7 capolavori dell'Eremo che vale la pena vedere nel 2020

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Gli scienziati hanno da tempo dimostrato che l'arte ha un effetto benefico sulla salute umana riducendo il livello di ansia e stress nel corpo. Ciò è particolarmente vero per le belle arti e la contemplazione del bello. Pertanto, affinché il 2020 sia pieno di uno stato favorevole del corpo e dello spirito, vale la pena visitare l'Ermitage e vedere le mostre più famose del museo.

"Apostoli Pietro e Paolo" di El Greco

El Greco è uno degli artisti più brillanti e originali. Greco di origine, studiò pittura in Italia nella bottega del grande Tiziano. Apprese la tecnica dell'olio dal suo idolo e si ispirò anche alle tecniche artistiche del manierismo italiano. El Greco si è distinto tra i suoi colleghi per l'originalità dello stile drammaticamente espressivo. Nei suoi ritratti, ha prestato grande attenzione alla caratterizzazione psicologica. In questo dipinto dell'Ermitage, l'artista rappresenta due diversi tipi di persone. A sinistra è l'apostolo Pietro, che per tre volte negò l'esistenza di Cristo. Il suo volto trasmette tristezza e incertezza, mentre i suoi gesti si tingono di pentimento e supplica. L'apostolo Paolo, che, come sapete, era in origine uno zelante persecutore dei cristiani, nell'immagine mostra fervore spirituale nell'affermare la verità. I gesti delle mani che costituiscono il centro compositivo dell'opera esprimono un dialogo che unisce i due apostoli.

Peter dai capelli grigi, avvolto in una veste dorata, inclinò la testa di lato. Nella mano sinistra tiene il suo simbolo: la chiave del Regno dei Cieli. Pavel preme fermamente la mano sinistra sul volume aperto sul tavolo, la mano destra si alza in un gesto di chiarimento quando guarda direttamente lo spettatore. San Pietro e San Paolo compaiono numerose volte nell'opera di El Greco e sono raffigurati con sorprendente coerenza. L'artista mostra sempre Petra con i capelli e la barba grigi, e spesso indossa una veste gialla sopra una tunica blu. Paolo è sempre leggermente calvo, con i capelli scuri e la barba, in una veste rossa sopra abiti blu o verdi.

"Maria Maddalena penitente" di Tiziano

La Maddalena penitente è un ritratto di Santa Maria Maddalena Tiziano del 1531 circa, con la firma 'TITIANUS' sul vaso a sinistra. Secondo la trama, si tratta di una donna dal passato dissoluto, che, secondo il Vangelo (Lc 7,36-50), è venuta a casa di Simone il fariseo per chiedere perdono a Gesù. È una figura femminile ritratta da Tiziano con tratti spessi e concentrati e toni caldi. La palette mette in risalto occhi incredibili intrisi di lacrime di cristallo. I capelli biondo rame che ricoprono la figura sono scritti in modo sorprendente. Il tema della Maddalena penitente, alzando gli occhi al cielo, conquistò grande popolarità in Italia nel XVI secolo tra gli aristocratici, i capi religiosi e la ricca borghesia. La mancanza di vestiti simboleggia il rifiuto della Maddalena dai gioielli, dall'oro e dagli hobby mondani per amore della fede in Cristo. Inoltre, i capelli dorati e la figura complessiva della Maddalena soddisfano i canoni della bellezza rinascimentale.

"Madonna Litta" di Leonardo da Vinci

Il dipinto ha preso il nome dalla nobile famiglia milanese, nella cui collezione è rimasto per gran parte del XIX secolo. Nel 1865, lo zar russo Alessandro II acquistò la tela per l'Ermitage, dove è tuttora esposta. Quest'opera raffigura la Madonna che allatta Gesù Bambino. Notare l'assenza di ghosting in questa immagine. Alcune tele di Leonardo dimostrano questa stessa caratteristica. Le figure sono ambientate in un interno scuro con due aperture ad arco che mostrano una vista del paesaggio montuoso. Un dettaglio interessante: al centro dell'immagine, nella mano sinistra di Cristo, c'è un cardellino, simbolo della passione di Cristo.

Il sentimento della gioia della maternità nel dipinto "Madonna Litta" è rappresentato in modo particolarmente delizioso grazie alla ricchezza dell'immagine stessa di Maria - qui ha trovato la sua espressione matura della bellezza femminile di Leonardo. Il volto dolce e bello della Madonna dona una spiritualità speciale agli occhi socchiusi e ad un lieve sorriso. La composizione del dipinto colpisce per la sua sorprendente chiarezza e perfezione. La Madonna col Bambino era un motivo comune nell'arte cristiana durante il Medioevo e continuò nel Rinascimento.

