Come hanno conquistato il mondo 7 grandi pittori espressionisti, le cui opere sono apprezzate in tutto il mondo: Munch, Kandinsky, ecc

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Il lavoro degli artisti espressionisti è un mistero così difficile da risolvere e le immagini che creano sono così sfaccettate e contraddittorie che, guardandole, c'è un posto dove l'immaginazione può vagare. L'enfasi sui colori, sulle linee spezzate e sui tratti strappati è solo una piccola parte di ciò che, fin dai primi secondi, attira l'attenzione dello spettatore, trascinandolo nell'eccentrico mondo dell'arte, dove tutto non è così semplice come sembra a prima vista, perché ogni quadro ha la sua storia, e ogni artista ha il suo stile insuperabile e riconoscibile, che è diventato per secoli un biglietto da visita…

1. Edvard Munch

Edvard Munch, che non è mai stato sposato, chiamava i suoi dipinti suoi figli e odiava essere separato da loro. Vivendo da solo nella sua tenuta vicino a Oslo per gli ultimi ventisette anni della sua vita, sempre più venerato e sempre più isolato, si è circondato di un lavoro che risale agli inizi della sua lunga carriera. Dopo la sua morte nel 1944, all'età di ottant'anni, le autorità trovarono dietro le porte sbarrate al secondo piano della sua casa una collezione di più di mille dipinti, quattromilacinquemila disegni e quasi quindicimila stampe, come oltre a xilografie, acqueforti, litografie, pietre litografiche, xilografie, lastre di rame e fotografie. Tuttavia, nell'ultima ironia della sua vita difficile, Munch è conosciuto oggi come il creatore di un'immagine che ha oscurato il suo successo complessivo come pioniere e influente artista e incisore.

Il suo Scream è un'icona dell'arte moderna, un dipinto raffigurante una creatura asessuata e nodosa con un volto fetale, la bocca spalancata e gli occhi spalancati in un urlo di orrore, ricreava una visione che lo afferrò una sera della sua giovinezza mentre camminava con due amici Al tramonto.

Ad Ackley si è dedicato alla pittura di paesaggio, ritraendo la campagna e la vita contadina intorno a lui, prima con colori allegri e poi con quelli più scuri. Tornò anche alle sue immagini preferite, creando nuove versioni di alcuni dei dipinti.

Negli ultimi anni della sua vita, l'artista ha sostenuto finanziariamente i membri sopravvissuti della sua famiglia e ha comunicato con loro per posta, preferendo non visitarli. Trascorse la maggior parte del suo tempo da solo, descrivendo la sofferenza e l'umiliazione dei suoi anni avanzati. Quando fu colpito dall'influenza quasi fatale durante la Grande Pandemia, catturò la sua figura magra e barbuta in una serie di autoritratti non appena riuscì a raccogliere un pennello.

Inoltre, dipinse una serie di autoritratti, su uno dei quali intitolato "Tra l'orologio e il letto", risalenti al 1940-1942, poco prima della sua morte, lo spettatore vede cosa ne è stato di un uomo che, come ha scritto, è caduto dietro "Dance of life".

Congelato e fisicamente goffo, sta in piedi stretto tra l'orologio di suo nonno e il letto, come se si scusasse per aver occupato così tanto spazio. Sul muro dietro di lui c'erano i suoi "figli", uno sopra l'altro. Da genitore devoto, ha sacrificato tutto per loro…

2. Wassily Kandinsky

Uno dei pionieri dell'arte astratta contemporanea, Wassily Kandinsky ha utilizzato il rapporto evocativo tra colore e forma per creare un'esperienza estetica che ha coinvolto la vista, il suono e le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa permettesse un'espressione profonda e trascendentale e che copiare dalla natura interferisse solo con questo processo.

Fortemente ispirato dalla creazione di un'arte che trasmettesse un senso universale di spiritualità, introdusse un nuovo linguaggio pittorico che si collegava solo vagamente al mondo esterno, ma esprimeva molto dell'esperienza interiore dell'artista. Il suo vocabolario visivo si è sviluppato in tre fasi, passando dalle prime tele rappresentative e dal loro simbolismo divino alle sue composizioni entusiastiche e operistiche, nonché alle sue successive rappresentazioni geometriche e biomorfe a colori piatti. L'arte e le idee di Vasily hanno ispirato generazioni di artisti, dai suoi studenti al Bauhaus agli espressionisti astratti dopo la seconda guerra mondiale.

