Abiti famosi in pittura, dai quali si può giudicare quale fosse la moda dell'epoca

2024 Autore: Richard Flannagan | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 00:09

Da tempo immemorabile, arte e moda si sono influenzate a vicenda, costringendo critici e fashionisti a seguire da vicino le nuove tendenze che si sostituiscono frettolosamente a vicenda. E mentre alcuni valutavano il quadro in termini di caratteristiche tecniche, altri correvano dai sarti per ottenere presto un abito esattamente come quello delle eroine raffigurate sulle tele.

1. Rinascimento

Il Rinascimento fu un periodo di rinascita culturale e artistica poiché il Classicismo fece un ritorno rivoluzionario nelle società europee. Tuttavia, questo periodo ha visto anche cambiamenti significativi nella moda. Guarda come i famosi abiti nei dipinti hanno influenzato la moda durante il Rinascimento.

"Ritratto della coppia Arnolfini" di Jan van Eyck è uno degli elementi principali dello studio del tessuto nella ritrattistica. L'abito di lana verde smeraldo della donna e le maniche foderate di ermellino dimostrano lo status di famiglia, poiché solo i ricchi potevano permettersi questo tipo di tessuto. Lana, seta, velluto e pelliccia erano rari e più costosi da produrre rispetto al cotone o al lino, ed erano un simbolo di status e ricchezza. Una delle domande più controverse che circondano il dipinto è se la donna raffigurata (presumibilmente la moglie di Arnolfini) sia incinta. Le gonne rinascimentali erano così lussureggianti e pesanti che le donne le sollevavano per renderle più facili da spostare.

Le pieghe sinuose aggiunte del vestito mostrano anche una tendenza a raffigurare donne con una pancia pronunciata, poiché suggeriva di concepire bambini durante il matrimonio. Un altro esempio è Les Très Riches Heures du Duc de Berry dei fratelli Limburg. In entrambe le immagini, le donne sono raffigurate con il ventre più arrotondato. Il Magnifico Libro d'Ore del Duca di Berry raffigura un matrimonio, ed è paragonabile al ritratto di Arnolfini, poiché entrambe le donne proiettano un'immagine della maternità in previsione della gravidanza. Senza guardare il dipinto da una prospettiva moderna, si può vederlo come una testimonianza di ciò che le donne indossavano e di ciò che era importante mostrare agli altri.

2. Il periodo Barocco e Rococò

I periodi barocco e rococò sono caratterizzati da decorazioni squisite, decadenza e giocosità. Queste tendenze si manifestarono non solo nell'arte, ma anche nella moda attraverso intricati ornamenti e abiti lussuosi. Dai un'occhiata ad alcuni dei famosi abiti ispirati all'arte.

L'attenzione per i dettagli e l'abbigliamento di un artista sconosciuto è ciò che rende Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) e Little Mary un'importante testimonianza dei puritani del New England. In questo look, Elizabeth indossa raffinati tessuti e accessori americani del 1600. Il suo colletto di pizzo bianco indica il popolare pizzo europeo trovato tra le donne aristocratiche. Una sottoveste di velluto ricamata in oro è visibile da sotto il suo vestito e nastri adornano le maniche. Inoltre, una donna ha gioielli: una collana di perle, un anello d'oro e un braccialetto di granato, che a sua volta parla di status e prosperità. Questo dipinto offre una prospettiva unica sulla vita puritana di Elisabetta e della sua famiglia.

Vale anche la pena notare che l'artista è riuscito magistralmente a mescolare immagini di ricchezza in un ambiente modesto. Il dipinto mostra chiaramente la ricchezza di Elisabetta, mettendo in evidenza i suoi migliori vestiti e gioielli. Riflette anche la ricchezza di suo marito, John Frick, che poteva permettersi di soddisfare ogni capriccio di sua moglie acquistandole vari tipi di abiti e gioielli. Inoltre, l'immagine simboleggia il loro atteggiamento puritano di gratitudine a Dio, perché senza la sua benedizione non avrebbero potuto avere un tale lusso.

L'altalena di Jean-Honore Fragonard è un esempio dello stile rococò negli ambienti aristocratici francesi. Il dipinto fu commissionato privatamente quando un cortigiano francese chiese all'artista di dipingere il proprio ritratto e quello della sua amante. Nonostante il fatto che il dipinto sia stato tenuto a porte chiuse, rivela il lusso, la frivolezza e la natura segreta della corte reale francese.

