7 talentuose donne surrealiste che potrebbero essere degne rivali di Frida Kahlo

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Il surrealismo non era solo un movimento artistico, ma anche un desiderio di libertà, che abbracciava tutti gli aspetti della vita. Come disse Meret Oppenheim, le donne surrealiste vivevano e lavoravano con un "desiderio consapevole di essere libere". Come le loro controparti maschili, le donne surrealiste erano anche attiviste politiche, difensori dei diritti delle donne e combattenti rivoluzionari. Hanno vissuto vite straordinarie come individui liberi, inventando la propria bellezza e dignità, esprimendo energia immediata, attrattiva e umorismo, e non sorprende che alcuni di loro abbiano superato non solo gli artisti maschi, ma anche la leggendaria Frida Kahlo, i cui dipinti sono stati utilizzati da molti anni immensamente popolare in tutto il mondo.

Quando la diciottenne Violetta Nozières confessò di aver avvelenato suo padre il 21 agosto 1933, la stampa francese esplose di indignazione contro di lei. Secondo l'opinione pubblica, Violetta era una "ragazza frivola", che mostrava tendenze caratteristiche delle donne "emancipate" appena fatte, conducendo una vita dissoluta, in contrasto con i suoi coetanei laboriosi. Non importava se le accuse fossero vere, in ogni caso la stampa decise di fare di lei un capro espiatorio.

Eppure, c'era ancora una voce solitaria di disaccordo: i surrealisti hanno mostrato il loro sostegno alla creatività collettiva, scegliendo Violetta come loro Angelo Nero, una musa che li ispirerà a combattere continuamente contro la mentalità borghese e i suoi miti su legge e ordine, logica e ragione. Il sistema che ha portato alla disuguaglianza sociale dell'era postindustriale e all'orrore della prima guerra mondiale era, secondo i surrealisti, irrimediabilmente imperfetto. Per sconfiggerlo era necessaria una rivoluzione non solo politica, ma anche culturale.

Pertanto, l'emancipazione delle donne è stata fondamentale per il rovesciamento del capitalismo e del patriarcato, a partire da una sfida alla percezione borghese delle donne come intrinsecamente buone, altruiste, sottomesse, ignoranti, devote e obbedienti.

Poesia. Libertà. Amore. La rivoluzione. Il surrealismo non è evasione stravagante, ma consapevolezza espansa. La mancanza di confini e censura ha fornito un luogo sicuro per discutere ed elaborare il trauma collettivo della prima guerra mondiale e ha anche fornito uno sbocco per i bisogni creativi delle donne.

Sebbene fossero accolte e attivamente coinvolte nel movimento, la comprensione surrealista delle donne era ancora profondamente radicata negli stereotipi dell'idealizzazione. Le donne o erano percepite come muse e oggetto di ispirazione, o suscitavano ammirazione come figure infantili dotate di una vivida immaginazione a causa della loro ingenuità e predisposizione all'isteria.

Fu attraverso il lavoro delle donne surrealiste che le identità femminili ebbero davvero la possibilità di fiorire, saldamente radicate nel mondo dell'arte, poiché si appropriarono del mito della musa per esprimere tutto il loro potenziale come creatrici attive. ricordati soprattutto per i loro rapporti, spesso sentimentali, con artisti maschi. Solo di recente il loro lavoro è stato analizzato in modo indipendente e gli è stata data l'attenzione che merita.

1. Valentino Hugo

Valentina Hugo è nata nel 1887 e ha ricevuto una formazione accademica come artista che ha studiato alla Paris School of Fine Arts. Cresciuta in una famiglia illuminata e progressista, ha seguito le orme del padre, diventando illustratrice e disegnatrice. Conosciuta per il suo lavoro con il balletto russo, ha sviluppato forti legami professionali con Jean Cocteau. Attraverso Cocteau, Hugo incontrò il suo futuro marito Jean Hugo, pronipote di Victor Hugo, e André Breton, fondatore del movimento surrealista, nel 1917.

Grazie a questa amicizia, si avvicinò sempre più al gruppo di artisti appena formato, che comprendeva Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso e Salvador Dalì. Durante questo periodo, si unì al Bureau of Surrealist Studies ed espose il suo lavoro nei saloni surrealisti nel 1933 e nella mostra Fantastic Art, Dada, Surrealism al Museum of Modern Art nel 1936.

