9 capolavori di artisti geniali che hanno ispirato grandi stilisti e creato collezioni uniche

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Nel corso della storia, moda e arte sono andate di pari passo per creare una grande combinazione. Molti stilisti hanno preso in prestito idee dai movimenti artistici per le loro collezioni, il che ha permesso di interpretare la moda come una forma d'arte che serve principalmente ad esprimere idee e visioni. Influenzati da questo, alcuni stilisti di fama internazionale hanno creato collezioni eccezionali basate sui movimenti artistici del XX secolo.

1. Madeleine Vionne

Nata nel centro-nord della Francia nel 1876, Madame Madeleine Vionne era conosciuta come "la dea dello stile e la regina della sartoria". Durante il suo soggiorno a Roma, fu affascinata dall'arte e dalla cultura delle civiltà greca e romana, e si ispirò alle antiche dee e statue. Sulla base di queste opere d'arte, ha plasmato l'estetica del suo stile e ha combinato elementi della scultura e dell'architettura greca per dare una nuova dimensione al corpo femminile. Con la sua abilità nel drappeggiare e negli abiti obliqui, Madeleine ha rivoluzionato la moda moderna. Ha spesso consultato opere d'arte come La vittoria alata di Samotracia per le sue collezioni d'arte.

Colpiscono le somiglianze tra il capolavoro dell'arte ellenistica e la musa di Vionne. Il profondo drappeggio del tessuto nello stile del chitone greco crea strisce verticali di luce che scorrono lungo la figura. La scultura è stata creata in omaggio a Nike, la dea greca della vittoria, ed è ammirata per la sua rappresentazione realistica del movimento. Il drappeggio fluido del design Vionnet ricorda il movimento del tessuto fluttuante che aderisce al corpo di Nike. Gli abiti possono essere come esseri viventi con un'anima, come un corpo. Come la Vittoria Alata di Samotracia, Madeleine ha creato abiti che risvegliano l'essenza umana nascosta nel profondo. Il classicismo, sia una filosofia estetica che una filosofia di design, ha dato a Vionne l'opportunità di trasmettere la sua visione in armonia geometrica.

Era anche affascinata dai movimenti dell'arte contemporanea come il cubismo. Madeleine iniziò a incorporare forme geometriche nelle sue creazioni e adottò un altro metodo per tagliarle chiamato taglio inclinato. Ovviamente Vionne non ha mai affermato di aver inventato il taglio obliquo, ma ne ha solo ampliato l'uso. Mentre le donne facevano grandi progressi nella lotta per i loro diritti all'inizio del ventesimo secolo, Madeleine difese la loro libertà abolendo il corsetto vittoriano di lunga durata dall'abbigliamento quotidiano delle donne. Pertanto, è diventata un simbolo della liberazione delle donne dalla costrizione del bustier e ha invece rilasciato nuovi tessuti più leggeri che scorrevano letteralmente sui corpi delle donne.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli è il capo stilista di Valentino ed è molto attratto dalle opere religiose del Medioevo. Il punto di partenza di ispirazione per lui è il momento di transizione dal Medioevo al Rinascimento settentrionale. Ha collaborato con Zandra Rhodes e insieme hanno sviluppato una collezione di ispirazione nella primavera 2017. Piccioli voleva collegare la cultura punk della fine degli anni '70 con l'umanesimo e l'arte medievale, quindi è tornato alle sue radici e al Rinascimento, trovando ispirazione nel dipinto di Hieronymus Bosch Il giardino delle delizie.

Il famoso pittore olandese fu uno dei rappresentanti più importanti del Rinascimento settentrionale nel XVI secolo. Nel "Giardino delle delizie", che Bosch dipinse prima della Riforma, l'artista voleva rappresentare il Paradiso e la creazione dell'umanità, la prima tentazione di Adamo ed Eva, così come l'Inferno, anticipando i peccatori. Nel riquadro centrale, le persone sembrano soddisfare i propri appetiti in un mondo di piacere. L'iconografia di Bosch si distingue per originalità e sensualità. L'intera immagine è interpretata come un'allegoria del peccato.

Nel mondo della moda, il dipinto ha guadagnato popolarità poiché vari stilisti sono rimasti affascinati dai suoi motivi. Mescolando epoche ed estetica, Piccioli ha reinterpretato i simboli di Bosch con abiti trasparenti volanti, mentre Rhodes ha creato stampe romantiche e motivi ricamati leggermente simili all'opera d'arte originale. I colori erano sicuramente parte del messaggio che i designer volevano trasmettere. Così, la collezione di abiti volanti da sogno si basa sulla tavolozza dei colori nordici delle uova di pettirosso verde mela, rosa pallido e blu.

