, e quindi le "colazioni" divennero sempre più lussuose e decorative. Tuttavia, ogni artista, almeno uno di quelli che non si sentiva un artigiano, ma un creatore, ha cercato di dare un significato alle proprie opere, riempirle di simboli.

I cui nomi e nature morte sono stati preservati dalla storia delle belle arti

La particolarità del mercato della pittura olandese di quel tempo è che ciascuno degli artisti - ad eccezione di pochi grandi maestri - lavorava in una nicchia molto ristretta, raffigurando spesso la stessa cosa su tela per anni. Questo era il modo più semplice per impostare la vendita dei dipinti agli acquirenti e far fronte alla concorrenza, che a quei tempi era molto agguerrita. Pertanto, ora, trovandosi in una sala del museo, i dipinti a volte sembrano una sorta di "gemelli", le cui differenze diventano evidenti solo dopo un attento studio.

Una delle prime nature morte da colazione del XVII secolo è il dipinto del pittore di Haarlem Nicholas Gillis "Tavola apparecchiata". Gli oggetti sul tavolo appaiono davanti allo spettatore da un tale angolo, come se fossero guardati un po' dall'alto. Questo ti permette di vedere e distinguere tutto sulla tavola, da una piramide di formaggi ai gusci di noce.

Affinché la natura morta fosse interessante e vivace, e non solo una rappresentazione di un gruppo di oggetti diversi, l'artista doveva considerare attentamente la composizione. Pertanto, le "colazioni" olandesi lasciano l'impressione di una certa intimità, come se lo spettatore guardasse nella casa di qualcuno e nella vita di qualcuno. Le nature morte di Rulof Kuts, un altro pittore di Harlem, si distinguevano per la deliberata negligenza. Il suo segno distintivo era una vite con foglie accuratamente scritte e negligenza deliberata, persino un disordine sul tavolo: una tovaglia spiegazzata, calici rovesciati, oggetti appesi al bordo del tavolo.

I due maestri della natura morta olandese sono considerati tra i principali pittori di questo genere. Uno di loro era Peter Claes, che all'inizio si specializzò anche in nature morte del tipo "vanità delle vanità" o vanitas, che ricordano la fragilità dell'esistenza umana. Col tempo si dedicò interamente alle "colazioni", raffigurando su tela un piccolo numero di oggetti, creando l'illusione di un pasto modesto per una persona, come se qualcuno per cui era stata apparecchiata la tavola fosse appena partito e stesse per tornare. Anche le nature morte di Claes sono notevoli in quanto hanno dimostrato un'immagine tridimensionale, il gioco della luce sugli oggetti, il bagliore e un tono argenteo.

Un altro eccezionale pittore del 17 ° secolo, Willem Claesz Heda, si rivolse anche all'idea della fragilità dell'essere nelle sue nature morte - questo è evidente nelle immagini di vetri invertiti e rotti, I suoi dipinti erano sostenuti in un grigio o marrone -tono verde, senza accenti luminosi, solo una tovaglia bianca risaltava un po 'e giallo limone o torta. Le opere di Kheda furono i primi esempi di natura morta monocroma. Il solito insieme di oggetti nei dipinti dell'artista - una brocca, un piatto, un bicchiere, un prosciutto, un tovagliolo accartocciato, un vaso rovesciato, un limone mezzo sbucciato - in ogni nuovo pezzo formava una nuova composizione unica. Kheda ha trasmesso con cura e precisione la forma, il colore, la trama di ogni oggetto e questa affidabilità ha dato alla natura morta un mistero, un mistero.

Cosa potrebbe essere stato crittografato nelle nature morte di Breakfast?

Lo spettatore moderno ha la possibilità di vedere i prodotti di quattro secoli fa sulle nature morte olandesi e allo stesso tempo gli antichi modi di servirli, e solo questo ci fa dare un'occhiata più da vicino. E inoltre, non dobbiamo dimenticare i simboli che erano nascosti nei dipinti.

Agli olandesi piaceva percepire le cose semplici, quotidiane, piene di significati nascosti, spesso filosofici. Il fatto che la vita e il piacere siano transitori, agli artisti piaceva "menzionare" nella maggior parte delle nature morte. Si ritiene che si tratti di vanità e fragilità che dicono, ad esempio, bicchieri rotti e una sensazione di caos sul tavolo. Ma il prosciutto, il prosciutto, il vino simboleggiano i piaceri carnali e terreni.

Le ostriche avevano un significato ambiguo, molto spesso la loro immagine aveva una connotazione erotica - dopotutto, Venere era nata da una conchiglia, ma a volte venivano viste, al contrario, un simbolo di un'anima aperta. Il pesce ricordava Cristo, il coltello - il sacrificio, il limone simboleggiava il tradimento.

In gran parte a causa dell'immagine nelle nature morte, alcuni prodotti divennero particolarmente richiesti, le stesse ostriche una volta si trovarono sotto la minaccia di una completa distruzione, fu necessario vietarne la pesca in alcuni mesi dell'anno.

Nel complesso, la natura morta ha fornito al suo proprietario l'opportunità di interpretare in modo indipendente la composizione raffigurata sulla tela e, a giudicare dalla domanda di cui godono le "colazioni", gli olandesi e persino gli intenditori stranieri di questo genere, hanno apprezzato questa occupazione.

Non solo nature morte, ma anche altri generi di pittura sono iniziati quattro secoli fa, e puoi facilmente intuire qual è il segreto della popolarità dei piccoli olandesi del XVII secolo, i cui dipinti sono orgogliosi oggi dell'Ermitage e del Louvre.