Come i dipinti di artisti famosi sono entrati a far parte della moda, dando forma a un nuovo stile del XX secolo

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

I legami tra arte e moda definiscono momenti specifici della storia. Entrambi questi mezzi riflettono i cambiamenti sociali, economici e politici dai ruggenti anni '20 ai vibranti anni '80. Ecco quattro esempi di artisti e stilisti che, attraverso il loro lavoro, hanno contribuito a plasmare una nuova prospettiva sull'arte e la moda del XX secolo.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

L'amicizia tra Roy Halston e Andy Warhol ha definito il mondo artistico. Sia Roy che Andy erano leader che hanno spianato la strada per rendere l'artista/designer una celebrità. Hanno rimosso lo stigma pretenzioso del mondo dell'arte e hanno portato la moda e lo stile alle masse. Warhol ha utilizzato più volte la serigrafia per creare le immagini. Sebbene di certo non abbia inventato il processo, ha rivoluzionato l'idea della produzione di massa.

Roy ha usato tessuti e modelli semplici ed eleganti ma glamour con il suo uso di paillettes, ultras e seta. È stato uno dei primi a rendere accessibile e desiderabile la moda americana. Entrambi hanno lasciato il segno finale sull'arte e sullo stile negli anni '60, '70 e '80, che continua fino ad oggi.

Sia Roy che Andy hanno lavorato insieme a molti progetti diversi. Warhol ha creato campagne pubblicitarie che presentavano l'abbigliamento di Halston e persino lo stesso Halston. A sua volta, Halston ha utilizzato la stampa floreale di Warhol in alcune delle sue collezioni di abbigliamento, dagli abiti da sera ai set per il tempo libero.

Roy ha usato modelli semplici nei suoi vestiti, il che li ha resi di grande successo. Erano comodi da indossare, ma avevano anche un tocco di lusso grazie ai tessuti, ai colori e alle stampe. Warhol ha anche semplificato i suoi materiali e il suo processo. Ciò ha reso più facile riprodurre i suoi lavori e li ha resi più vendibili.

Il successo commerciale ha avuto le sue sfide per entrambi gli artisti. Halston è stato il primo a collaborare con la catena di negozi JCPenney nel 1982 e questo ha influito sulla qualità del suo marchio. Warhol è stato anche accolto con critiche, poiché il suo lavoro è stato percepito come superficiale. Tuttavia, entrambi hanno modernizzato il loro uso di vendita al dettaglio e marketing nei rispettivi spazi per creare marchi per le vendite sul mercato di massa.

Roy e Andy erano frequenti visitatori dello Studio 54. Hanno organizzato feste, progettato e prodotto opere per celebrità come Liza Minnelli, Bianca Jagger ed Elizabeth Taylor. Tutto questo si riflette nel loro lavoro poiché hanno ispirato e definito l'era della discoteca degli anni '70.

Halston era noto per la creazione di abiti da sera scintillanti. Roy ha posato le paillettes orizzontalmente sul tessuto, creando un effetto luccicante del materiale che ha usato per creare outfit lussuosi amati da molte donne glamour.

La Warhol Diamond Dust Shoe Series illustra anche la vita notturna dello Studio 54 e le celebrità che vi abitano. La polvere di diamante è ciò che ha usato su stencil o dipinti, creando un ulteriore elemento di profondità per il pezzo. E le sue scarpe erano originariamente l'idea per la campagna pubblicitaria di Halston. In ogni caso, questi due hanno dato un enorme contributo alla moda, lasciando un segno indelebile dietro di loro. Infatti, ancora oggi, molti designer moderni si ispirano alle idee di Andy e Roy, creando magnifiche collezioni con echi del passato.

