Chi Rodin ha davvero creato "The Thinker" o "The Mourner": il vero significato di famose opere d'arte

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Chiunque può facilmente notare che il tema del dolore è molto popolare tra gli artisti. E spesso le persone moderne non conoscono nemmeno la storia dell'origine di alcuni dipinti o sculture e il loro vero significato.

"Ritratto di Venezia Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Sembra che la giovane donna stia dormendo pacificamente. Tuttavia, quando l'artista fiammingo Anthony van Dyck nel 1633 cercò di trasmettere su tela tutta la bellezza aristocratica di Venezia Stanley, Lady Digby, stava in realtà dipingendo un ritratto… di un cadavere di due giorni sdraiato sul letto di morte.

Sconvolto dal dolore nello scoprire che sua moglie era morta improvvisamente di notte, all'età di 33 anni, il marito di Venezia, Sir Kenelm Digby, chiese a Van Dyck, il pittore di corte del re Carlo I, di dipingere la sua defunta moglie davanti ai "chirurghi e coroner". è giunto."

Anthony van Dyck scrisse Venezia, Lady Digby sul letto di morte nel 1633 - due giorni dopo la morte della donna nel sonno

Van Dijk si mise al lavoro, ignorando i terribili cambiamenti che si verificano nel corpo umano dopo la morte. Sul pallido, affascinante collo di Venezia, disegnò una collana di perle, e sull'orlo del lenzuolo sparse petali di rosa. Digby credeva che il dipinto di Van Dyck, che ora si trova alla Dulwich Art Gallery di Londra, fosse il coronamento della creazione dell'artista. Secondo lui, questa "rosa" sembrava "sbiadire" anche a prima vista e avrebbe dovuto simboleggiare la morte di sua moglie.

Nonostante siano passati quasi 400 anni, ci sono ancora voci secondo cui Digby, che non era solo un cortigiano e un diplomatico, ma anche un inventore e un alchimista, abbia causato la morte di sua moglie. Alcuni dicono che diede da bere a Venezia una mistura di sangue di vipera, con la quale sperava di conservarne la bellezza. Altri credono che l'abbia uccisa in un impeto di gelosia - dopotutto, avrebbe detto una volta sulla famigerata licenziosità di Venezia che "un uomo saggio e forte può fare una donna onesta anche da un lavoratore di bordello". È interessante notare che, sebbene sia stata eseguita un'autopsia, i suoi risultati non sono stati conservati.

Tuttavia, Digby si ritrovò devastato dalla morte di Venezia. Scrisse al fratello che il ritratto postumo di Van Dyck “è l'unico compagno costante che ho ora. Sta tutto il giorno davanti alla mia sedia e al mio tavolo… e tutta la notte vicino al letto. Quando il debole chiarore della luna cade su di lui, mi sembra di vederla davvero morta.

In altre parole, secondo la lettera di Digby, il piccolo dipinto ad olio di Van Dyck, di dimensioni inferiori al metro quadrato, è diventato consolazione e conforto per il vedovo addolorato. Se la rosa nell'immagine è davvero l'"emblema" della caducità della vita, l'immagine stessa simboleggia quella che può essere chiamata l'arte della tristezza.

Oltre ai monumenti funerari nelle chiese, che furono installati principalmente in memoria del defunto, il tema del dolore nell'arte occidentale prima dell'era di Van Dyck, nel Medioevo e durante il Rinascimento, di regola, si trovava solo nelle dipinti e sculture dedicati alla tragica storia della morte di Cristo. …

La Pietà di Michelangelo nella Basilica di San Pietro

La splendida Pietà in marmo di Michelangelo nella Basilica di San Pietro è l'unica opera di scultura che abbia mai firmato. Raffigura la Vergine Maria in lutto con il Cristo morto sdraiato in grembo. Questo è forse l'esempio più famoso, ma ce ne sono molti altri. Ad esempio, si può individuare un dipinto di un altro artista dell'Alto Rinascimento e amico di Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Secondo gli esperti della National Gallery, il dipinto (su cui del Piombo lavorò con Michelangelo) "Compianto del Cristo morto" (1512-1516 ca.) è "il primo paesaggio notturno di grandi dimensioni della storia", e il suo cielo illuminato dalla luna si abbina perfettamente all'umore cupo.

La Pietà di Michelangelo nella Basilica di San Pietro è una famosa versione di una delle immagini più comuni nel cattolicesimo: il dolore della Vergine Maria per la morte di suo figlio

Certo, il tema tradizionale del lutto per Cristo è stato ripreso da molti celebri autori della storia dell'arte, da Giotto e Mantegna a Rubens e Rembrandt. Questi sono solo alcuni delle migliaia di artisti che hanno rappresentato questa scena biblica in una forma o nell'altra nel corso dei secoli. In effetti, l'arte del lutto è diventata così onnipresente che a volte le persone dimenticano ciò che stanno guardando. Il curatore della nuova mostra di Rodin al British Museum ha recentemente pubblicato un articolo in cui suggerisce che la famosa scultura francese The Thinker dovrebbe in effetti chiamarsi The Mourner. "Guarda attentamente la mano e il mento", ha detto Ian Jenkins, un'autorità nell'arte greca antica. - Se questa persona stesse pensando a qualcosa, si sarebbe coperto il mento con la mano in un gesto di pensiero. Ma in questa scultura, la mano sostiene il mento. E nell'antica Grecia era un gesto di lutto».