3. Egon Schiele

Con il suo caratteristico stile grafico, che abbraccia la distorsione figurativa e l'audace sfida alle norme di bellezza convenzionali, Egon Schiele è stato una delle figure di spicco dell'espressionismo austriaco.

I suoi ritratti e autoritratti, studi ardenti della psiche e dell'intimità dei suoi soggetti, sono alcune delle opere più sorprendenti e memorabili del XX secolo. L'artista, straordinariamente prolifico durante la sua breve carriera, è famoso non solo per il suo lavoro psicologicamente ed eroticamente ricco, ma anche per la sua intrigante biografia: il suo stile di vita licenzioso è segnato da scandalo, notorietà e una tragica morte prematura per influenza all'età di ventotto, tre giorni dopo, dopo la morte della moglie incinta, e in un momento in cui era sull'orlo del successo commerciale che gli è sfuggito per gran parte della sua carriera.

Egon fu una figura chiave nello sviluppo dell'Espressionismo in pittura. Ha scritto un numero fenomenale di autoritratti e completato oltre tremila disegni. Il suo lavoro ha spesso un intenso contenuto emotivo oltre alla schietta esplorazione del corpo umano. Ha lavorato al fianco di Gustav Klimt e Oskar Kokoschka, altri importanti artisti austriaci dell'epoca.

La breve ma fruttuosa carriera artistica di Egon, l'esplicito contenuto erotico del suo lavoro e le accuse di molestie intime lo hanno reso oggetto di numerosi film, saggi e spettacoli di danza, e il Leopold Museum di Vienna ha la più grande collezione di opere di Schiele: più di duecento mostre.

4. Marc Chagall

Le opere di Chagall sono intrise della sua eredità ebraica, spesso includendo ricordi della sua casa a Vitebsk, in Bielorussia, e della sua cultura popolare. Di norma, l'artista è sempre tornato su questi temi. Alcuni sostengono che il suo stile di pittura dopo la guerra fosse più sobrio, malinconico, addirittura tornato indietro nel tempo al post-impressionismo, ma, come sempre, il suo lavoro era completamente unico, fatto nel suo stile inimitabile. Mark ha combinato elementi di molte scuole di arte moderna durante la sua carriera, tra cui cubismo, fauvismo, simbolismo, surrealismo, orfismo e futurismo. Tuttavia, il suo lavoro ha rivelato livelli più profondi di estetica, musica e cultura risonanti, liriche e emotive, una profonda comprensione interiore dell'eredità ebraica.

Nel 1985 Chagall morì e fu sepolto in Francia. Al momento della sua morte, ha lasciato alcune delle sue vaste collezioni in vari campi e stili artistici. Il lavoro di Mark dimostra una magistrale comprensione del colore e una profonda risonanza emotiva, che è forse la ragione per cui il suo lavoro è ancora così popolare oggi.

Il suo contributo al mondo dell'arte del XX secolo è di quelli che pochi artisti possono vantare.

5. Paul Klee

Paul era ambizioso e idealista, ma manteneva un profilo basso e calmo. Credeva nella graduale evoluzione organica degli eventi piuttosto che forzare il cambiamento, e il suo approccio sistematico al lavoro echeggiava questo approccio metodico alla vita.

Era principalmente un disegnatore (mancino, tra l'altro). I suoi disegni, a volte molto infantili, erano molto precisi e controllati.

Klee era un acuto osservatore della natura e degli elementi naturali, fonte inesauribile di ispirazione per lui. Spesso costringeva i suoi studenti ad osservare e disegnare i rami degli alberi, il sistema circolatorio umano e gli acquari con i pesci per studiarne il movimento.

Fu solo nel 1914, quando Paul andò in Tunisia, che iniziò a capire ed esplorare il colore. Inoltre, è stato ispirato nei suoi studi sul colore dalla sua amicizia con Kandinsky e dalle opere dell'artista francese Robert Delaunay. Paul ha imparato da Delone cosa può essere il colore se usato in modo puramente astratto, indipendentemente dal suo ruolo descrittivo.

L'artista è stato anche influenzato dai suoi predecessori come Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc e altri membri del gruppo del Cavaliere Azzurro, i quali credevano che l'arte dovesse esprimere lo spirituale e il metafisico, e non solo ciò che si vede e tangibile.

Per tutta la sua vita, la musica ha avuto una grande influenza, manifestandosi nel ritmo visivo delle sue immagini e nelle note staccate dei suoi accenti di colore. Ha creato un'immagine molto simile al modo in cui un musicista suona un brano musicale, come se rendesse visibile la musica o udibile l'arte visiva.