"Suonatore di liuto" Caravaggio

Il dipinto fu commissionato dal cardinale Francesco del Monte, patrono dell'artista. Caravaggio ha ritratto un giovane affascinato dalla musica: il suo sguardo è pieno di ispirazione, le sue dita si aggrappano alle corde. La figura di un giovane in camicia bianca risalta nettamente su uno sfondo scuro. L'illuminazione laterale dura e le ombre che cadono danno agli oggetti un volume e un peso quasi percettibili. Gli oggetti inseriti nel quadro testimoniano il grande amore dell'artista per il mondo che lo circonda, il suo desiderio di riprodurre fedelmente la natura, di trasmettere la qualità materica di ogni dettaglio. Sul quaderno adagiato davanti all'eroe con un liuto sono scritte le note iniziali del madrigale popolare nel XVI secolo "Lo sai che ti amo".

L'amore come tema di quest'opera è indicato anche da altri oggetti. Ad esempio, il liuto spezzato era una metafora dell'amore che fallisce. Agli albori della creatività, Caravaggio conferiva spesso ai giovani tratti femminili, che però erano tipici dell'arte italiana del tardo Cinquecento. È interessante notare che il musicista del dipinto dell'Ermitage veniva spesso scambiato per una ragazza e la composizione si chiamava "The Lute Player".

"La signora in blu" Thomas Gaunsborough

Una delle migliori opere dell'artista - "The Lady in Blue" - è stata creata da Gainsborough nel pieno dei suoi poteri creativi. La figura di una giovane donna in un abito aperto in tessuto bianco trasparente si staglia dolcemente su uno sfondo scuro. I suoi capelli polverosi sono acconciati in un'acconciatura eccentrica. Grandi riccioli cadono sulle spalle inclinate. La freschezza del viso giovanile è accentuata dalle labbra socchiuse e dagli occhi scuri a mandorla. Con un leggero movimento della mano destra, tiene la sciarpa di seta blu. I toni grigiastri, bluastri, rosati e bianchi qua e là sono esaltati da pennellate luminose, e contribuiscono a trasmettere l'eleganza e la bellezza della modella.

L'audacia delle tecniche pittoriche di Gainsborough ha stupito i suoi contemporanei. Quindi, Reynolds ha notato "strani punti e caratteristiche" nei dipinti di Gainsborough, "che sembrano più probabilmente il risultato del caso che un'intenzione consapevole". È questa tradizione non accademica che è uno dei più grandi successi di Gainsborough. "La signora in blu" è entrata nell'Ermitage nel 1916 dalla collezione di A. 3. Khitrovo per testamento.

Il ritorno del figliol prodigo di Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Questo capolavoro dell'arte biblica conferma ancora una volta lo status di Rembrandt come uno dei migliori pittori di tutti i tempi e il più grande di tutti gli antichi maestri nella rappresentazione di scene bibliche. Il dipinto Il ritorno del figliol prodigo, completato dall'artista negli ultimi anni della sua vita, raffigura una scena della parabola di Luca 15,11-32. Secondo l'eccezionale critico d'arte Kenneth Clarke, la tela è uno dei più grandi dipinti di tutti i tempi. Secondo la trama, il padre, come il patriarca, pone le mani sulle spalle di un penitente rasato e vestito con abiti logori. I suoi occhi sono quasi chiusi. L'atto del perdono diventa benedizione di un sacramento quasi sacramentale.

Questo è un quadro dalla massima spiritualità, libero da ogni aspetto aneddotico, in cui tutti i movimenti e le azioni si sono fermati. La scena precipita nell'oscurità, come un tunnel, da cui brillano pallidi i volti del padre e del figlio maggiore. Le loro vesti rosse danno a questa oscurità un bagliore. Rembrandt ha più volte dipinto sul tema del figliol prodigo, ma in questa monumentale versione a olio è giunto alla sua formulazione più emozionante e - grazie al contrasto tra il figliol prodigo maggiore e quello minore (prodigo) - la formulazione psicologicamente più difficile.

"Danza" di Henri Matisse

"Dance" è una delle opere più famose di Henri Matisse - un'ode alla vita, alla gioia, al rifiuto fisico e un simbolo dell'arte contemporanea. Il pezzo fu commissionato dall'influente collezionista russo Sergei Shchukin nel 1909 per decorare la sua villa. Caratterizzata dalla sua semplicità ed energia, questa orgia artistica ha lasciato un segno indelebile nell'arte del XX secolo. La danza è stata scritta al culmine dell'estetica fauvista e incarna l'emancipazione delle tradizionali tradizioni artistiche occidentali. La scelta estetica di Henri Matisse per questo dipinto causò un vero scandalo nei saloni d'arte nel 1910. Nudità audaci e sfumature ruvide hanno conferito all'immagine un carattere straordinario per quel tempo, che agli occhi di alcuni spettatori sembrava barbarico.

Matisse ha usato solo tre colori per rappresentare questa danza: blu, verde e rosso. In linea con le tradizionali associazioni di colori fauve, queste tre tonalità creano un contrasto intenso. Tuttavia, l'obiettivo di Matisse non era quello di scioccare il pubblico. Al contrario, ha cercato di unire le persone tra loro e con la natura. Come ha detto l'artista, "Ciò che sogno è un'arte equilibrata, pulita e calma che possa evitare problemi o delusioni".