L'abito rosa pastello spicca tra il rigoglioso giardino ed è al centro dell'attenzione. Jean ha dipinto l'abito con pennellate larghe che imitano le ampie gonne e il corpetto arruffato del suo vestito. Il suo pennello sciolto corrisponde alla trama di questa scena idilliaca in giardino piena di immagini civettuole e stravaganti.

La sua pittura mette in mostra anche le tendenze stabilite dalla corte francese per la moda. Il rococò ha trasceso la moda, l'arte e l'architettura per creare qualcosa di unicamente francese. La moda rococò includeva i tessuti più lussuosi, tra cui sete color pastello, velluti, pizzi e motivi floreali, oltre a una quantità eccessiva di fiocchi, gemme, fronzoli e abbellimenti ornamentali per creare un look su cui i cortigiani e gli ospiti si sarebbero rannicchiati. hanno la testa. Lo stile definiva la differenza tra poveri e ricchi, poiché l'aristocrazia poteva permettersi il lusso di tessuti e ornamenti squisiti. Per le donne che indossano questi abiti di ispirazione rococò, il dipinto è l'epitome della corte reale francese prima della rivoluzione.

3. Abiti famosi nei dipinti del XIX secolo

Il XIX secolo ha visto un passaggio artistico dal neoclassicismo al primo modernismo, lasciando il posto a stili e scuole di pensiero. Questo secolo ha visto anche un cambiamento nella moda. Continua a leggere per vedere come i dipinti hanno influenzato l'emergere di abiti e stili famosi che erano notevolmente più moderni di prima.

L'arte per l'arte è stata associata a Symphony in White No. 1 di James Abbott McNeill Whistler, che intendeva dare al dipinto un significato spirituale. I critici, tuttavia, non hanno visto tutto questo, poiché il dipinto raffigurava l'amante dell'artista, vestita con un abito bianco chiaro. Di conseguenza, questo ritratto è diventato scandaloso. Durante il 1800, l'abbigliamento femminile includeva spesso una sottoveste di crinolina in acciaio. Le donne indossavano anche corsetti tra una varietà di altri articoli di lingerie per poter creare gonne più larghe.

"La donna in bianco" è l'esatto contrario di ciò che era di moda e di alto profilo in quel momento. L'abito del personaggio principale raffigurato nella foto era una specie di biancheria intima che un marito o un amante potevano vedere, poiché si credeva che tali vestiti fossero molto facili da togliere. Per Whistler, la sua musa ispiratrice doveva essere parte di una scena piacevole alla vista. Ha interpretato Hiffernan come la vedeva, e per gli spettatori dell'epoca, l'immagine era sia confusa che un po' indecente. Tuttavia, con l'avvento del 1900, un tale vestito divenne la norma per l'uso quotidiano.

James Tissot ha creato molti dipinti raffiguranti la moda femminile alla fine del 1800. Era in anticipo sulla moda europea ed è noto per dipingere i suoi soggetti tenendo conto delle ultime tendenze della moda. La moda femminile iniziò a cambiare tra le giovani donne a Parigi e Londra alla fine del 1800. Le gonne larghe e pesanti dei loro predecessori vittoriani furono sostituite da quelle più strette con pieghe gonfie nella parte posteriore.

Nel dipinto "Miss Lloyd", l'eroina è vestita con un abito come era indossato nella società a quel tempo, sottolineando la vita stretta e la figura a clessidra. "Ritratto di Kathleen Newton" (la sua allora compagna) è l'esatto opposto dell'immagine di Miss Lloyd. L'artista ha ritratto una donna vestita come se irradiasse languore e seduzione. Tuttavia, entrambe le donne hanno il loro fascino e il loro mistero speciali che le circondano. L'abito stesso simboleggia le differenze nella cultura popolare dell'epoca. Un'immagine è tradizionale e convenzionale, mentre l'altra è francamente intima e scandalosa per gli spettatori del 1800.

John Singer Sargent creò l'immagine di una donna, che, sebbene inaccettabile per il suo tempo, divenne uno dei suoi dipinti più riconoscibili e venerati. Questo è un ritratto di Madame Virginie Gautreau, una bellezza americana mescolata con l'alta società francese. Ciò causò un tale scandalo che lo stesso John dovette lasciare Parigi per Londra.

Il suo corsetto è estremamente puntato verso il basso ventre. Un affilato, profondo scollo a V e spallacci di perline coprono a malapena le spalle ed espongono quelle che erano considerate parti intime di una donna, inadatte per l'esposizione pubblica. Dopo che Sargent ha presentato il dipinto al Salon di Parigi del 1884, ha causato l'indignazione di critici e spettatori, perché non è appropriato che una donna sposata dell'alta borghesia sia in una forma così provocatoria. Al pubblico del Salon sembrava che l'eroina della foto indossasse biancheria intima, non un vestito. E la reputazione di Gautreau agli occhi della gente iniziò a scivolare a zero, perché molti la consideravano una persona oscena. Alla fine Sargent ha rimosso il suo nome dal ritratto, ribattezzandolo "Madame X".

