Perché il dipinto "Deposizione" era l'unica opera di Caravaggio, ammirata dalla critica e dalla chiesa

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

La Deposizione è l'unico dipinto di Caravaggio ad aver ricevuto unanimi consensi di critica. Inoltre, questa è la prima opera che la chiesa ha accettato senza ritardi e adeguamenti. Gli artisti di quel tempo copiarono molte volte l'opera di Caravaggio. Ci sono almeno 44 copie conosciute, una delle quali appartiene a Paul Cezanne.

Valutazione della società

Anche i critici più accaniti (Balione e Bellori) ammirarono la "posizione nella tomba" di Caravaggio. Con una cascata diagonale di dolenti e portando il corpo del Cristo morto, questo dipinto della controriforma riflette sia una rivoluzione nella pittura che un vero e proprio lutto. Caravaggio è tra i migliori artisti di tutti i tempi per il suo approccio ultranaturalistico all'arte barocca.

La "sepoltura" è tragica come la "Pietà" di Michelangelo, alla quale Caravaggio si ispirò chiaramente e sulla base della quale creò il proprio capolavoro. Così si sviluppò la vita di un artista barocco che i critici d'arte appresero della sua biografia da fonti di documenti della polizia. Da questi documenti il mondo apprendeva che Caravaggio aveva un carattere irascibile, sapeva essere crudele con gli altri, veniva spesso arrestato e imprigionato per aggressioni. Caravaggio è presente nei registri della polizia per reati minori, come portare una pistola senza permesso, e per reati più gravi quando è stato coinvolto in risse violente. Una volta è stato persino interrogato per aver insultato una donna e sua figlia! È inconcepibile che un pittore così talentuoso possa uccidere un uomo per una scommessa e trascorrere gli ultimi anni della sua vita in fuga dalla polizia. Tutte queste storie sono vere? Quindi rimarrà un mistero.

Eroi

Il dipinto è un gruppo figurativo ben compatto di sei personaggi, compreso il corpo del Cristo morto. La metà superiore del corpo di Cristo è sorretta da Giovanni Evangelista (in un mantello rosso). La sua mano destra tocca la ferita di Cristo. La metà inferiore è sorretta da San Nicodemo, che tradizionalmente rimuoveva i chiodi dai piedi di Cristo sulla croce. Nicodemo è il personaggio dominante nel dipinto, e il suo corpo è l'ancora compositiva e spirituale della tela. Guarda costantemente lo spettatore dal piano dell'immagine, quasi costringendolo a intervenire nel rituale. I due eroi del gruppo addolorato portano con cura il corpo di Cristo nella tomba-grotta, appena visibile nell'oscurità a sinistra.

Dietro i due uomini - la madre di Cristo, Maria, Maria Maddalena, che asciuga le sue lacrime con un fazzoletto bianco, e Maria di Cleofe, che alza le mani al cielo in un gesto di disperato dolore. Insieme, le tre donne rappresentano espressioni diverse e complementari della sofferenza. Con questo lavoro, Caravaggio ha creato un'immagine straordinariamente monumentale e drammatica, sottolineata da un pronunciato chiaroscuro.

Gesti da eroe

L'artista ha abilmente trasmesso la tragedia della trama attraverso i gesti degli eroi. Impossibile non prestare attenzione al gesto di Nicodemo che abbraccia le gambe di Gesù. Oppure San Giovanni che tocca con le dita la ferita di Cristo. Ed ecco Maria Maddalena, che benedice Cristo e allunga le braccia per abbracciare tutto il gruppo. È importante notare: nell'opera di Caravaggio, devi sempre prestare attenzione alle mani. Nascondono il messaggio dell'artista nei momenti più clamorosi. Il dettaglio di gran lunga più importante della trama è la mano destra senza vita di Cristo appeso. Di grande importanza fu la direzione delle mani nella "Conversione di san Paolo sulla via di Damasco" (al cielo), nella "Vocazione di san Matteo" (a Levi). Nella stessa opera, la mano cadente del Figlio dell'uomo tocca la pietra. E la mano di Maria addolorata fa un cenno al cielo (grida pietà). In un certo senso, questo era il messaggio di Cristo: Dio è sceso sulla terra e l'umanità si è riconciliata con il cielo. Le mani alzate di Maria Cleofe ricordano un simile gesto di consenso di san Paolo. Il suo volto, l'unico dopo il volto di Cristo, è completamente illuminato e guarda in alto. E i suoi occhi sembrano cercare una risposta divina alla situazione attuale.

Composizione e tecnica dell'ombreggiatura

Se nell'Alto Rinascimento la composizione ha una forma piramidale stabile, nell'arte barocca sono diagonali e talvolta diagonali intersecanti nella forma della lettera X. La composizione diagonale è una caratteristica molto comune dell'arte barocca. In La tumulazione, Caravaggio ha organizzato la composizione in modo che sembrasse che il corpo di Cristo venisse calato direttamente allo spettatore. Uno dei compiti più importanti dell'arte barocca è attirare lo spettatore. L'artista offre allo spettatore la possibilità di sentirsi nell'epicentro di una trama religiosa. Il corpo di Cristo sembra veramente morto, le figure lottano per sostenere il peso del suo corpo e lo sommerge dolcemente nella tomba.

Un'altra delle principali caratteristiche dell'arte barocca è la distruzione della barriera tra lo spazio dello spettatore e lo spazio del dipinto, per cui lo spettatore spesso si sente complice della trama. I pittori barocchi usano spesso lo scorcio. Anche qui in "The Place in the Coffin" tutto si trova molto vicino allo spettatore. Questo è il corpo di Cristo, così vicino che puoi sentirlo e persino toccarlo. E molto vicino allo spettatore è la sporgenza della tomba, che ha cancellato tutti i confini e è passata nello spazio dello spettatore.

Uno dei momenti iconici nell'opera di Caravaggio è l'oscurità. Il maestro dimostrò una completa padronanza della luce e dell'oscurità, usando la tecnica del chiaroscuro per aggiungere volume alle sue figure e del tenebrismo per dare ai suoi dipinti un vero dramma. Più tardi questo stile di "caravaggismo" sarebbe stato copiato da alcuni dei grandi maestri antichi come Rubens, Rembrandt e Vermeer. Caravaggio dipinse questa scena come se si svolgesse nell'oscurità assoluta con le luci accese nelle figure. Nessuno sfondo, solo oscurità. L'impressione è molto drammatica. Nessuna architettura, nessun paesaggio, e quindi lo spettatore riesce a mettere a fuoco gli stessi personaggi in primo piano nell'immagine. Nella sua collocazione, il gruppo è compatto e monumentale, come una scultura. Un recesso leggermente diagonale a sinistra indica la direzione del loro movimento e impedisce che la trama diventi statica, così come lo spigolo vivo del rivestimento in pietra della tomba su cui poggiano. Questa lastra di pietra si riferisce iconograficamente a Cristo come fondamento della Chiesa.

La Deposizione è la pala d'altare più monumentale e mirabile di Caravaggio, dipinta per la Chiesa di Santa Maria in Vallichella a Roma. L'artista ricevette un ordine da Alessandro Vittrice nel 1601. L'originale fa attualmente parte della collezione dei Musei Vaticani e una copia è conservata nella Cappella della Pietà. Nonostante la sua meritata fama di "genio del male", Caravaggio fu senza dubbio il più grande artista barocco italiano del primo Seicento.