Suicida dai suoi colleghi surrealisti Rene Crevel e dalla partenza di Tristan Tzara ed Éluard, ha lasciato per sempre il gruppo surrealista. Nel 1943, la sua parola fu inclusa nella Peggy Guggenheim Exhibition of 31 Women. La sua prima mostra retrospettiva ha avuto luogo a Troyes, in Francia, nel 1977, dieci anni dopo la sua morte.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim è nata a Berlino nel 1913 ma si è trasferita in Svizzera all'inizio della prima guerra mondiale. Sua madre e sua nonna, cresciute in una famiglia benestante, erano suffragette. La nonna è stata una delle prime donne a studiare pittura. Nella sua casa di Karon, Meret incontrò molti intellettuali e artisti, come i pittori dadaisti Hugo Ball ed Emmy Hennings, così come lo scrittore Hermann Hesse, che sposò sua zia (e in seguito divorziò da lei).

Suo padre, un medico, era un caro amico di Carl Jung e frequentava spesso le sue lezioni: introdusse Meret alla psicologia analitica e la incoraggiò a tenere un diario dei sogni fin dalla tenera età. Grazie a questa conoscenza, Meret era forse l'unico surrealista che aveva un'autorità in psicoanalisi. Curiosamente, era anche uno dei pochi surrealisti che preferivano Jung a Freud.

Nel 1932 si trasferisce a Parigi per proseguire la sua carriera artistica, entrando in contatto con il Surrealismo attraverso lo scultore svizzero Alberto Giacometti. Divenne presto amica del resto del gruppo, che all'epoca comprendeva Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dalì, Ernst e Rene Magritte.

Seduto in un caffè parigino con Picasso e Dora Maar nel 1936, Picasso notò al polso di Oppenheim un insolito braccialetto foderato di pelliccia disegnato per la casa di Elsa Schiaparelli. In una versione esplicita degli eventi, Picasso ha commentato quante cose gli piacevano potrebbero essere migliorate con un pezzo di pelliccia, a cui Oppenheim ha risposto: "Anche questa tazza e piattino?"

Il risultato di questo scherzo giocoso fu l'oggetto surreale più famoso di Oppenheim, Déjeuner en Fourrure, che fu acquistato da Alfred Barr per il nuovo Museum of Modern Art. Considerata "la quintessenza di un oggetto surreale", la tazza foderata di pelliccia è diventata la prima opera dell'artista nella collezione permanente del museo. Mentre il suo lavoro è stato accolto con entusiasmo dai suoi colleghi maschi, ha ancora lottato per affermarsi come artista nei suoi meriti ed evitare di essere una musa e un oggetto di ispirazione.

La sua natura indipendente, l'emancipazione e la ribellione l'hanno resa agli occhi dei suoi colleghi maschi un'incarnazione feticizzata di femme-enfant. Questa lotta per l'identità, l'impatto dell'antisemitismo sulle pratiche di suo padre e la surreale diaspora durante la seconda guerra mondiale costrinsero Meret a tornare in Svizzera. Qui cadde in una profonda depressione e scomparve dagli occhi del pubblico per quasi vent'anni.

Lavorando attivamente negli anni '60 e '70, alla fine ha preso le distanze dal movimento, rifiutando i riferimenti al surrealismo dell'epoca di Breton. Simpatica al femminismo, tuttavia, non ha mai tradito la sua convinzione junghiana che non ci sia differenza tra uomini e donne, rifiutandosi fermamente di partecipare a mostre "solo per donne".

La sua missione nella vita era quella di abbattere le convenzioni e gli stereotipi di genere, trascendendo completamente la divisione di genere e riconquistando la completa libertà di espressione., - lei disse.

3. Valentino Penrose

Una delle artiste surrealiste più critiche e irriverenti, Valentina Penrose ha dedicato gran parte della sua vita a distruggere la percezione borghese delle donne come mogli e figlie originariamente buone, altruiste, adoratrici del marito, sottomesse, ignoranti, pie, laboriose, obbedienti.