3. Dolce e Gabbana

Peter Paul Rubens dipinse magistralmente le donne con amore, apprendimento e diligenza. Ha presentato la sua "Venere davanti allo specchio" come il simbolo supremo della bellezza. Peter ha ritratto esclusivamente il suo viso chiaro e i capelli biondi, che contrastano con la cameriera dalla pelle scura. Lo specchio è un simbolo assoluto di bellezza, che incornicia una donna come un ritratto, e allo stesso tempo sottolinea sottilmente la nudità della figura. Lo specchio che Cupido tiene per la dea mostra il riflesso di Venere come rappresentazione dell'attrazione e del desiderio erotici. Rubens, uno dei fondatori dell'arte barocca, e il suo concetto di "colori sulle linee" hanno influenzato diversi stilisti, tra cui Dolce & Gabbana. Lo stile barocco deviò dallo spirito del Rinascimento, abbandonò la serenità e l'eleganza e cercò invece eleganza, eccitazione e movimento.

Gli stilisti Domenico Dolce e Stefano Gabbana hanno voluto creare una campagna che celebrasse il lato sensuale e romantico della bellezza femminile. Peter Paul Rubens era la fonte di ispirazione più adatta. Le creazioni del duo cult erano in grande sintonia con l'arte dell'artista fiammingo. In questa collezione, le modelle posano con grande nobiltà, come se fossero appena scese da un quadro di Rubens. Le decorazioni sono state progettate per assomigliare a specchi barocchi e dettagli ricamati. La grazia delle figure e la tavolozza dei colori pastello sono state magnificamente enfatizzate dall'abito rosa broccato. La scelta degli stilisti di includere una varietà di modelli ha ulteriormente contribuito al tipo di corpo di quell'epoca. Le linee sinuose usate da Dolce e Gabbana andavano contro la discriminazione dei diversi tipi di corpo nell'industria della moda.

La collezione Autunno 2012 Donna Dolce e Gabbana mette in mostra molte delle caratteristiche dell'architettura barocca italiana. Questa collezione si abbina perfettamente alle caratteristiche riccamente decorate dello stile barocco siciliano. I progettisti si sono concentrati sull'architettura barocca, come si vede nelle chiese cattoliche della Sicilia. Il punto di riferimento era il dipinto di Rubens "Ritratto di Anna d'Austria". Nel suo ritratto reale, Anna d'Austria è raffigurata alla maniera spagnola. L'abito nero di Anna è decorato con strisce verticali di ricami verdi e dettagli dorati. Abiti e mantelle dal design artistico realizzati con tessuti lussuosi come pizzi e broccati sono diventati la caratteristica principale dello spettacolo di Dolce e Gabbana, che ha conquistato il mondo con la loro creatività.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga può essere definito un vero maestro che ha riformato la moda femminile nel XX secolo. Nato in un piccolo villaggio in Spagna, ha portato l'essenza della storia dell'arte spagnola nei suoi progetti contemporanei. Durante la sua carriera, Balenciaga è stato colpito dal Rinascimento spagnolo. Ha spesso cercato ispirazione dalla famiglia reale spagnola e dai membri del clero. Lo stilista ha trasformato gli oggetti da chiesa e gli abiti monastici dell'epoca in capolavori di moda da indossare.

Una delle sue grandi ispirazioni fu il manierista El Greco, noto anche come Dominikos Theotokopoulos. Guardando il cardinale El Greco Fernando Niño de Guevara, puoi vedere le somiglianze tra il mantello del cardinale e il design di Balenciaga. Il dipinto raffigura il cardinale spagnolo Fernando Niño de Guevara del tempo di El Greco a Toledo. Le idee di El Greco sono state prese in prestito dal neoplatonismo del Rinascimento italiano e in questo ritratto presenta il cardinale come un simbolo della grazia di Dio. Il manierismo è presente in tutto il quadro. Ciò è evidente in una figura allungata con una piccola testa, arti aggraziati ma bizzarri, colori intensi e un rifiuto delle misure e delle proporzioni classiche.

