Qual è il segreto di uno dei dipinti più misteriosi di Remedios Varo, che ha stabilito un record mondiale all'asta

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

"Harmony" è una delle opere più misteriose e misteriose create da Remedios Varo. Quest'opera d'arte è così controversa che molti esperti stanno ancora cercando di svelarne il segreto. E non stupisce che il dipinto messo all'asta sia stato venduto per oltre sei milioni di dollari, stabilendo così un nuovo record mondiale.

Remedios Varo Uranga è uno dei pittori parasurrealisti più famosi al mondo del XX secolo. È nata nel 1908 nella piccola città di Angles nella provincia di Girona in Spagna. La sua arte unica era il risultato dell'educazione e della lotta per la vita, della socializzazione nel mondo dell'arte e della filosofia, nonché parte della sua straordinaria immaginazione.

Suo padre, Rodrigo Varo, era un intellettuale che ha aiutato Remedios a sviluppare la sua carriera artistica fin dalla tenera età. In tenera età, Rodrigo ha aiutato sua figlia a sviluppare abilità nel disegno tecnico. Ha anche incoraggiato la ragazza a diventare una pensatrice indipendente. Introdusse sua figlia alla scienza e alla narrativa, acquistandole libri di avventura e di scienza, e incoraggiò anche il primo pensiero filosofico della figlia, che si sviluppò oltre i suoi anni.

Sua madre, Ignatia Uranga, era una cattolica devota ed era determinata a mandare sua figlia in una scuola del monastero. Fu per questo che il futuro artista sviluppò un atteggiamento critico nei confronti della religione e si oppose all'ideologia religiosa. Ma alla fine Reme abbracciò ideali universalisti e liberali.

Da bambina, la ragazza e la sua famiglia si spostavano spesso da un luogo all'altro: da Cadice a Laras, in Marocco ea Madrid. Questi trasferimenti l'hanno introdotta a culture diverse e hanno ampliato la sua visione del mondo, che si è successivamente riflessa nel suo lavoro.

Nel 1923, mentre studiava a Madrid, Reme realizzò la sua prima opera d'arte: dipinse se stessa, così come tutta la sua famiglia.

Nel 1924 divenne studentessa all'Accademia di Belle Arti di San Fernando, diplomandosi sei anni dopo con il diploma di insegnante di disegno. Fu in questa accademia che fu introdotta al surrealismo, un movimento culturale e una filosofia che incoraggiava la cattura della reale funzionalità del pensiero umano senza il controllo della ragione e della moralità. Era per quei tempi che le opere d'arte surreali venivano usate per esprimere il movimento filosofico.

Con lo scoppio della guerra civile spagnola, fu costretta a lasciare il paese e fuggire a Parigi e poi a Barcellona. Fu a Parigi che fu ulteriormente influenzata dal movimento surrealista.

L'arte di Reme è stata anche influenzata dal suo primo e secondo marito. Il suo primo marito, Gerardo Lizarraga, era un rinomato pittore, e il secondo, Benjamin Pere, era un poeta surrealista. A Barcellona, dove ha conosciuto il suo secondo marito, ha fatto parte del gruppo artistico Logicophobiste, grazie al quale è riuscita a frenare la sua immaginazione e a tradurla in arte. In seguito tornò a Parigi, ma fu costretta a fuggire dopo essere stata arrestata durante l'occupazione nazista della Francia.

Si trasferì in Messico nel 1941, e fu lì che l'artista decise di intraprendere un viaggio sconosciuto e bellissimo nella sua immaginazione.

Nel nuovo posto, è stata ispirata da creatori e geni locali, come Diego Rivera, nonché esuli ed espatriati, ad esempio Jean Nicollo e Walter Grün. Grün, una vittima austriaca dei campi di concentramento in Europa, fu di grande ispirazione per il futuro famoso artista. La incoraggiò a lavorare sulla sua arte e nel 1949 lo stile di Remedios era maturato. Delle sue centoquaranta opere d'arte, centodieci sono nate in Messico.

Reme non era solo un surrealista, ma anche un anarchico. Credeva che lo stato fosse un male inutile che si oppone al comportamento delle relazioni umane. Le sue riflessioni filosofiche sullo stato potrebbero essere state il risultato della sua esperienza di vita in Europa. Questa filosofia si riflette nel suo stile artistico isolazionista.