Una delle prime donne ad aderire al movimento, Penrose era affascinata dagli esempi di donne non ortodosse e viveva lei stessa una vita non convenzionale. Nata nel 1978 come Valentina Bouet, sposa nel 1925 lo storico e poeta Roland Penrose, prendendone il cognome. Si trasferì con il marito in Spagna nel 1936 per unirsi alla milizia operaia in difesa della rivoluzione. Il suo interesse per il misticismo e la filosofia orientale la portò ripetutamente in India, dove studiò il sanscrito e la filosofia orientale. Valentina era particolarmente interessata al tantrismo, nel quale scoprì una valida alternativa alla surreale ossessione per l'attrazione "genitale", influenzata dalla psicanalisi di Freud.

Credeva che la visione surreale delle donne come necessaria "altra metà" alla fine non riuscisse a liberare le donne dai loro ruoli borghesi e impedisse loro di trovare un percorso indipendente. Il suo crescente interesse per l'occulto e l'esoterismo alla fine spinse un cuneo tra lei e suo marito, che portò al divorzio nel 1935. L'anno successivo, viaggiò di nuovo in India con la sua amica e amante Alice Paalen. Ma dopo che le due donne si sono separate, il lesbismo è diventato un tema ricorrente nel lavoro di Penrose, spesso incentrato sui personaggi Emily e Rubia. Il suo romanzo collage del 1951 Feminine Gifts è considerato un libro archetipico surreale. Raffigurante le avventure di due amanti che viaggiano attraverso mondi fantastici, il libro è una raccolta frammentata di poesie bilingue e collage giustapposti, organizzati senza successione e con un maggiore livello di complessità.

Sfidando sempre lo stereotipo della donna ideale, nel 1962 pubblicò la sua opera più famosa, la romantica biografia del serial killer Erzbieta Bathory, The Bloody Countess. Il romanzo, che segue un mostro gotico lesbico, ha richiesto anni di ricerche in Francia, Gran Bretagna, Ungheria e Austria. Sempre vicina all'ex marito, ha trascorso gli ultimi anni della sua vita nella sua fattoria con la seconda moglie, il fotografo americano Lee Miller, conosciuta anche come Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon ha creato tanti personaggi diversi per evitare discriminazioni e pregiudizi, a partire dalla scelta di uno pseudonimo, un nome di genere neutro che ha indossato per gran parte della sua vita. Kaon è un esempio simbolico di un artista che, pur rimanendo quasi sconosciuto ai suoi tempi, ha guadagnato popolarità e riconoscimento negli ultimi anni, essendo una delle più famose tra le donne surrealiste. Spesso considerata l'antesignana dell'arte femminista postmoderna, la sua arte di genere e la definizione ampliata di femminilità che ha proposto sono diventati precedenti fondamentali nel discorso postmoderno e nel femminismo della seconda ondata.

Caon entrò in contatto con i surrealisti attraverso l'Associazione Écrivains et Artistes Révolutionnaires, dove conobbe Breton nel 1931. Negli anni successivi espone regolarmente con il gruppo: la sua famosa fotografia di Sheila Legg in piedi in Trafalgar Square è apparsa in molte riviste e pubblicazioni. Nonostante la posizione rivoluzionaria, i comunisti consideravano l'omosessualità un lusso che solo l'élite dissolta poteva permettersi.

Claude viveva con la sua sorellastra e compagna per tutta la vita, Suzanne Malherbe, che adottò anche lo pseudonimo maschile Marcel Moore. La disuguaglianza salariale ha deliberatamente privato le donne dell'opportunità di essere autosufficienti, quindi hanno dovuto fare affidamento sul sostegno economico di padre Kaon per sopravvivere. Senza pubblico esterno, l'arte di Kaon è stata creata principalmente in un ambiente domestico, fornendo uno sguardo non filtrato alla loro sperimentazione artistica. Usando maschere e specchi, Claude ha contemplato la natura dell'identità e la sua pluralità, creando un precedente per artisti postmoderni come Cindy Sherman.

Con le sue fotografie, Claude ha rifiutato e trasceso i miti modernisti (e surrealisti) sulla femminilità essenziale e sulla donna ideale, proponendo l'idea postmoderna che il genere e l'attrattiva siano di fatto costruiti ed eseguiti, e che la realtà non sia semplicemente appresa attraverso l'esperienza, ma definita attraverso il discorso. Durante l'invasione tedesca, Claude e Marsiglia furono arrestati per i loro sforzi antifascisti e condannati a morte. Sebbene vissero per vedere il giorno della liberazione, la salute di Claude non si riprese mai completamente e alla fine morì all'età di sessant'anni nel 1954. Marcel le sopravvisse per diversi anni, dopodiché, nel 1972, si suicidò.