L'eredità artistica di Klee fu immensa, anche se molti dei suoi successori non citarono apertamente il suo lavoro come fonte o influenza ovvia. Anche durante la vita di Paul, i surrealisti hanno scoperto che la sua giustapposizione apparentemente casuale di testo, segni astratti e simboli riduttivi suggerisce come la mente in uno stato di sonno ricombina i disparati oggetti quotidiani e dà così una nuova comprensione di come l'inconscio ha potere anche sulla realtà di risveglio…

La reputazione dell'artista crebbe notevolmente negli anni '50, quando, ad esempio, gli espressionisti astratti potevano vedere i suoi lavori in mostre a New York. L'uso di segni e simboli da parte di Paul era di particolare interesse per gli artisti della New York School, in particolare quelli interessati alla mitologia, all'inconscio e al primitivismo (oltre che all'arte dell'autoeducazione e all'arte dei bambini). L'uso del colore da parte di Klee come mezzo espressivo per esprimere le emozioni umane ha attratto di per sé anche artisti con una preferenza per una ricca tavolozza di colori, come Jules (Jules) Olitzky e Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Come figura di spicco del movimento espressionista tedesco, Mark ha contribuito a ridefinire la natura dell'arte. Il movimento espressionista era noto per il suo interesse per la spiritualità e il primitivismo, nonché per il suo uso dell'astrazione. Franz ha incorporato il suo amore per la teologia e gli animali nel suo lavoro per creare una visione alternativa e più spirituale del mondo. Ha ritratto il mondo attraverso gli occhi degli animali, che ha usato per evidenziare aspetti della modernità che ha visto sfavorevolmente. Ma i suoi lavori successivi si sono spostati anche oltre le forme rappresentative nella pura astrazione, aprendo la strada alla prossima generazione di artisti.

Sebbene la sua carriera sia stata breve, le sue forme espressive lineari e l'uso simbolico del colore hanno avuto un'influenza duratura sui mondi dell'astrazione e dell'espressionismo. Tuttavia, artisti come Jackson Pollock e Willem de Kooning possono essere definiti suoi discendenti. Questi artisti sono stati ispirati dalla capacità di Mark di evocare sentimenti di emozione con il suo interesse per lo spirituale e il primitivo, così come il suo uso di colori vibranti. Gli espressionisti astratti hanno attinto ai contributi di Franz per creare dipinti che enfatizzassero forme più minimali e generalizzate, concentrandosi principalmente sull'espressione lineare e sul colore.

Questi nuovi approcci all'espressionismo hanno cercato di evidenziare le lotte personali degli artisti con i cambiamenti avvenuti dopo la fine della seconda guerra mondiale. Le generazioni successive di espressionisti, come i pittori del campo del colore che hanno portato l'espressionismo al suo stato più minimalista e semplicistico, possono essere viste come discendenti di Mark e dei suoi contemporanei. In effetti, Franz Marc, come uno dei fondatori dell'espressionismo tedesco, è stato determinante nella definizione del modernismo nel XX secolo e oltre.

7. Van Gogh

Esempi illustrativi dell'ampia influenza di Van Gogh possono essere visti nella storia dell'arte. I Fauves e gli espressionisti tedeschi lavorarono subito dopo Van Gogh e adottarono il suo uso del colore soggettivo e spiritualmente ispirato. Gli espressionisti astratti della metà del XX secolo usavano le ampie ed espressive pennellate di Van Gogh per mostrare lo stato psicologico ed emotivo dell'artista. Anche i neo-espressionisti degli anni '80 come Julian Schnabel ed Eric Fischl hanno un debito con la tavolozza e il pennello espressivi di Van Gogh.

Nella cultura popolare, la sua vita ha ispirato musica e numerosi film, tra cui Lust for Life (1956) di Vincent Minnelli, che esplora la relazione instabile tra Van Gogh e Gauguin. Durante la sua vita, Van Gogh ha creato novecento dipinti e realizzato millecento disegni e schizzi, ma durante la sua carriera ha venduto un solo dipinto. L'artista non ha avuto figli suoi e la maggior parte delle sue opere è andata a suo fratello Theo.

Continuando il tema dei grandi pittori, leggi anche su dove il surrealista Joan Miró cercava ispirazione, e quale dei poeti e degli artisti ha avuto la più forte influenza sul suo lavoro.