Qual è il segreto dei paesaggi di artisti famosi che caricano lo spettatore di "energia sublime"

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

I sublimi paesaggi sono uno dei soggetti più duraturi e iconici della storia dell'arte: dalle guglie sognanti del Rinascimento al romanticismo ribollente del XIX secolo e alle sperimentazioni della modernità, tutto questo evoca un turbinio di emozioni, facendo sospirare con gioia, dissolvendosi nell'atmosfera creata dall'artista.

Il termine "sublime" è stato definito dal filosofo Edmund Burke nel suo studio del 1757 sulle origini delle nostre idee del sublime e del bello. Burke ha anche chiamato il sublime non meno che l'emozione più potente che la mente possa provare: non sorprende che gli artisti abbiano cercato di adottare questo stile per trasmettere la bellezza del momento catturato.

1. Pieter Bruegel il Vecchio

Il dipinto di Pieter Bruegel il Vecchio "Fuga in Egitto", 1563, incarna la sublime pittura paesaggistica del Rinascimento settentrionale, combinando paesaggi mozzafiato con la narrativa religiosa. Minuscole figurine di Maria e Giuseppe camminano lungo una pericolosa scogliera in primo piano, in fuga dalla persecuzione di Betlemme. Il paesaggio è strettamente legato alla loro storia, avvolta dalle tenebre e dal pericolo dell'ignoto. Bruegel ha cercato di contrastare le aree di immobilità e movimento all'interno di questa immagine unificata, dipingendo rocce e montagne come una costante costante e immobile rispetto al movimento in costante movimento dell'acqua, delle persone e degli uccelli. Questo equilibrio di opposti tra oscurità/luce, fragilità/permanenza e immobilità/movimento ha svolto un ruolo importante nell'arte, dove la sublime pittura di paesaggio è diventata una delle immagini più durature di tutti i tempi.

2. Philip Jacob Lutherburg

L'artista britannico di origine francese Philip Jacob Lutherburg dipinse Avalanche in the Alps nel 1803, in un'epoca in cui le pittoresche ma pericolose Alpi francesi erano un'epitome sempre più popolare del paesaggio sublime. Oltre alla pittura, Philip amava il teatro e lavorava al chiaro di luna come scenografo teatrale, il cui ruolo gli ha permesso di mettere un dramma straordinario nelle sue tele attraverso l'illuminazione brillante, la profondità e il movimento.

Nella sua pittura alpina, le lontane montagne francesi iniziano a sgretolarsi in una valanga, "vomitando" enormi nuvole terrificanti di polvere fluttuante e fumo sul palco e oscurando il cielo sopra di loro. Un lampo di luce bianca al centro attira l'attenzione su minuscole figure spaventate di persone che si sono letteralmente congelate davanti alle pietre che cadono intorno. La trama di questa immagine è sia bella che terribile, tanto che lo spettatore rimane immobile per diversi minuti, osservando attentamente e affascinato ciò che sta accadendo.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps, 1812, incarna la bellezza agonizzante dell'era romantica con mostruose nuvole temporalesche che si librano sopra le piccole persone sottostanti. Dedicato ad Annibale Barca, comandante dell'esercito cartaginese nel 200-100 aC, il dipinto raffigura i soldati di Annibale che tentano di attraversare le Alpi nel 218 aC, con le tribù salatiane che combattono contro la retroguardia di Annibale.

Qui la tempesta diventa una potente metafora della lotta pericolosa per la vita, poiché nuvole nere e pesanti formano un terrificante vortice vorticoso che respinge soldati minuscoli e indifesi. In lontananza, il sole è una sfera splendente di luce ammaliante, un barlume di speranza in mezzo alla tragedia della guerra. Ma a parte i riferimenti narrativi, questo sublime paesaggio di Turner è in definitiva un riflesso della pura e distruttiva crudeltà della natura che minaccia di inghiottire senza cuore le persone sottostanti.

4. Caspar David Friedrich

Uno dei dipinti paesaggistici più iconici e sublimi di tutti i tempi, The Wanderer Above the Sea of Fog, dell'artista tedesco Caspar David Friedrich, 1817, incarna lo spirito sognante e idealistico del romanticismo europeo. In piedi da solo su una roccia alta e scura, la figura maschile contempla il suo posto nell'universo mentre la nebbia turbina su valli e montagne lontane. Federico rende il paesaggio sublime qui come una località inospitale e incomprensibile, riflettendo il fascino ottocentesco della natura selvaggia e sfrenata.

A differenza di altri artisti dell'epoca, che cercavano di creare piccole figure per sottolineare la grandezza del paesaggio, Friedrich dà alla sua figura un ruolo centrale, lasciandola del tutto anonima, permettendo così allo spettatore di immergersi il più possibile nel misterioso paesaggio nebbioso.

5. Karl Eduard Biermann

Il monte Wetterhorn di Karl Eduard Biermann, 1830, incarna il sublime stile paesaggistico dell'artista tedesco, con un terreno vasto e accidentato circondato da un'illuminazione teatrale drammatica. Il primo piano roccioso è accuratamente dipinto in toni ricchi e scuri di verde e marrone, portando lo spettatore a una striscia di alberi e rocce che scompaiono nell'ombra nera. Sullo sfondo, l'epica catena montuosa è illuminata da un raggio di sole, accentuando le sue guglie ghiacciate come un luogo mistico e irraggiungibile, mentre le nuvole sciamano in alto come se minacciassero di scoppiare in una tempesta.