2. Sonia Delaunay: Quando l'arte diventa moda

Sonia Delaunay non solo ha rivoluzionato una nuova forma di cubismo, ma ha anche introdotto la connessione tra arte e moda. Sia Delaunay che suo marito furono pionieri dell'orfismo e sperimentarono varie forme di astrazione nell'arte. È stata la prima del suo genere a utilizzare il proprio stile artistico e ad entrare nel mondo della moda utilizzando i suoi originali disegni tessili, stampe o motivi. È più ricordata per la sua arte e il legame con suo marito che per la sua moda. Il suo stile ha avuto un ruolo importante negli anni '20 e il suo catalogo di abbigliamento è ricordato più per le fotografie e i riferimenti alla sua arte che per i capi stessi. Per Sonya c'era e non c'è confine tra arte e moda. Per lei sono la stessa cosa.

Ha iniziato la sua attività di moda negli anni '20, creando abiti per i clienti e disegnando tessuti per produttori. Sonya ha chiamato la sua etichetta Simultaneous ed è andata ancora oltre con l'uso di colori e motivi su vari soggetti. La simultaneità giocava un ruolo importante nel suo lavoro e la sua tecnica insolita ricordava una trapunta patchwork o tessuti dell'Europa orientale: i colori si sovrapponevano l'uno all'altro e i motivi venivano usati per creare armonia e ritmo. I suoi temi comuni includono quadrati/rettangoli, triangoli e linee diagonali o sfere, che si sovrappongono nei suoi vari disegni.

Delaunay era una giovane donna durante l'era edoardiana, quando i corsetti e il conformismo erano la norma. La situazione cambiò negli anni '20, quando le donne iniziarono a indossare gonne sopra il ginocchio e abiti larghi e aderenti. Questo aspetto può essere visto nei disegni di Delaunay e lei era appassionata di creare abiti che si adattassero alle esigenze delle donne. Sonya ha sviluppato costumi da bagno che hanno permesso alle donne di sentirsi più a loro agio, anche quando praticano sport e nuotano. Ha messo le sue stampe su cappotti, scarpe, cappelli e persino auto, usando qualsiasi superficie come una tela. I suoi disegni hanno creato libertà di movimento ed espressione attraverso il colore e la forma.

Durante la sua carriera, si è costantemente cimentata in qualcosa di nuovo e, di conseguenza, si è trasferita al cinema e al teatro. Sonia ha disegnato i costumi per Il piccolo parigino di Rene Le Somptier, mentre suo marito ha realizzato il set del film. Amava le forme geometriche, combinandole e mescolandole abilmente tra loro, creando fantasie bizzarre e linee spezzate che sono diventate il suo segno distintivo.

3. Collaborazione tra Elsa Schiaparelli e Salvador Dali

L'avanguardia dell'arte surreale si unisce al leader della moda surreale. Salvador Dalì e la stilista Elsa Schiaparelli hanno collaborato e si sono ispirati a vicenda durante le loro carriere. Hanno creato look iconici come Lobster Dress, The Shoe Hat e The Tear Dress che hanno scioccato e ispirato il pubblico sia nell'arte che nella moda. Dalì e Schiaparelli hanno aperto la strada a future collaborazioni tra stilisti e artisti, colmando il divario tra quella che è considerata arte da indossare e la moda. Dalì usava le aragoste come tema ricorrente nel suo lavoro ed era interessato alla loro anatomia.

Dress "Omar" è un lavoro congiunto di Elsa e Dalì, e la loro creazione ha causato molte polemiche non solo il giorno del suo debutto, ma anche dopo. Innanzitutto, ha un corpetto trasparente e una gonna di organza bianca. L'abito insolito ha letteralmente fatto esplodere il mondo della moda, causando molte polemiche su questo punto. L'uso del panno bianco contrasta anche con il colore rosso dell'aragosta. Il bianco può essere considerato vergine o simboleggia la purezza rispetto al rosso, che può significare rilassatezza, potere o pericolo.

Gli scheletri sono un altro tema trovato nell'arte surreale e sono stati utilizzati in più collaborazioni tra Dalì e Schiaparelli. L'abito Scheletro è stato il primo del suo genere. Elsa ha utilizzato una tecnica chiamata trapunto, in cui due strati di tessuto vengono cuciti insieme, creando un contorno in cui viene inserita l'imbottitura, creando così un effetto in rilievo. Questa tecnica crea una superficie strutturata su un tessuto piatto, dando l'illusione che le ossa umane sporgano dal vestito. Questo fece scandalo perché l'abito era fatto di un materiale elastico che aderiva alla pelle. Le fantasie dei dipinti e dei disegni di Dalì erano incarnate nel mondo irreale degli abiti di Schiaparelli, che fino ad oggi lasciano un'impressione indelebile sia sugli spettatori che sui designer.