4. Abiti famosi nei dipinti del Novecento

L'arte nel ventesimo secolo si è concentrata sull'astrazione e sull'espressione, subendo cambiamenti significativi con nuovi stili e temi. Ha portato anche all'esplorazione di nuove forme e sintesi di moda e arte. Qui sono mostrati i famosi abiti presenti nei dipinti durante il ventesimo secolo.

L'abito dorato di Adele Bloch-Bauer si distingue dal resto dell'abbigliamento dell'alta società del suo tempo. Invece di ritrarre una donna dell'alta borghesia che si rilassa in un giardino o legge su un divano, Klimt trasforma Adele in una figura ultraterrena. Il suo vestito è una figura vorticosa piena di triangoli, occhi, rettangoli e iconografia. Non ci sono segni di corsetti allacciati dritti o strati di vestiti. Modern contiene temi della natura e immagini mitiche. Questo vale anche per la moda bohémien, che lo stesso Gustav indossava e usava in vari altri dipinti.

Dipingeva spesso disegni creati dalla stilista Emily Flege. Non è così conosciuta nel mondo della moda come i suoi contemporanei o predecessori, ma ha fatto bene a creare moda per le donne del suo tempo. A volte è stata una collaborazione, poiché Gustav ha usato i suoi famosi abiti in molti dei suoi altri dipinti.

Tamara Lempicka ha creato ritratti che esploravano la femminilità e l'indipendenza negli anni '20. L'artista Art Deco divenne nota per i suoi ritratti di celebrità che esplorarono la forma stilizzata e raffinata del cubismo che divenne il suo marchio di fabbrica. Ira Perrault (un caro amico e probabile amante di Lempicki) è visto come una manifestazione letterale della musica ne La Musicienne. Ciò che distingue l'immagine è la sua rappresentazione di un vestito blu. La dura tecnica di proiezione delle ombre di Tamara con la sua ricca tavolozza di colori dà movimento all'abito in modo che sembri fluttuare nell'aria. L'orlo corto del vestito e le pieghe fluenti ricordano ancora la moda degli anni '20 che fu un punto di svolta nella moda femminile. Le donne indossavano abiti che esponevano le gambe e le braccia e gonne a pieghe che rendevano più facile ballare.

Tamara è stata ispirata e studiata dai maestri del Rinascimento e ha utilizzato temi simili con un approccio moderno. Tradizionalmente, il blu può essere visto sugli abiti della Vergine Maria nei dipinti medievali o rinascimentali. Il blu oltremare era raro ed era usato per dipinti significativi.

Tessuti messicani colorati e fatti a mano sono intrecciati nel lavoro di Frida Kahlo. Ha abbracciato questi capi come parte della sua eredità e li ha indossati in numerosi autoritratti e fotografie. I famosi abiti presenti in The Two Fridas simboleggiano i suoi legami con entrambi i lati della sua eredità europea e messicana.

Frida a sinistra riflette la sua educazione in una famiglia dell'alta borghesia. Suo padre era originario della Germania e la vita domestica da bambina conteneva costumi occidentali. Il pizzo bianco del vestito simboleggia lo stile popolare nella moda europea. Questa versione occidentalizzata contrasta con il desiderio di Frida di destra di abbracciare la sua eredità messicana indossando un abito tradizionale. Questi vestiti sono qualcosa che suo marito Diego Rivera ha incoraggiato, specialmente nella loro lotta per cambiare il loro paese. L'abito ha mostrato il suo orgoglio nell'indossare abiti locali e tradizionali dal Messico.

L'abbigliamento di Kahlo è un aspetto importante della sua vita e del suo lavoro. Dopo aver contratto la poliomielite da bambina e una gamba è diventata più corta dell'altra, le gonne colorate sono diventate un modo per lei di nascondere la gamba in modo tale da proteggerla dallo scrutinio. Il guardaroba dell'artista comprendeva abiti in tehuana, camicette huipil, rebozo, copricapi floreali e gioielli antichi. Questi capi di abbigliamento per Kahlo sono un'illustrazione del suo amore, dolore e sofferenza, che ha incluso nel suo lavoro.

Di, come è cambiato il kimono nei secoli e che ruolo ha avuto nell'arte e nella moda moderna, leggi il prossimo articolo.