5. Maria Cherminova (Giocattolo)

Nata Maria Cherminova, meglio conosciuta come Toyen, faceva parte del surrealismo ceco, lavorando a fianco del poeta surrealista Jindřich Štyrski. Come Kaon, anche Toyen ha adottato uno pseudonimo di genere neutro. Personaggio ambiguo, Toyen ha sfidato completamente le convenzioni di genere, indossando abiti sia maschili che femminili e adottando pronomi di entrambi i sessi. Sebbene fosse scettica nei confronti del Surrealismo francese, il suo lavoro coincideva in gran parte con il movimento bretone e negli anni '30 l'artista era diventata un membro integrante del Surrealismo. Sempre trasgressivo, l'interesse di Toyen per l'umorismo oscuro e l'erotismo l'ha cementata nella tradizione surreale dell'arte ipersessuale e irriverente, influenzata dalle opere del Marchese de Sade.

Nel 1909, Apollinaire trovò uno dei rari manoscritti di de Sade nella Biblioteca Nazionale di Parigi. Profondamente impressionato, lo descrisse come "lo spirito più libero che sia mai vissuto" nel suo saggio L'oeuvre du Marquis de Sade, contribuendo a una rinascita della popolarità di de Sade tra i pittori surrealisti. De Sade, per conto del quale hanno origine il sadismo e il sadismo, trascorse la maggior parte della sua vita in prigione o negli ospedali psichiatrici per i suoi scritti che combinavano il discorso filosofico con la pornografia, la blasfemia e le fantasie erotiche di violenza. Nonostante la severa censura, i suoi libri hanno influenzato i circoli intellettuali europei negli ultimi tre secoli.

Come i bohémien prima di loro, i surrealisti erano incuriositi dalle sue storie, identificandosi con la personalità rivoluzionaria e provocatoria di de Sade e ammirando i suoi contrastanti attacchi al gusto e alla rigidità borghesi. Mescolando violenza e attrazione, l'atteggiamento sadico divenne un mezzo per liberare impulsi innati nascosti nel subconscio: - leggi il Primo Manifesto del Surrealismo. Toyen ha reso omaggio allo scrittore libertino con una serie di illustrazioni erotiche per la traduzione ceca di Justine di Shtyrsky.

L'aspetto politico mai presente dell'arte di Toyen, tuttavia, divenne più pronunciato man mano che la situazione politica in Europa si deteriorava: la serie Tyr rivela la natura distruttiva della guerra attraverso l'iconografia dei giochi per bambini. Stabilitasi a Parigi nel 1948 dopo l'acquisizione comunista della Cecoslovacchia, Toyen rimase attiva fino alla sua morte nel 1980, continuando a lavorare con il poeta e anarchico Benjamin Pere e l'artista ceco Jindrich Heisler.

6. Itel Kohun

Separati durante la seconda guerra mondiale, i surrealisti di seconda generazione tendevano a prendere le distanze dal mainstream, sviluppando le proprie direzioni di ricerca. Le artiste hanno assunto l'idea surreale della donna mitica e l'hanno trasformata in un'immagine potente di una maga e di un essere che controlla i suoi poteri trasformativi e generativi. Femme-enfant, che ha ispirato la prima generazione di donne surrealiste, è ora una femme-sorciere, padrona del proprio potere creativo.

Mentre gli artisti maschi sembravano richiedere un mezzo esterno, spesso un corpo femminile, come mezzo per il loro subconscio, gli artisti femminili non avevano tali barriere, usando i propri corpi come base per la loro ricerca. L'io-alterità, l'alter ego attraverso il quale le artiste donne esploravano il loro io interiore, non era il sesso opposto, ma la natura stessa, spesso rappresentata attraverso animali e creature fantastiche.

Per la loro generazione, sopravvissuta a due guerre mondiali, una depressione economica e una rivoluzione fallita, la magia e il primitivismo sono stati liberatori. Per gli artisti, la magia era un mezzo di cambiamento, unendo e arrestando lo sviluppo dell'arte e della scienza, un'alternativa tanto necessaria alla religione e al positivismo che hanno portato alle atrocità della guerra. Infine, per le donne, l'occultismo è diventato un mezzo per rovesciare le ideologie patriarcali e potenziare il sé femminile.