La passione di Balenciaga per l'abbigliamento storico è evidente in questo stravagante cappotto da sera della sua collezione del 1954. Aveva la visione e la capacità di inventare forme nella moda moderna. Il collo esagerato di questo cappotto riecheggia lo stile ampio di un mantello cardinalizio. Il colore rosso delle vesti del cardinale simboleggia il sangue e la sua disponibilità a morire per la fede. Il rosso vibrante è stato considerato dal famoso designer come straordinario, poiché spesso preferiva combinazioni di colori audaci e tonalità vivaci. La sua grande innovazione è stata l'eliminazione del punto vita e l'introduzione di linee fluide, tagli semplici e maniche a tre quarti. In questo modo, Balenciaga ha rivoluzionato la moda femminile.

Il designer ha anche introdotto maniche lunghe fino a un braccialetto che hanno permesso alle donne di mostrare i loro gioielli. Negli anni '60, con la graduale introduzione delle donne nel mondo del lavoro, Balenciaga ebbe l'idea di dare comfort, libertà e funzionalità alle donne che vestiva. Ha promosso abiti larghi e comodi che contrastavano con le silhouette aderenti del giorno.

5. Alexander McQueen

Artista austriaco, maestro del simbolismo e fondatore del movimento di secessione viennese, Gustav Klimt ha posto le basi per la storia dell'arte del XX secolo. I suoi dipinti e l'estetica artistica hanno a lungo ispirato gli stilisti. Altri come Aquilano Rimondi, L'Rene Scott e Christian Dior, lo stilista che faceva direttamente riferimento a Klimt era Alexander McQueen. Nella collezione Resort Primavera/Estate 2013, ha disegnato pezzi unici che sembrano ispirarsi al lavoro dell'artista. Guardando un vestito nero fluente con un motivo dorato ripetuto sulla parte superiore, può venire in mente un'immagine specifica. McQueen ha utilizzato disegni astratti, geometrici e a mosaico nei toni del bronzo e dell'oro, incorporandoli nei suoi disegni.

Nel 1905, Gustav Klimt dipinse il dipinto "L'abbraccio", raffigurante una coppia colta in un dolce abbraccio, che divenne un simbolo d'amore. L'artista austriaco è noto per i suoi dipinti in oro, nonché per la perfetta combinazione di astrazione e colore presente in queste opere. Tutti i mosaici hanno ricchi toni dorati con abbellimenti caleidoscopici o naturali che hanno avuto una grande influenza sulla moda. Questo dipinto colpisce per le forme geometriche contrastanti tra gli abiti dei due amanti. L'abbigliamento maschile è composto da quadrati neri, bianchi e grigi, mentre l'abito femminile è decorato con cerchi ovali e motivi floreali. Così, Klimt illustra magistralmente la differenza tra mascolinità e femminilità. Alexander ha adottato qualcosa di simile per i suoi vestiti.

6. Christian Dior

Fondatore dell'impressionismo e uno dei più grandi pittori francesi della storia dell'arte, Claude Monet ha lasciato una grande eredità artistica. Usando la sua casa e il suo giardino a Giverny come ispirazione, Monet ha catturato il paesaggio naturale nei suoi dipinti. In particolare, nel dipinto "Il giardino dell'artista a Giverny" è riuscito a manipolare il paesaggio naturale secondo le sue esigenze. Il contrasto della pista sterrata marrone con il colore vibrante dei fiori completa la scena. Il famoso impressionista sceglieva spesso il fiore dell'iris per il suo colore viola per creare l'effetto di un sole splendente. Questo dipinto è pieno di vita mentre i fiori sbocciano e salutano, abbracciando la primavera. Petali di rosa e lilla, iris e gelsomino fanno parte di un paradiso colorato raffigurato su tela bianca.

Allo stesso modo, Christian Dior, un pioniere della moda francese, ha lasciato un segno enorme nel mondo della moda che si sente ancora oggi. Nel 1949 disegna una collezione di haute couture per la stagione primavera/estate. Uno dei pezzi forti di questa mostra è stato l'iconico abito Dior, completamente ricamato con petali di fiori in varie tonalità di rosa e viola. Dior ha illustrato perfettamente i due mondi dell'arte e della moda e ha imitato l'estetica di Monet in questo abito funzionale. Trascorse molto tempo in campagna, dipingendo le sue collezioni nel suo giardino a Granville, come fece Monet. Così, ha definito l'elegante stile Dior incorporando la tavolozza dei colori e i motivi floreali di Monet nelle sue creazioni.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian è stato uno dei primi artisti a creare arte astratta nel XX secolo. Nato nei Paesi Bassi nel 1872, fondò un intero movimento artistico chiamato De Stijl. L'obiettivo del movimento era quello di unire l'arte contemporanea e la vita. Questo stile, noto anche come neoplasticismo, era una forma di arte astratta in cui l'uso di soli principi geometrici e colori primari come rosso, blu e giallo era combinato con neutri (nero, grigio e bianco). Lo stile innovativo di Pete dei primi anni del 1900 ha costretto gli stilisti a riprodurre questo puro tipo di arte astratta. Il miglior esempio di questo stile di pittura è Composizione con i colori rosso, blu e giallo.