Il femminismo è stata un'altra scuola di pensiero che ha influenzato lo stile artistico dell'artista. Durante il suo periodo come pittrice surrealista, i surrealisti maschi non vedevano le loro controparti femminili come talentuose. Questo ha creato un ambiente in cui le donne artiste erano isolate. I talenti incompresi delle donne si riflettono nel suo lavoro sotto forma di immagini di donne tristi in luoghi isolati e chiusi. Ecco come reagì all'ingiustizia delle donne nel mondo dell'arte dell'epoca.

Lo stile artistico di Varo era unico; altri lo hanno descritto come inquietante. Ha catturato la sorpresa nella sua arte, così come le giustapposizioni inaspettate. Il suo stile surreale unico è diventato un segno distintivo, perché le principali eroine delle sue opere erano donne del XX secolo. Ha interpretato misteriosi personaggi solitari e mistici coinvolti in attività scientifiche. Ciò era in gran parte dovuto alla clemenza scientifica di suo padre in tenera età. Varo ha usato l'immaginazione e il concetto di magia nella sua arte, così come i simboli androgini che imitano le sue caratteristiche fisiche, come occhi grandi, naso aquilino e volti a forma di cuore, si trovano spesso nella sua arte e assomigliano ai suoi lineamenti facciali.

L'arte utilizzava anche personaggi autobiografici che sembravano essere trattenuti da forze sconosciute. È stata una reazione all'emarginazione delle donne nel mondo dell'arte, poiché ha esposto il complesso di superiorità maschile surrealista maschile. Ciò che si trova spesso anche nel suo lavoro è l'uso di creature mitiche, alchimia, vortici nebbiosi e veicoli utopici che possono attraversare terra, aria e acqua con vele, ingranaggi e trasmissioni sensibili a energie superiori. L'atteggiamento insolito della sua arte riflette passività, contemplazione, instabilità e simbolismo. Coloro che osservano abbastanza da vicino le sue opere possono cogliere e apprezzare questa straordinaria immaginazione.

Ma, forse, una delle opere più straordinarie dell'artista è un dipinto chiamato "Harmony". Questo pezzo mostra come l'inconscio sia fondamentale per la creazione dell'arte e per l'integrità della coscienza umana.

La prima cosa che attira l'attenzione dello spettatore è la figura dell'androgino alchimista-compositore.

Tira fuori vari oggetti dalla cassa: foglie, fiori, conchiglie, forme geometriche trasparenti e pezzi di carta con numeri matematici scritti a mano, che infila su uno spartito musicale stereoscopico. L'espressione sul volto del compositore suggerisce che è distratto, come se fosse mezzo addormentato. Questo stato d'animo semiaddormentato ha permesso a una figura femminile di emergere dalla carta da parati, che, inosservata dal compositore, aiuta a distribuire e regolare gli oggetti sulla partitura musicale.

Nelle sue opere, Varo ha più volte utilizzato il motivo di una figura umana soprannaturale che emerge dalle pareti per esprimere la sorpresa di una rivelazione improvvisa o di una svolta verso la soppressione onnipresente, ad esempio nel Rinascimento, Una visita al passato, L'apparizione della luce e Antenati (paura).

Ma nel caso di Harmony, la figura dal muro appare con un'aria tranquilla e aggraziata. Chiudendo gli occhi, riempie il vuoto cosciente della mente e migliora la musica, che per Varo è un simbolo frequente di integrità.

L'inconscio è raffigurato come il morbido lavoro della mente, che lavora silenziosamente con la coscienza e quindi completa la sua integrità.

In Harmony, Reme ha visualizzato i molti strati dell'inconscio e la sua intersezione con la coscienza. La composizione dell'immagine inizia con il primo piano, dove il compositore siede con una figura nel muro, e poi gradualmente l'immagine si sposta nelle profondità lontane, dove una figura simile nel muro lavora da sola. Poi lo sguardo va alla libreria sullo sfondo, al letto, alle finestre e al vuoto rosso fuori, e poi di nuovo alla porta attraverso la quale l'uccello vola fuori, e alle piastrelle del pavimento, divaricate da tessuti e piante.

In primo luogo, la figura di sfondo che sale dal muro lavora sull'opera apparentemente interrotta del compositore, rappresentando ancora una volta il funzionamento invisibile dell'inconscio, nonché la credenza di Varo nell'animismo, che si riferisce a certi esseri non umani, siano essi animali, piante, o cose in questione, molte società come aventi caratteristiche che la razionalità tradizionale occidentale o euro-americana associa esclusivamente agli esseri umani, sottolineando la spiritualità di tutti gli oggetti del mondo, anche della carta da parati.