Non sorprende che Itel Kohun si sia interessata all'occulto all'età di diciassette anni dopo aver letto L'abbazia di Thelema di Crowley. Educata alla Slade School of Art, si trasferì a Parigi nel 1931. Tuttavia, è proprio in Gran Bretagna che la sua carriera decolla: dopo aver tenuto diverse mostre personali, alla fine degli anni '30 diventa una delle figure di spicco del Surrealismo britannico. La sua affiliazione al movimento fu di breve durata e se ne andò dopo un anno, quando fu costretta a scegliere tra il surrealismo e l'occulto.

Mentre ha continuato a definirsi un'artista surrealista, rompere i legami formali con il movimento le ha permesso di sviluppare un'estetica e una poesia più personali. A suo modo, ha usato molte tecniche surreali come il frottage, la decalomania, il collage e ha anche sviluppato i suoi giochi di ispirazione come il parsemage e la grafomania entoptica. Dirigendo la forza oscura, Itel ha riconosciuto nelle donne il potenziale di creazione, salvezza e resurrezione, che le collegava con la natura e lo spazio.

Il suo lavoro, che traccia paralleli tra la conservazione della natura e l'emancipazione delle donne, ha stabilito un potente precedente per l'ulteriore sviluppo dell'ecofemminismo. La ricerca della dea perduta è stata una riunione delle donne con la Natura e la riscoperta del proprio potere, un viaggio che porta al ritorno della conoscenza e del potere.

7. Leonora Carrington

Una delle donne surrealiste più longeve e prolifiche, Leonora Carrington era un'artista britannica fuggita in Messico durante la diaspora surrealista. È nata nel 1917 da un ricco produttore tessile britannico e da madre irlandese. A causa del suo comportamento ribelle, è stata espulsa da almeno due scuole. Più di vent'anni più giovane della maggior parte dei surrealisti, Carrington è entrato in contatto con il movimento esclusivamente attraverso mostre e pubblicazioni.

Nel 1937 incontrò Max Ernst a una festa a Londra. Si avvicinarono immediatamente e si trasferirono insieme nel sud della Francia, dove si separò rapidamente dalla moglie. In questo momento è stata scritta una delle sue opere più famose, "Autoritratto". Con lo scoppio della seconda guerra mondiale, Ernst fu internato come "straniero indesiderato", ma fu liberato grazie all'intercessione di Eluard. Arrestato di recente dalla Gestapo, fuggì per un pelo da un campo di internamento, spingendolo a cercare rifugio negli Stati Uniti, dove emigrò con l'aiuto di Peggy Guggenheim e Varian Fry.

Non sapendo nulla del destino di Ernst, Leonora vendette la sua casa e fuggì nella Spagna neutrale. Devastata, ha avuto un crollo mentale all'ambasciata britannica a Madrid. Ricoverata in ospedale, è stata curata con terapia d'urto e farmaci pesanti che le hanno causato allucinazioni e svenimenti. Dopo un ciclo di cure, la donna è fuggita a Lisbona e poi in Messico. Lì ha sposato l'ambasciatore messicano Renato Deluc e ha vissuto con lui per il resto della sua vita fino alla sua morte nel 2011. La sua ricerca della spiritualità femminile si è basata sul saggio di Groves del 1948, The White Goddess, che ha suscitato un rinnovato interesse per la mitologia pagana. per le donne surrealiste era il mito delle origini matriarcali dell'umanità. Ispirate da questa nuova mitologia, le donne surrealiste della Seconda Ondata hanno immaginato fantastiche società egualitarie in cui gli esseri umani e la natura vivevano in armonia: una visione del futuro creata attraverso le donne.

L'arte è così multiforme che a volte è difficile decidere cosa ti piace e attirare l'attenzione. La pittura digitale non ha fatto eccezione., che, sorprendentemente, solleva molti interrogativi, provocando doppie sensazioni e impressioni. Inoltre, pochissime persone sanno come quest'opera sia entrata a far parte della grande arte, per la quale oggi molti appassionati di questa tendenza sono pronti a sborsare una bella cifra.