Amante dell'arte, lo stilista francese Yves Saint Laurent ha incorporato i dipinti di Mondrian nelle sue creazioni di haute couture. È stato ispirato per la prima volta dal lavoro di Pete quando ha letto un libro sulla vita dell'artista che sua madre gli ha regalato per Natale. Il designer ha espresso il suo apprezzamento per l'artista nella sua collezione autunnale del 1965, conosciuta come la collezione Mondrian. Ispirato dalle linee geometriche e dai colori audaci dell'artista, ha presentato sei abiti da cocktail che celebravano il suo stile iconico e l'era degli anni Sessanta in generale. Ciascuno degli abiti di Mondrian era leggermente diverso, ma tutti condividevano una semplice forma a trapezio e una lunghezza al ginocchio senza maniche che era perfetta per ogni tipo di corpo.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, nata nel 1890 da una famiglia aristocratica romana, esprime presto il suo amore per il mondo della moda. Inizia a sviluppare il suo stile rivoluzionario, ispirato al futurismo, al dadaismo e al surrealismo. Con il progredire della sua carriera, ha interagito con famosi surrealisti e dadaisti come Salvador Dalì, Man Ray, Marcel Duchamp e Jean Cocteau. Ha anche collaborato con l'artista spagnolo Salvador Dalì.

Una delle più grandi collaborazioni nella storia della moda è stata quella tra Dalì ed Elsa Schiaparelli. Questo vestito è stato creato con Salvador Dalì come parte della collezione circense di Schiaparelli nell'estate del 1938. L'abito si rifà al dipinto di Dalì, in cui raffigurava donne con proporzioni corporee distorte.

Per gli artisti surrealisti, la ricerca della donna ideale era destinata al fallimento, poiché l'ideale esisteva solo nella loro immaginazione, non nella realtà. Tuttavia, non era intenzione di Dali ritrarre le donne in modo realistico, quindi i loro corpi non sono affatto estetici. Schiaparelli ha voluto sperimentare questo gioco di nascondere e svelare il corpo, creando l'illusione della vulnerabilità e dell'insicurezza. L'abito con l'illusione di lacrime è stato realizzato in crepe di seta azzurra, rendendo omaggio a Salvador e alle sue donne sproporzionate.

9. Gianni Versace

L'era della Pop Art è stata probabilmente il periodo più influente per gli stilisti e gli artisti nella storia dell'arte. Andy Warhol ha aperto la strada alla fusione tra cultura pop e alta moda, rendendolo un simbolo iconico del movimento pop art. Negli anni Sessanta, Warhol iniziò a praticare la sua tecnica distintiva nota come serigrafia.

Una delle sue prime e senza dubbio le sue opere più famose fu il Marilyn Dittico. Per questo pezzo, ha tratto ispirazione non solo dalla cultura pop, ma anche dalla storia dell'arte e dagli artisti espressionisti astratti. Andy ha catturato i due mondi di Marilyn Monroe, la vita sociale di una star di Hollywood e la tragica realtà di Norma Jeane, una donna che ha lottato con la depressione e la dipendenza. Il dittico intensifica la vibrazione a sinistra, mentre a destra scompare nell'oscurità e nell'oscurità. Nel tentativo di rappresentare una società dei consumi e il materialismo, ritrasse gli individui come prodotti piuttosto che come persone.

Lo stilista italiano Gianni Versace aveva un'amicizia di lunga data con Andy Warhol. Entrambi gli uomini erano affascinati dalla cultura popolare. Per onorare Warhol, Versace gli ha dedicato la sua collezione Primavera/Estate 1991. Uno degli abiti presentava stampe di Warhol con Marilyn Monroe. Ha incorporato i vivaci ritratti in seta di Marilyn e James Dean degli anni '60 in gonne e vestiti lunghi.

E in continuazione sul tema della moda, della bellezza e delle idee straordinarie, leggi anche come gli artisti moderni hanno trasformato il trucco in una vera opera d'arte.