Accanto alla seconda figura a parete c'è una libreria e un letto. Posizionare un letto sopra una libreria può essere visto come un gioco sul rapporto tra conscio e inconscio, dove la civiltà e la conoscenza devono supportare il sonno, la forma più ovvia dell'inconscio.

I doppi lucernari, insieme al letto rosso e curvo, formano l'immagine degli occhi e delle labbra del viso, evidenziati in rosso, che possono essere interpretati come la sensualità inconscia della mente umana.

Sul lato destro della stanza c'è una porta verso l'esterno, riempita da un vuoto brunastro, la cui nebbia si insinua nell'ufficio. L'uccello, il cui colore blu-grigiastro si abbina all'interno dello studio, vola via in una nebbia marrone, che simboleggia l'inconscio. Questo vivido contrasto cromatico tra l'interno e l'esterno può essere letto come l'intersezione di diversi livelli di coscienza. La carta da parati grigia dell'esplorazione, che rappresenta un livello dell'inconscio, conduce ulteriormente, a livelli più profondi, rappresentati dall'area esterna marrone. Un altro accenno al gioco di Varo a diversi livelli di coscienza e incoscienza è espresso da una sedia rossa posta nell'angolo più a destra della stanza, con un nido di uccelli che erutta dal suo cuscino sullo schienale.

Anche in questo caso, c'è un netto contrasto tra rossi e grigi. Un nido d'uccello su un cuscino dello schienale strappato infonde un fascino stravagante. La posizione del nido dell'uccello è inaspettata e innaturale, poiché lo schienale di una sedia è difficilmente visibile dove di solito si vede il nido. Ma cosa c'è di più naturale di ciò che l'uccello trova dove è possibile nidificare? Spesso gli animali sistemano comodamente le loro abitazioni in oggetti abbandonati dalle persone. Questa particolare immagine è interessante nel senso che utilizza gli istinti di sopravvivenza degli animali come rappresentazione delle caratteristiche inspiegabili e inevitabili dell'inconscio. La rappresentazione di oggetti che dividono le superfici di una sedia come una sfida al concetto di spazio è un tema ricorrente nell'opera di Varo, provocando un leggero shock nella mente dello spettatore e spingendolo a considerare questa illusione come una rappresentazione dell'inconscio, enfatizzandone la importanza nella formazione di una coscienza umana integrale.

Un'altra visualizzazione dell'esistenza impercettibile dell'inconscio sono pezzi di stoffa grigia, che ricordano quella indossata da una figura sul muro, che strisciano nell'ufficio da sotto le piastrelle, accanto a diversi germogli di piante. L'immagine di piante rampicanti e tessuti che invadono silenziosamente lo spazio della coscienza può essere snervante e inquietante, perché crea una sensazione di coscienza invisibile e incontrollabile che incombe sulla parte conscia della mente. Il ruolo della pianta invadente è parallelo alla carta da parati che simboleggia l'inconscio. Da un lato, questo è impercettibile per il compositore, che è completamente concentrato sulla sua coscienza e rimane al di fuori del focus principale dell'intero quadro, e dall'altro, dimostra la sua esistenza innegabilmente significativa, silenziosamente affascinando lo spazio.

Non sorprende che quest'opera d'arte enigmatica e davvero mistica sia stata recentemente messa all'asta per oltre $ 6 milioni, più del suo costo stimato originale di $ 3 milioni.

Nel 1963 il mondo dell'arte perde un talento importante con la morte di Remedios. È morta per un attacco di cuore, che molti attribuiscono a sforzi eccessivi. Nonostante la morte di questo grande artista, il suo lavoro è ancora apprezzato in Messico e negli Stati Uniti. Sebbene consideri l'America Latina solo un rifugio temporaneo, è qui che la sua carriera è fiorita, e qui ha respirato l'ultimo respiro. Dopo la sua morte, Grün, che era la sua compagna in Messico, ha lavorato affinché i suoi dipinti vedessero la luce del giorno. Ha comprato molte delle sue opere all'asta dopo la sua morte e le ha donate al Museo di Arte Moderna di Città del Messico nel 1999. Opera d'arte rimasta nella bottega dei Remedios, la natura morta rinascimentale è stata presentata alla madre.

Pertanto, sarebbe giusto dire che la vita di Remedios è stata un'avventura, sia nel viaggio che nell'immaginazione, condivisa da tutto il mondo attraverso l'arte. Chi cerca uno sguardo più da vicino è in grado di comprenderne le linee e il simbolismo. Nonostante non sia qui oggi, Remedios Varo vive ancora della sua arte.

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