Quello che all'epoca divenne famoso per Caravaggio, Rembrandt, Velazquez e altri artisti barocchi

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

La storia della pittura ha molti secoli, così come stili, forme e direzioni. Tuttavia, il più famoso e popolare di questi era e rimane il barocco. Pittori e creatori di quest'epoca hanno stupito con le loro idee innovative, hanno creato nuove direzioni e hanno lavorato in stili interessanti e unici. Chi sono loro, i migliori rappresentanti di questa epoca nel mondo dell'arte, e cosa si sa di loro?

1. Caravaggio

Forse non impareremo mai completamente il segreto dei dipinti più belli dell'era barocca, ma uno sguardo alla storia di Caravaggio rivela alcuni dei suoi segreti. La sua vita è stata tragica fino all'impossibilità. Rimase orfano presto, avendo perso la maggior parte della sua famiglia all'età di dieci anni durante un'epidemia di peste. E dopo aver assistito alla brutale esecuzione di una giovane nobildonna nel 1599, iniziò a dipingere donne vendicative che tagliavano la testa agli uomini.

Michelangelo divenne il pittore più famoso di Roma nel 1600 e diede vita allo stile barocco e alla tecnica del chiaroscuro. Ma, quando non scriveva, si circondava di ladri, ragazze di facili costumi, ubriachezze, feste e risse.

Non occorre essere esperti di simboli e codici dell'arte rinascimentale per notare la violenza nei dipinti di Caravaggio. Potrebbe detenere il record per il numero di teste mozzate e il suo lavoro religioso ha suscitato l'ira della Chiesa cattolica perché ha usato il confuso come modello per la Vergine Maria.

Caravaggio sapeva di essere un artista straordinario e non esitò a criticare i suoi rivali. Il suo contemporaneo Giovanni Baglione disse:.

Intorno al 1600 a Roma, la Chiesa cattolica era la più importante fonte di mecenatismo per artisti come Caravaggio. Non ha esitato a spingere i confini dell'arte, anche se ha offeso i sentimenti della Chiesa. Una delle mosse più controverse dell'artista fu l'utilizzo di modelli provenienti dalle fasce più povere della popolazione romana, tra cui ladri, vagabondi e prostitute.

Nel 1601 Michelangelo perse l'ordine di realizzare l'immagine della Vergine Maria per la Chiesa di Santa Maria della Scala a Roma poiché utilizzò il famoso confuso come modello per l'immagine della Madonna. Ma il dipinto, che ha scioccato i cattolici di Roma, ha trovato il favore fuori dall'Italia. Successivamente fu acquistato dal re inglese Carlo I, per poi entrare nella collezione reale francese.

I suoi dipinti religiosi audaci e schietti erano altamente desiderabili, ma anche significativamente diversi dai precedenti stili di raffigurazione dei santi. Ha goduto della crudeltà del martirio dipingendo diverse scene di crocifissione. Ad alcuni non è piaciuto il modo in cui l'artista ha ritratto i santi alla luce naturale e umana. Altri consideravano il suo lavoro malvagio e volgare.

E quando nel 1606 Caravaggio uccise un uomo, fu costretto a fuggire da Roma. Il papa gli impose una condanna a morte e Caravaggio morì quattro anni dopo senza ricevere il perdono papale.

2. Rembrandt

Rembrandt fu il più grande pittore olandese del suo tempo e una delle figure più importanti dell'arte europea. I numerosi autoritratti che ha dipinto nel corso della sua vita sono una sorta di autobiografia visiva.

Nacque il 15 luglio 1606 a Leida, figlio di un proprietario di un mulino. Nel 1621 iniziò i suoi studi con un artista locale, e nel 1624-1625 fu ad Amsterdam, studiando con Peter Lastman, che aveva visitato l'Italia e ora introdusse il giovane artista alle tendenze internazionali.

Per tutta la vita ha cercato se stesso, provando ogni volta nuove tecniche e stili. La sua carriera stava andando rapidamente in salita, poi si trasformò in tartare, lasciandosi dietro una serie di problemi e guai, tra cui il fallimento con confisca dei beni. Ma nonostante la striscia nera nella vita, ha continuato a ricevere ordini. Rembrandt era interessato al disegno e all'incisione, oltre che alla pittura, e le sue stampe erano famose in tutto il mondo durante la sua vita.