4. Yves Saint Laurent: lo scontro tra arte e ispirazione

Dov'è il confine tra imitazione e apprezzamento? Critici, pubblico, artisti e designer hanno faticato a determinare dove corre questa linea. Tuttavia, quando si trattava di Yves Saint Laurent, le sue intenzioni non erano altro che lusinghe e ammirazione per gli artisti e i dipinti che usava come ispirazione. Guardando il suo vasto portfolio, Saint Laurent è stato ispirato dalle culture e dall'arte di tutto il mondo, che ha incorporato con successo nei suoi vestiti.

Sebbene Yves non abbia mai incontrato gli artisti che lo hanno ispirato, ciò non gli ha impedito di creare opere d'arte in segno di rispetto per loro. Laurent ha tratto ispirazione da artisti come Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque e Picasso. Era un collezionista d'arte e collezionava dipinti di Picasso e Matisse, che appendeva a casa sua.

Yves ha preso alcuni dei motivi artistici e li ha trasformati in splendidi abiti che rendono omaggio ad alcuni dei suoi artisti preferiti. Gli anni '60 furono un periodo di rivoluzione e mercantilismo, una nuova era della moda e dell'arte. I progetti di Saint Laurent hanno avuto successo commerciale quando ha iniziato a trarre ispirazione dalla pop art e dall'astrazione. Nel 1965 crea ventisei abiti ispirati ai quadri astratti di Piet Mondrian. Gli abiti incarnavano l'uso di Mondrian di forme semplicistiche e colori primari audaci. Yves usava una tecnica in cui non erano visibili cuciture tra gli strati di tessuto, il che dava l'impressione che i vestiti fossero un pezzo intero. Saint Laurent ha preso l'arte di Mondrian dagli anni '20 e l'ha resa indossabile rispetto agli anni '60.

Gli abiti alla moda sono esempi classici dello stile degli anni '60. Erano simili agli abiti degli anni '20 che erano meno vincolati e avevano maniche e orli che espongono grandi chiazze di pelle. Le silhouette squadrate di Saint Laurent hanno fatto sentire le donne leggere e libere. Questo lo ha portato anche a ispirarsi ad artisti della pop art come Tom Wesselman e Andy Warhol. Ha creato una linea di design ispirati alla pop art che presentavano sagome e ritagli sui suoi vestiti. Si trattava di superare i limiti di cosa sia l'astrazione nell'arte e la commercializzazione del design. Laurent ha unito queste due idee per creare abiti per le donne che sono liberi e attraenti per le donne moderne.

Le giacche Vincent Van Gogh di Saint Laurent sono un esempio di come Yves abbia combinato l'ispirazione dell'artista con i suoi talenti di design. Come gli altri suoi capi, i temi legati all'artista non sono stati copiati e incollati sugli abiti di Saint Laurent. Invece, ha scelto di usarli come fonte di ispirazione e creare pezzi che riflettono il suo stile. La giacca è un esempio dello stile degli anni '80, che è ricamato con girasoli nello stile pittoresco di Van Gogh.

Laurent ha collaborato con Maison Lesage, leader nel ricamo haute couture. La giacca "Girasoli" è ricamata con perline tubolari. I fiori sono pieni di diverse sfumature di scintillii arancioni e gialli. Questo crea una trama multidimensionale simile alla tecnica di Van Gogh di applicare vernice spessa su tela. Si stima che sia uno degli articoli di haute couture più costosi mai realizzati e venduti da Christie's per quasi quattrocentomila euro. Saint Laurent ha aperto la strada all'indossare l'abbigliamento come un'opera d'arte in sé e per sé, indipendentemente dalla moda e dal periodo.

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