Come molti pittori romantici, Birman enfatizza la soggezione, la sorpresa e la dimensione terrificante della scena ponendo in primo piano due minuscole figure che permettono allo spettatore di immaginarsi al posto dei personaggi principali, mentre tentano di arrampicarsi su rocce irregolari ed erba paludosa, mentre come una cascata li sorpassa nei riflessi della luce.

6. Arnold Böcklin

Uno dei dipinti paesaggistici più straordinariamente sublimi mai creati, L'isola dei morti dell'artista tedesco Arnold Böcklin, 1880, raffigura un'isola immaginaria che sorge dal mare contro un cielo scuro. Il dipinto è stato commissionato da una vedova che ha chiesto il dipinto "per sognare". In risposta alla sua richiesta, l'artista ha dotato il suo lavoro di accenni di morte e lutto. In primo piano, una figura bianca spettrale si sta dirigendo verso l'isola su una piccola barca a remi accanto a un oggetto che ricorda una bara.

Il vogatore è paragonato all'antico personaggio greco Caronte il barcaiolo, che trasportò le anime dei morti attraverso il fiume Stige verso l'Ade. File di cipressi minacciosamente scuri, tradizionalmente associati ai cimiteri, si estendono lungo l'isola, e rocce luminose frastagliate dietro di loro ammiccano con porte e finestre tomba. A differenza di molti paesaggi sublimi, un silenzio inquietante permea la scena, conferendole quell'atmosfera profonda e misteriosa. Lo stesso Böcklin ha persino descritto l'opera come "così silenziosa che una persona si sarebbe spaventata se avesse sentito bussare alla porta".

7. Edvard Munch

Edvard Munch creò White Night nel 1901 nella sua ultima carriera, in un momento in cui abbandonò la figurazione a favore di paesaggi atmosferici, ma rimase la stessa pervasiva ansia della sua prima arte. Questo sublime dipinto di paesaggio raffigura la sua nativa Norvegia nel mezzo dell'inverno, guardando attraverso alberi minacciosamente scuri un fiordo ghiacciato. La foresta di abeti forma un bordo frastagliato, affilato come una lama di sega, dietro di esso un avvertimento di ghiaccio pericoloso.

Gli alberi neri in primo piano assomigliano a volti o creature spettrali, ma sono appena visibili sotto la copertura della notte. Combinando la brillante luce della luna con queste qualità di pericolo e minaccia, la scena invernale notturna di Munch cattura la sublime bellezza dell'inverno norvegese. Riflettendo su come le sue scene paesaggistiche potessero combinare l'osservazione con una mente interiore, Edward scrisse:

8. Axeli Gallen-Kallela

Il lago Keitele di Akseli Gallen-Kallela, 1904, rende il famoso lago finlandese un affascinante specchio luminoso attraversato dalle correnti di vento a zigzag. Il dipinto è stato dipinto in un momento in cui c'era un crescente desiderio di indipendenza in tutta la Finlandia. Celebrando la grande fauna selvatica incontaminata del paese, questo sublime dipinto di paesaggio è diventato un potente simbolo del nazionalismo e dell'orgoglio finlandesi. Sebbene non ci siano segni di vita umana qui, i flussi naturali di traffico visibili attraverso l'acqua erano una caratteristica ben nota del lago.

Questi vicoli erano così noti storicamente che nell'antica cultura finlandese erano associati al personaggio mitologico Väinämöinen, che si diceva lasciasse increspature mentre viaggiava sul lago. Queste sottili rappresentazioni del movimento portavano un grande simbolismo nazionalista per Gallen-Kallela, celebrando la bellezza misteriosa ed enigmatica dell'antica cultura finlandese e i suoi stretti legami con la terra. Li ha descritti così:

9. Thomas Moran

Il pittore americano Moran, uno dei leader delle scuole Hudson e delle Montagne Rocciose, era così affascinato dalla campagna incontaminata e pericolosamente bella del Colorado che si immerse profondamente nella campagna e nell'atmosfera circostante, dove prima di lui pochi avevano osato dipingere più di trenta scene raffiguranti questo paesaggio unico e sublime.

Il Grand Canyon del Colorado cattura una visione idealizzata e romanzata del Grand Canyon, con rocce appuntite che cadono e scompaiono nella luce prima di scomparire nel lontano orizzonte mentre una tempesta imminente prende il sopravvento. Gli spettatori sono rimasti così abbagliati dalle rappresentazioni di Moran della grande natura selvaggia americana che oggi gli viene attribuito il merito di aver influenzato la creazione di un sistema di parchi nazionali che ha preservato l'integrità del maestoso paesaggio americano.

10. Peter Doig

La giacca da sci del 1994 dell'artista scozzese Peter Doig è una raffica di energia e movimento innevati. Basato su un'immagine fotografica di studenti di sci sparsi su una montagna giapponese, Doig distorce e degrada deliberatamente l'immagine originale tagliandola in due nel mezzo e unendole di nuovo insieme per creare un inquietante effetto specchio di Rorschach.

Doig è noto per aver mescolato materiale fotografico con segni pittorici, permettendo a due stili in conflitto di giocare tra loro, come si vede in questa immagine, dove gli alberi dipinti con cura sono circondati da strisce leggermente stratificate di rosa, bianco e verde. Queste transizioni di vernice acquosa suggeriscono le proprietà fredde e scivolose del ghiaccio e della neve che permeano l'immagine e le conferiscono una pericolosa ambiguità, aumentando la paura dei piccoli sciatori alle prese con l'infido terreno ripido che li circonda.

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