Durante la sua carriera, ha attratto studenti che sono stati anche suoi assistenti. Il loro lavoro era a volte molto difficile da distinguere dal lavoro dello stesso Rembrandt, poiché tutti lo imitavano completamente.

3. Bernini

Bernini ha dominato il mondo dell'arte romana del XVII secolo, fiorendo sotto il patrocinio dei suoi cardinali e papi e sfidando le moderne tradizioni artistiche. I suoi progetti scultorei e architettonici rivelano un'interpretazione innovativa delle trame, l'uso delle forme e la combinazione dei media. Aprendo la strada ai futuri artisti, fu determinante nella creazione di un vocabolario drammatico ed eloquente dello stile barocco.

Uno dei suoi capolavori, Estasi di Santa Teresa (realizzato in marmo policromo), è una figura mistica fisicamente scossa da una visione miracolosa. Chiamato in Francia dal re Luigi XIV per lavorare al Palazzo del Louvre, Bernini lasciò Roma per un breve periodo. Sebbene i suoi progetti architettonici siano stati respinti, ha comunque completato il busto di Luigi XIV (Chateau, Versailles), una maestosa rappresentazione di un monarca in un costume drammaticamente svolazzante, e tornò a casa.

Sotto Papa Urbano VIII, Bernini ricevette la prima di numerose commissioni per la Basilica di San Pietro: un enorme baldacchino in marmo, bronzo e dorato che si ergeva sopra l'altare papale. Di lì a poco si dedicò alla realizzazione del monumento a Urbano VIII, opera che determinò l'iconografia dei futuri monumenti funerari pontifici.

Nelle ultime opere di Pietro il Grande, collocate in un'abside a circondare l'antico Trono ritenuto appartenuto a San Pietro, la luce naturale è amplificata da raggi dorati sparsi, creando un'ambientazione divina, e il pezzo sacro cattura immediatamente l'attenzione dello spettatore. L'ultimo lavoro del Bernini per la Chiesa di San Pietro, iniziato sotto papa Alessandro VII, fu il progetto di una gigantesca piazza che conducesse alla chiesa. Egli stesso paragonò lo spazio ovale, delineato da due colonnati autoportanti, a una chiesa madre che tendeva le braccia per abbracciare i credenti.

Dimostrò anche la sua abilità di architetto nella chiesa di Sant'Andrea Al Quirinale, e le sue capacità ingegneristiche lo aiutarono a creare le fontane.

4. Velazquez

L'opera di Velázquez è ampiamente considerata come la rappresentazione più perfetta del barocco spagnolo. Laddove l'enfasi si sposta dalle caratteristiche rinascimentali della luce brillante e da una prospettiva matematica, il barocco privilegia l'essenza dell'umanità, mostrando le cose come dovrebbero essere viste. Lo sviluppo del chiaroscuro ha fatto sì che l'ombra diventasse importante quanto la luce, in cui le cose possono essere nascosto. o evidenziato, contrastato o ostentato. Questo effetto è stato spesso utilizzato da Velazquez.

La sua prima formazione come allievo di Pacheco gli diede un fondamento nel realismo italiano, che divenne la caratteristica principale della sua arte. Man mano che il suo stile artistico è diventato più autosufficiente, si è orientato maggiormente verso una visione naturalistica delle cose, ad esempio, in "Epifania" ricrea questa famosa scena con i membri della sua stessa famiglia rispetto alla tradizionale Maria e Gesù. Questo serve a universalizzare la scena, rendendola rilevante per ogni famiglia.

Durante i viaggi di Velazquez in Italia, fu fortemente influenzato dai grandi maestri di Venezia, e questo era particolarmente evidente nel suo uso del colore. I famosi "Maids of Honor" e "Surrender of Delirium" ne sono un buon esempio. Quest'ultimo dipinto finì nella sala del trono del re Filippo IV, dove furono celebrate le sue vittorie militari. Il quadro è così toccante che Velazquez si è concentrato sul sentimento umano, piuttosto che sullo spargimento di sangue e sull'aggressività della guerra. Il volto del comandante spagnolo Spinola trabocca di compassione mentre il Forte olandese si arrende alla fine dopo un assedio di quattro mesi.