"L'isola dei morti" di Arnold Böcklin

Dipinto ad olio su legno di Arnold Böcklin "L'isola dei morti", 1880. La sua trama è basata sull'antica mitologia greca. Il dipinto ha ispirato l'omonimo film horror di Jacques Tourneur

Se inserisci la parola "dolore" in un motore di ricerca online di qualsiasi museo internazionale, restituirà molti risultati. Ad esempio, nel Regno Unito, una ricerca di questa parola chiave sul sito web della Tate Gallery ha restituito 143 opere d'arte sul tema del dolore e della sofferenza di periodi diversi.

Ad esempio, nel XVIII secolo, gli artisti iniziarono a vedere il dolore e la tristezza attraverso il prisma del dramma shakespeariano. Un argomento preferito era la morte della figlia di Re Lear, Cordelia. Nel diciannovesimo secolo, il dipinto Ophelia (1851-52) di John Everett Millais, straordinariamente dettagliato, per il quale la modella Elizabeth Siddal ha posato per diverse ore al giorno nella vasca da bagno per quattro mesi, è un'espressione visiva del dolore famosa e altamente poetica. Raffigura una nobildonna danese dell'Amleto di Shakespeare che impazzì dal dolore per il padre assassinato e si annegò in un ruscello.

Il pensatore di Rodin

Ian Jenkins del British Museum ritiene che The Thinker di Rodin dovrebbe essere chiamato The Mourner perché la figura ha appoggiato il mento in un pugno chiuso - un chiaro segno che la persona è ritirata e immersa nel proprio dolore.

Il dolore era un argomento molto importante per gli artisti durante l'era vittoriana, quando era popolare una complessa "cultura del lutto". Nel suo Art of Death (1991), lo storico dell'arte Nigel Llewellyn osserva che "un'impressionante cultura visiva della morte" era un segno distintivo del XIX secolo.

"Donna piangente" di Picasso

Nel 20 ° secolo, gli artisti hanno continuato la tradizione dei loro antenati vittoriani per esprimere il dolore nelle loro opere. Forse l'esempio migliore è La donna che piange (1937) di Picasso, che è legato al suo dipinto epico Guernica dello stesso anno, dipinto durante la guerra civile spagnola in risposta al bombardamento aereo tedesco di una città basca. Guernica è considerata da molti la massima espressione del dolore collettivo del XX secolo. Naturalmente, ci sono molti esempi di altri dipinti del XX secolo, il cui tema è legato alla tristezza. Ad esempio, puoi ricordare un piccolo dipinto di Lucian Freud, dipinto da lui nel 1973 - un ritratto di sua madre, rattristato dalla morte di suo marito.

"Trittico" di Francis Bacon

Francis Bacon dipinse nel pannello sinistro del Trittico (agosto 1972) il suo amante George Dyer, morto suicida

Il Trittico di Francis Bacon, anch'esso in mostra oggi alla Tate, è riuscito a toccare il dolore sia personale che pubblico. Uno dei cosiddetti Trittici neri di Bacon è stato dipinto dopo il suicidio del suo amante George Dyer, la cui immagine è visibile nel pannello di sinistra. Il trittico è quindi una testimonianza indimenticabile e personalissima della sofferenza del pittore (che, per inciso, è raffigurato nel pannello di destra).

Naturalmente, due guerre mondiali nel XX secolo non potevano che avere un impatto sull'arte. I critici d'arte sostengono che la guerra ha avuto un profondo effetto sul modo in cui gli artisti hanno rappresentato il dolore, rispetto al 19° secolo. A differenza del lutto vittoriano, in cui le singole famiglie hanno sperimentato il dolore individuale, quasi tutte le famiglie in Europa hanno improvvisamente sofferto.

Monumenti ai caduti

Una conseguenza di ciò è stato uno sforzo ufficiale del governo per "creare una cultura visiva appropriata per il lutto". Le classiche figure funerarie allegoriche così amate dai vittoriani sono passate di moda. Al loro posto c'erano memoriali di guerra che enfatizzavano il comune sacrificio nazionale piuttosto che la perdita di individui.

Il Cenotaph War Memorial vicino a Whitehall, Londra, progettato da Edwin Lutyens, è un esempio archetipico di questo nuovo approccio: invece di figure umane, c'è una bara vuota che può essere associata a qualsiasi soldato. Le famiglie in lutto possono usarlo come simbolo universale.

Taryn Simon ha realizzato l'installazione "Occupation of Loss", alla quale hanno partecipato 21 "professionisti in lutto" di diverse culture

La versatilità del lutto è ancora un tema affrontato dagli artisti contemporanei. All'inizio di quest'anno, la fotografa americana Taryn Simon ha ricevuto ottime recensioni per la sua installazione dal vivo Occupation of Loss, allestita in una sala sotterranea a nord di Londra. Per l'opera, presentata in anteprima a New York nel 2016, Simon ha invitato 21 "professionisti in lutto" da tutto il mondo, tra cui Albania, Azerbaigian, Ecuador, Ghana e Venezuela. Il pubblico poteva ascoltare ognuna di queste donne.