Ha incluso se stesso in molti dei suoi dipinti, specialmente quelli successivi. Ciò sottolinea l'inestricabile connessione dell'artista con il suo lavoro e suggerisce anche che Velazquez si considerava una figura piuttosto esaltata e non un artista modesto.

Ha lavorato alla corte reale, creando ritratti del re e della sua famiglia, e la sua scelta di dipingere giullari di corte e nani ha contribuito all'ulteriore studio della forma umana. "The Midget Sitting on the Floor" è un buon esempio di come Velazquez abbia dimostrato che tutti sono degni di essere sorteggiati.

5. Rubens

Rubens è nato a Siegen, in Germania, in Westfalia. Suo padre, Jan Rubens, avvocato e consigliere comunale di Anversa, fuggì dai Paesi Bassi spagnoli (moderno Belgio) nel 1568 con sua moglie Maria Pipelinx e quattro figli per evitare la persecuzione religiosa per le sue convinzioni calviniste.

Dopo la morte di Jan nel 1587, la famiglia tornò ad Anversa, dove il giovane Peter Paul, cresciuto nella fede cattolica romana di sua madre, ricevette un'educazione classica. La sua formazione artistica iniziò nel 1591 con un apprendistato presso Tobias Verhecht, parente e paesaggista di modesto talento. Un anno dopo si trasferì nello studio di Adam Van North, dove rimase per quattro anni fino a diventare apprendista del principale artista di Anversa Otto van Veen, decano della Artists Guild of St. Luke.

La maggior parte delle opere giovanili di Rubens sono scomparse o sono rimaste non identificate. Nel 1598 Rubens fu ammesso alla corporazione degli artisti di Anversa. Probabilmente continuò a lavorare nella bottega di Van Veen prima di partire per l'Italia nel maggio 1600. A Venezia assorbì la luminosità e l'espressività drammatica dei capolavori rinascimentali di Tiziano, Tintoretto e Veronese. Ingaggiato da Vincenzo I Gonzaga, duca di Mantova, Rubens si recò a Mantova, dove il suo compito principale era quello di eseguire copie di dipinti rinascimentali, principalmente ritratti di bellezze di corte.

Nell'ottobre dello stesso anno Paolo accompagnò il duca a Firenze per assistere al matrimonio della sorella dei Gonzaga, Maria de' Medici, con il re Enrico IV di Francia, scena che Rubens avrebbe ricreato un quarto di secolo dopo per la regina. Alla fine del primo anno aveva già girato l'Italia con un album da disegno tra le mani. Copie di dipinti rinascimentali da lui realizzati offrono una ricca panoramica delle conquiste dell'arte italiana nel XVI secolo.

Nell'agosto del 1601 Rubens arrivò a Roma. Lì, il nuovo stile barocco proclamato da Annibale Carracci e Caravaggio, Michelangelo e Raffaello fu rapidamente adottato da Rubens. La sua prima grande opera romana riguarda tre grandi dipinti per la cappella della cripta di Sant'Elena nella Basilica di Santa Croce.

Rubens si lamentava di essere l'uomo più impegnato e più stanco del mondo, ma continuava ad assumere importanti incarichi in chiesa. La sua Adorazione dei Magi per l'Abbazia di San Michele è stata coronata da tre sculture monumentali di sua progettazione.

Inoltre, l'artista non ha trascurato mecenati e ordini privati. Ha interpretato magistralmente il suo medico e amico Louis Nonnius, la sua futura nuora Suzanne Fourment e i suoi figli Albert e Nicholas. Il suo paesaggio con Filemone e Bavkid rivela in chiave poetica la sua visione eroica e catastrofica della natura. E l'Infanta Isabella ordinò a Rubens un vasto ciclo di arazzi "Il Trionfo dell'Eucaristia", che è una manifestazione senza precedenti dell'illusionismo barocco.

Che dire, ma l'arte è stata, è e non avrà prezzo da secoli. E non sorprende affatto che il mondo sia pieno di persone disposte a inserire questo o quel dipinto nella loro collezione (il più delle volte con mezzi illegali). Qualcuno commette un crimine per motivi di denaro e qualcuno cerca semplicemente di divertire il proprio orgoglio, scatta le foto da sotto il naso delle guardie, senza lasciare tracce.